《視覺的超新星：吳采恩與她的色彩創世紀》

—— 日本第24回 NAU 21世紀美術連立展：台灣藝術家吳采恩參展全紀錄與深度藝評

策劃・撰文 ／ 王 穆提（WANG MUTI）

【目錄 Table of Contents】

• 序言： 六本木的視覺風暴 —— 當「野性」撞擊「白盒子」
• 第一章：場域的現象學 —— 在黑川紀章的光之容器中，尋找色彩的絕對座標
• 第二章：作品深度解構 —— 〈宇宙洪荒〉的視覺修辭與液態構圖
• 第三章：色彩的暴力與歡愉 —— 螢光、壓克力與後數位時代的感官邏輯
• 第四章：哲學的迴響 —— 從中國神話的「混沌」到當代物理的「大爆炸」
• 第五章：系譜的對話 —— 抽象表現主義的東方變體與新生代的直覺
• 第六章：展覽戰略分析 —— NAU「連立」精神下的個體突圍
• 結語： 未來的一瞥 —— 台灣當代抽象藝術的新能量

【序言】六本木的視覺風暴 —— 當「野性」撞擊「白盒子」

2026 年初春，東京六本木的空氣中瀰漫著一種理性的寒意。由普立茲克獎級別建築大師 黑川紀章（Kisho Kurokawa） 設計的 國立新美術館（The National Art Center, Tokyo, NACT），以其標誌性的波浪狀玻璃帷幕，冷靜地反射著都會的天光。這座被譽為「亞洲最大藝術容器」的建築，向來以其巨大的空間尺度與嚴苛的展示條件聞名。

然而，當觀眾步入 《日本第24回 NAU21世紀美術連立展》 的展廳時，一股灼熱的視覺氣流打破了這份冷靜。

那是來自台灣藝術家 吳采恩（Wu, Tsai-En） 的百號鉅作 〈宇宙洪荒〉。

在周遭眾多探討結構、哲學或傳統媒材轉譯的作品中，吳采恩的作品像是一顆 「視覺的超新星（Supernova）」。她不與你談論深奧的經文，也不展示顯微鏡下的科學肌理；她直接用 高飽和度的色彩、狂野的流動性 以及 毫不妥協的尺幅，對觀眾的視網膜發起了一場愉悅的轟炸。

這不僅是一次參展，更是一次 「感官的入侵」。吳采恩代表了台灣新生代藝術家的一種典型特質：直覺、無畏，以及對「色彩能量」的絕對信仰。

【第一章】場域的現象學

—— 在黑川紀章的光之容器中，尋找色彩的絕對座標

要評價吳采恩此次參展的成功，首先必須理解她所身處的「戰場」。

1. 白盒子的吞噬與反吞噬

國立新美術館的展示室擁有極高的天花板（約 5 公尺）與漫射的自然光。這種工業級別的「白盒子（White Cube）」空間，具有一種 「消解性」。中性色調、尺幅過小或張力不足的作品，往往會被空間的巨大虛空所吞噬，顯得單薄無力。

吳采恩的策略是 「以能量對抗空間」。

她帶來的 〈宇宙洪荒〉 為 100F (162 x 130 cm) 的大尺幅作品。這在物理體積上首先確立了存在的份量。更重要的是，她作品中那種 「向外擴張」 的構圖邏輯，使得畫面的心理邊界遠遠超出了物理邊框。當這幅畫懸掛在白牆上時，它不僅僅是一個掛件，而像是一個 「發光體」，強勢地定義了周圍的氣場。

2. 光線的共謀

黑川紀章的建築強調自然光與人工光的共生。在白天，陽光穿過玻璃帷幕灑入展廳；在夜晚，專業投射燈聚焦於作品。

吳采恩選用的 壓克力顏料（Acrylic） 具有獨特的反光特性與膠質感。在 NACT 的精準照明下，畫面中的 螢光粉紅 與 寶石藍 產生了如同教堂花窗玻璃般的 「透光感」。這與水墨畫的「吸光」特質截然不同。她的作品與美術館的光線達成了一種「共謀」，利用環境光來增強色彩的振動頻率，使得作品在幾十公尺外就能鎖定觀眾的目光。

【第二章】作品深度解構

—— 〈宇宙洪荒〉的視覺修辭與液態構圖

作品： 〈宇宙洪荒〉 (The Primordial Universe)

規格： 100F (162 x 130 cm)

媒材： 壓克力顏料 (Acrylic on Canvas)

站在這幅畫作前，我們需要用一種 「動態」 的眼光來解讀。這不是靜止的風景，而是一個正在發生的「事件」。

1. 液態現代性（Liquid Modernity）的視覺化

社會學家齊格蒙·鮑曼（Zygmunt Bauman）曾提出「液態現代性」的概念，描述當代社會結構的流動與不確定。吳采恩的畫作，正是這種概念的視覺轉譯。

• 無邊界的色塊： 在畫面左側，巨大的 粉紅、洋紅與白色團塊 相互擠壓、融合。它們沒有堅硬的輪廓線，而是像熔岩或流體一樣漫延。
• 流動的視角： 觀者的視線無法停留在任何一個單一的焦點。從左上方的深紅漩渦，滑落至中央的藍色湍流，再被右側的層積岩狀色塊阻擋。這是一種 「全幅式（All-over）」 的流動，強迫觀眾的眼球不斷遊走，模擬了處於變動中的宇宙狀態。

2. 空間的拓撲學：多維度的摺疊

吳采恩打破了文藝復興以來的單點透視。

• 右上方 的半圓形結構（淺藍色虹橋/日出？），暗示了某種遠景或地平線。
• 左下方 的黑色有機剪影，則像是極近景的物體或觀察者的陰影。
• 中央 的藍綠色線條，如同數位的訊號線或神經網絡，穿越了不同的色塊層次。
• 她將遠景、近景、微觀、宏觀全部 「壓縮」 在同一個平面上。這種空間處理方式非常當代，它反映了網路時代我們在螢幕上同時開啟多個視窗、多個時空的視覺經驗。

3. 線條的「書寫性」與「雕塑性」

畫中的線條具有雙重性格。

• 有些線條是 「流淌（Drip）」 的，那是顏料受重力牽引的自然痕跡，帶有傑克遜·波洛克（Jackson Pollock）式的行動繪畫特徵。
• 有些線條則是 「堆疊」 的，利用壓克力顏料的厚度，在畫布上形成淺浮雕般的肌理。這些線條像是在切割空間，為混亂的色彩洪流建立了臨時的骨架。

【第三章】色彩的暴力與歡愉

—— 螢光、壓克力與後數位時代的感官邏輯

吳采恩作品最強烈的標籤，無疑是 「色彩（Color）」。她對色彩的使用，已經超越了「再現自然」，進入了 「表現意志」 的層次。

1. 螢光色的政治學：拒絕憂鬱

在傳統的「洪荒」題材中，藝術家往往傾向使用混沌的灰、深沈的黑或土黃色（如德國新表現主義）。但吳采恩反其道而行。

她大量使用了 高明度、高彩度 的顏料：螢光粉（Fluorescent Pink）、青檸綠（Lime Green）、電光藍（Electric Blue）。

• 拒絕沈重： 這是一種新生代的宣言。她拒絕了歷史的沈重感與悲劇性。在她筆下，宇宙的誕生不是一場災難，而是一場 「狂歡（Carnival）」。
• 人工自然的混種： 這些顏色帶有強烈的「人工感」與「塑膠感」。這暗示了在 2026 年，我們對「自然」的想像已經無法脫離數位螢幕的濾鏡。她畫的不是原始的自然，而是被當代感官過濾後的 「後自然（Post-nature）」。

2. 色彩的觸感（Haptic Visuality）

德勒茲在論培根（Francis Bacon）時曾提到「觸覺視覺」。吳采恩的畫作也具有這種特質。

那濃稠的紅色壓克力顏料，堆疊得如同奶油或肌肉纖維；那平滑的藍色色塊，則如同冰面。觀眾看這幅畫時，不僅是用眼睛看，甚至會產生一種 「想要觸摸」 的衝動。她利用壓克力顏料的物質特性，喚起了觀眾身體的知覺。

【第四章】哲學的迴響

—— 從中國神話的「混沌」到當代物理的「大爆炸」

儘管吳采恩的表現形式極度當代，但其作品標題 〈宇宙洪荒〉 卻指向了一個古老的東方哲學命題。

1. 莊子的「混沌」與吳采恩的「未分」

《莊子》中的「混沌」是七竅未開、渾然一體的狀態。吳采恩的畫作捕捉的正是這種 「未分化」 的時刻。

天地尚未分離，陰陽尚未定型。畫面中的紅與藍互相侵蝕，象徵著冷熱能量的交替；具象與抽象混雜，象徵著物質尚未被定義。她描繪的不是一個「已完成」的世界，而是一個 「正在生成（Becoming）」 的瞬間。

2. 科學的大爆炸（Big Bang）

若從現代科學角度解讀，這幅畫更像是一張 「宇宙微波背景輻射圖」 的藝術版。

那些爆炸性的放射線條、劇烈擴張的色塊，精準地對應了宇宙大爆炸理論中的 「暴脹（Inflation）」 階段。吳采恩或許沒有刻意去圖解科學，但她憑藉著藝術家的直覺，捕捉到了宇宙創生時那種 「高能、高熱、極速擴張」 的物理本質。

【第五章】系譜的對話

—— 抽象表現主義的東方變體與新生代的直覺

將吳采恩置於藝術史的坐標中，我們可以看到她與前輩大師的對話與背離。

1. 與趙無極的跨時空對話

同樣描繪宇宙與氣韻，趙無極使用的是油畫，追求的是水墨般的氤氳與深邃的空間感（虛）。

吳采恩則使用壓克力，追求的是 「平滑」、「直接」 與 「撞擊」（實）。

如果說趙無極的宇宙是「氣」的流動，那麼吳采恩的宇宙就是 「光子」 的爆發。她是抽象表現主義在台灣新生代身上的一種 「波普化（Pop-inflected）」 或 「數位化」 的變體。

2. 與 NAU 前衛精神的契合

NAU 的歷史源流是「新達達」與反體制。吳采恩的畫作雖然不是現成物裝置，但其 「反審美（Anti-aesthetic）」 的用色策略（大膽使用俗豔的螢光色），以及對傳統構圖的破壞，深得前衛藝術的精髓。

她不討好觀眾的眼球，而是挑戰觀眾的視神經。這種 「野性（Wildness）」 正是 NAU 展覽中最渴望看到的生命力。

【第六章】展覽戰略分析

—— NAU「連立」精神下的個體突圍

在 第 24 回 NAU21世紀美術連立展 這個巨大的舞台上，吳采恩的成功突圍具有戰略意義。

1. 差異化的勝利

展場中有講究哲學結構的 王穆提（結構派），有鑽研生物肌理的 廖純沂（微觀派），還有探討物理秩序的 橋谷勇慈（理性派）。

在這些偏向理性、沈穩的聲音中，吳采恩扮演了 「感性的高音」。

她提供了展覽中稀缺的 「情感宣洩出口」。當觀眾看膩了黑白水墨或冷靜的幾何抽象後，走到〈宇宙洪荒〉面前，會被那種毫無保留的色彩能量所振奮。

2. 視覺記憶點的建立

在擁有數百件作品的大型公募展中，「被記住」 是最難的。

吳采恩利用 100F 的大尺幅 加上 高飽和度的粉紅色系，製造了一個強烈的 「視覺記憶點（Visual Hook）」。這就像是在一部黑白電影中突然出現了彩色的畫面，讓人無法忽視。

【結語】未來的一瞥 —— 台灣當代抽象藝術的新能量

文 ／ 王 穆提（WANG MUTI）

吳采恩在東京六本木的亮相，不僅僅是一次展覽紀錄，更是一個 「信號」。

它標誌著台灣當代藝術中，一股 「直覺系」 力量的崛起。這群新生代藝術家不再揹負沈重的歷史包袱，不再糾結於「水墨現代化」的沉重命題。他們像吳采恩一樣，熟練地使用現代工業媒材（壓克力），自在地挪用古今中外的符號（洪荒/大爆炸），並以一種 「遊戲（Play）」 與 「慶典」 的態度來面對創作。

〈宇宙洪荒〉 是一封寫給未來的邀請函。它邀請我們放下理性的分析，回歸感官的直覺。

在國立新美術館這座理性的玻璃巨塔中，吳采恩用最狂野的色彩，點燃了一把感性的火。這把火，照亮了台灣新生代藝術家通往國際舞台的道路，也讓我們看見了「後數位時代」繪畫最原始、也最動人的力量——那是生命本身，在畫布上毫無保留的燃燒。

【藝術家檔案 Data File】

• 藝術家： 吳采恩 (Wu, Tsai-En)
• 入選展覽： 日本第24回 NAU21世紀美術連立展 (The 24th NAU 21st Century Art Renritsu Exhibition)
• 展出地點： 日本東京・國立新美術館 (The National Art Center, Tokyo)
• 參展作品：
  • 題名： 〈宇宙洪荒〉 (The Primordial Universe)
  • 媒材： 壓克力、畫布 (Acrylic on Canvas)
  • 尺寸： 100F (162 x 130 cm)
  • 創作年份： 2025-2026
• 風格關鍵字： 抽象表現主義、色彩場域、流動性、有機抽象、高飽和度。