第24回 NAU 21世紀美術連立展：參展成員介紹與所屬藝術團體

【I. 策展宣言與組織哲學 (Curatorial Statement & Philosophy)】

NAU 的歷史與理念：從「原子化個體」到「根莖狀連立」的生態系

NAU History & Philosophy: From Atomized Individuals to Rhizomatic Unity

進入 21 世紀，藝術不再是孤立的象牙塔，而是橫向連結的有機網絡。NAU (New Art Unite / 21世紀美術連立展) 自創立以來，便試圖回應日本戰後畫壇長期僵化的「垂直社會（Vertical Society）」結構。傳統公募展體系往往受困於師徒制與嚴格的審查階級，這限制了當代藝術最珍貴的特質——自由意志與異質對話。

NAU 提出的 「連立 (Unite / Renritsu)」 概念，是一種激進的生態實驗，呼應了德勒茲（Gilles Deleuze）的「根莖（Rhizome）」理論。它主張在保留藝術家「本體論上的獨立性（Ontological Independence）」的前提下，進行跨領域、跨國界、跨世代的「水平連結」。在這裡，前衛書道的精神性、野獸派繪畫的物質性、以及數位影像的虛擬性，不再是互斥的流派，而是共同構成 21 世紀視覺景觀的有機組件。

第 24 回展覽，標誌著 NAU 從「日本國內的聯展」轉型為 「泛亞洲的藝術樞紐 (Pan-Asian Art Nexus)」。透過與台灣、韓國藝術團體的結構性結盟，NAU 正重新定義東亞當代藝術的邊界，證明藝術可以在「連立」中保有差異，在「對話」中生成新義。

線上瀏覽：日本第24回 NAU 21世紀美術連立展：互動式藝術家網路圖譜 (Interactive Artist Network Map)

【II. 場域精神 (Venue Significance)】

國立新美術館：無牆的殿堂與對話的容器

The National Art Center, Tokyo: The Wall-less Cathedral of Dialogue

本次展覽選址於日本藝術的最高殿堂——國立新美術館 (The National Art Center, Tokyo)，具有極高的象徵意義。

由建築大師黑川紀章 (Kisho Kurokawa) 設計的這座美術館，本身就是「共生 (Symbiosis)」哲學的體現。它沒有永久館藏（Permanent Collection），意味著它拒絕了歷史的定型，而永遠為「當下」的藝術表現敞開。其巨大的波浪狀玻璃帷幕與無柱展示空間，為 NAU 的大型裝置與空間書道提供了最完美的舞台。在此展出，意味著參展藝術家已經通過了嚴格的學術審查，進入了日本當代美術史的正規視野。這不僅是一個展示空間，更是一個將個人創作轉化為「公共記憶」的神聖場域。

參展藝術家之「藝術團體／參展畫廊／學術圈」分析串連

一、方法論與閱讀指引

1) 三層結構的網絡分析框架

團體層（G）：以 NAU（21 世紀美術連立展）為中心，向外延伸至 Salon Blanc（日仏現代国際美術展）、太平洋美術會、墨人會、AJAC、日本美術家聯盟、Asia Artists Network（亞洲藝術家網絡）、AU（藝術家聯盟）、現展（日本現代美術家協會） 等。
畫廊層（A）：以東京銀座—京橋畫廊帶為核心節點（如 Gallery Hinoki、K’s Gallery、Shirota Gallery、Artcomplex Center of Tokyo（ACT）、Gallery Natsuka、GALLERY AND LINKS 81 等），並延伸至橫濱、名古屋、京都、大阪、以及海外（巴黎、紐約、米蘭等）的合作空間。
學術層（S）：以東京藝術大學、多摩美術大學、武藏野美術大學、女子美術大學、京都造形／京都藝術大學、愛知縣立藝術大學、大阪藝術大學、弘益大學（韓）、巴黎 Académie de la Grande Chaumière（法）等為中心，串連師承脈絡（師徒制、研究室系統）與跨校互動（客座、雙聯、交流展）。

2) 節點與邊（Nodes & Edges）

節點（Nodes）：藝術家、團體（協會／聯展組織）、畫廊（含美術館）、學術機構。
邊（Edges）：
- 會員／成員／受獎（藝術家 ↔ 團體）；
- 個展／聯展合作（藝術家 ↔ 畫廊／美術館）；
- 學位／師承／研究／講師（藝術家 ↔ 學術機構）；
- 策展／評審（藝術家／團體 ↔ 畫廊／美術館）；
- 跨國交流（團體 ↔ 海外畫廊／美術館／學校）。

3) 網絡讀法

同心圓：以 NAU 為第一圈，向外是與 NAU 高頻互動之畫廊（如 Hinoki、K’s）、再外圈是與 NAU 參展藝術家有重疊的其他團體（如 Salon Blanc、太平洋美術會、墨人會、現展等）與海外節點（巴黎、紐約、米蘭）。
橋樑節點：能連接複數圈層的藝術家（例如具 NAU 會員身份、同時是其他大團體或海外平台的活躍者），或同時在學術與展覽兩端有強連結的策展人型藝術家。
媒材社群：書法／墨、纖維藝術、版畫、油畫／抽象、陶藝／雕刻、攝影等社群在畫廊與學術的交匯點上形成「媒材網絡」。

二、核心節點總覽

先列示在本屆參展名單中，最能構成網絡骨架的「團體—畫廊—學術」節點，並附以與名單中多位藝術家反覆出現的聯動特徵。

(G) 團體與聯展平台

NAU（21 世紀美術連立展）：本次分析之中心；大量藝術家以 NAU 會員或推薦入選者身份參展。
Salon Blanc（日仏現代国際美術展）：與法國機構、法國大使館獎項相關；名單中青木洲子、久保木妃呂子、文珠川清、吉原緑香等與此平台有交集。
太平洋美術會：日本最早西洋畫團體源流之一；久保木妃呂子為運營委員／會員／東京支部成員。
墨人會：日本戰後現代書法重要源流；萌翠、渡邊佐和子與此脈絡緊密。
現展（日本現代美術家協會）：王穆提為台灣聯絡所所長；吳采恩 2025 年入選第 81 回現展。
Asia Artists Network（亞洲藝術家網絡）：山田陽子為社長；橫向串連亞洲圈合作。
AU（藝術家聯盟）：與具體美術創始成員嶋本昭三企劃有交集；湯沢茂好、桑山真麻弓等涉入。
AJAC、日本美術家聯盟：Sasaki Tsunamasa 為 AJAC 會員；多位藝術家亦與日本美術家聯盟互動。

(A) 畫廊與美術館

Gallery Hinoki（ギャラリー檜／京橋）：NAU 藝術家高頻出現之東京核心畫廊節點。
K’s Gallery（銀座）：多位藝術家每年舉辦個展，與 NAU 社群重疊。
Shirota Gallery（銀座）：上杉道子、浜田夏子等活躍。
Artcomplex Center of Tokyo（ACT）：woga、渡邊健吾、YU-KI 等曾在此展出或獲獎。
Gallery Natsuka／GALLERY AND LINKS 81／Gallery KINGYO／小杉畫廊：NAU 與首都圈畫廊帶的典型合作節點。
國立新美術館（六本木）：NAU 展主場；多位藝術家亦在此參與其他大型公募或交流展。
海外節點：巴黎 Galerie Métanoïa、Espace Sorbonne 4；紐約 The Nippon Gallery、The Nippon Club；米蘭 M.A.D.S. ART GALLERY；首爾多個美術館與文化院等。

(S) 學術機構

東京藝術大學：田畑理恵（講師經歷／研究）、田嶋初／田島弘行／塩見章等油畫／版畫背景；宇田川宣人（藝研修士課程）。
多摩美術大學：Akiko SIACCA、HIROMI TOMINAGA、Saka Mitsuhiro 等。
武藏野美術大學：久保木妃呂子、Kobayashi Tetsuro、田畑理恵、山根真奈等。
女子美術大學：磯崎式子、深尾良子等。
京都造形／京都藝術大學：浅野あかね、晶蔵等。
愛知縣立藝術大學：YUKIKO（水彩聯盟等展歷）、針谷智子（瀨戶窯業專攻）背景相關。
大阪藝術大學：関野凛太郎（藝製作博士課程）等。
弘益大學（韓國）、梨花女子大學：HOLEE、柳賢淑等。
Académie de la Grande Chaumière（巴黎）：柳賢淑留學背景；連結法國美術教育傳統。

三、網絡結構：從 NAU 出發的「同心圓」與「橋樑節點」

1) 中心圈（NAU 直屬與高頻互動者）

髙橋俊明（NAU 會長）：作為制度與展務的核心人物，是 NAU 網絡的中心樞紐，向東京銀座畫廊帶、國立新美術館、以及 NICAF／岡本太郎紀念現代藝術大賞展等其他大型平台延伸。
橋谷勇慈（NAU 事務局長）：畫廊合作（Hinoki、Natsuka、正光畫廊）與海外交流（西班牙、日本—歐洲）之橋樑。
金丸順子、仁平和幸、神田風香、末本太丸、平昇、高橋詩桜里、戸沼牧子、Masaya Iwasaki、松下佐代、松村清司、Maho Laplante、杉山まさし、関野凛太郎、渡邊健吾、渡邊佐和子、渡辺信好、やちぐちひろゆき、野村雅美、宣和、西田裕子、二宮ちとせ、山田陽子等：在 NAU 與銀座—京橋畫廊群之間形成高頻互動「社群核心」。

2) 橋樑節點（跨團體／跨國平台的關鍵連結者）

青木洲子：與 Salon Blanc（日仏現代国際美術展）的獎項鏈接（法國大使館賞、文部科學大臣賞），把 NAU 與法國平台緊密相連。
久保木妃呂子：太平洋美術會運營委員＋NAU；並持續參與東京都美術館與 Salon Blanc，連通「日本西洋畫傳統脈絡—NAU—法國交流」。
渡邊佐和子：NAU 前會長＋墨人會成員；把 NAU 與戰後現代書法源流接合。
桑山真麻弓：大阪藝術大學纖維＋AU／具體系企劃參與；連接關西纖維—具體美術—海外（米蘭）設計週。
湯沢茂好：OBARA 美術研究所出身＋ AU 參展；以具體美術企劃與地方研究所網絡連接 NAU。
柳賢淑（韓）／HOLEE（韓）：韓國學術背景＋首爾美術館群＋巴黎畫廊；把 NAU 與韓國、法國兩端相連。
王穆提（台）：現展台灣聯絡所所長＋ NAU 台灣首位成員；連接 NAU—現展—台灣高校與文化機構—北京 798 等媒體平台，並以策展與資料庫建構（2,000+ 藝術家）強化跨國資料與宣傳流。
文珠川清：Salon Blanc 執行委員長＋日本美術家聯盟會員；把 NAU 與日法平台的制度與評審層面串起來。
Maho Laplante：紐約藝術學生聯盟獎學金＋巴黎、東京展歷；連接 NAU 與美國—法國教育與展覽鏈。
Akiko SIACCA：銀座畫廊社長＋現代藝術家；把 NAU 與銀座畫廊經營網絡相互耦合。

四、畫廊帶（銀座—京橋）與 NAU 的「共振」

1) Gallery Hinoki（ギャラリー檜）為典型樞紐 多位 NAU 參展者長年在 Hinoki 舉辦個展／選拔展（例：末本太丸、金丸順子、神田風香、トウキョウタカシ（Tokyo Takashi）、橋谷勇慈、Masaya Iwasaki、渡邊健吾 等）。 Hinoki 的策展節奏常與 NAU 年度展期前後共振，形成「國立新美術館（聯展） ↔ 銀座—京橋（個展／二人展）」的雙軌節點。

2) K’s Gallery（銀座）—年度個展習慣戸沼牧子、鈴木齊、深尾良子、浜田夏子 等在 K’s Gallery 的穩定個展節奏，使 NAU 藝術家在同一畫廊網絡中累積「作品語彙的連續性」與「收藏者社群的熟識度」。

3) Shirota Gallery（銀座）—現代至當代的串連上杉道子、浜田夏子、Akiko SIACCA 等與 Shirota 的長期互動，把「銀座傳統畫廊運作方式」與「NAU 的當代實踐」互相對照。

4) ACT（Artcomplex Center of Tokyo）—新銳與競賽導向woga、YU-KI、渡邊健吾 等在 ACT 的展出與大賞機制，為 NAU 社群釋放新血流動（競賽—聯展—個展—國立新美術館）的升級路徑。

五、學術圈—師承脈絡與展場行動的相互增幅

1) 東京藝術大學（藝研、油畫、版畫）

宇田川宣人（藝研修士，九州產業大學名譽教授）：學術職務＋國際交流（美國賓州客座），把 NAU 與「學術評議—國際展務」連接。
塩見章（油畫科；MMG 版畫工房藝術總監）：在學術技術面（版畫工房）與畫廊（Kaneko Art Gallery）之間形成「技術資源—展陳資源」的橋。
田島弘行（東京藝大油畫—版畫研究室）：版畫與油畫雙線，對 NAU 的「多媒材共存」提供案例。

2) 多摩美術大學／武藏野美術大學—首都圈學術雙峰

Akiko SIACCA、HIROMI TOMINAGA、Saka Mitsuhiro、Kobayashi Tetsuro、田畑理恵、山根真奈 等，透過首都圈兩大美術校系的師承與校友展、研究所系統，把 NAU 與「學術再生產機制」緊密聯繫。
田畑理恵：教育學博士＋書法與抽象之跨域師承（米島清鶴、金子卓義／Steven Cushner），提供「東西方媒材語言融合」的示範路徑。

3) 京都系（京都造形／京都藝術大學）—地域型當代語彙

浅野あかね、晶蔵、アレトコレココ 等在京都系訓練與畫廊行動（京都同時代等）之間，形成「地域美術圈—國立新美術館」的跨區引力。

4) 愛知／大阪系—中部與關西的補強

関野凛太郎（大阪藝術大學博士課程；Shell 美術賞學生特別獎；Art Gate Program 收藏）等，連結企業收藏與拍賣、藝術博覽會（ART OSAKA）之路徑。
針谷智子（瀨戶窯業專攻）：把陶藝工房體制與倫敦、巴黎個展接軌。

5) 海外學術與交流

柳賢淑（弘益大學／巴黎 La Grande Chaumière）：韓國—法國—日本三角網絡。
HOLEE（梨花女子大學西洋畫）：首爾國立現代美術館、法國文化院與日本展務跨線；NAU 與韓國機構直連。
Maho Laplante（紐約藝術學生聯盟）：美國教育資源＋東京與巴黎雙城展藝連動。

六、媒材社群與跨域串連

書法／墨（現代書藝）

石井抱旦（前衛書道家；每日書道展審查員）：把「漢字書法」之筆墨美學轉化為跨國抽象視覺；與義大利、德國、法國展出經驗，將日本墨文化現代性導出國際舞台。
渡邊佐和子（墨人會成員；NAU 前會長）：戰後現代書法源流與 NAU 的組織樞紐，聯通京都—東京墨藝圈。
萌翠（墨人會、墨人賞）：京都墨人傳統與 NAU 當代聯展的「筆墨更新」。
柳谷みち代、山崎倖子：以筆墨線條美學連接畫廊二人展與地方群展，形成「小型展—大展」的階梯路徑。
濱﨑道子（書道科；橫濱墨の美術館館長）：書藝館—銀座—海外城市（巴黎、坎城、倫敦、華沙、西班牙）之跨國串連。
林和子（BKS 會員；萬花鏡藝術師承）：以「媒材擴充」介面連結書藝、工藝美學與公共空間展示。

纖維／工藝

オギノキヨコ、岡本直枝、桑山真麻弓：從大學時期群展（よきなみ展）到台日交流展，再到米蘭設計週、美術節與大型商場美術空間（高島屋、美術畫廊）之「生活美學—當代語彙」接合。
針谷智子（瀨戶窯業）：陶藝師承與倫敦、巴黎個展串連，凸顯「工房—畫廊—國際化」。

版畫／油畫／抽象

塩見章（版畫工房總監）：技術資源中心；與小杉畫廊、Kaneko Art Gallery 之展出。
田島弘行（版畫研究室）：油畫、版畫雙棲；京王版畫沙龍、地球堂、KINGYO 等展出實踐。
金丸順子、仁平和幸、佐藤利予、芝谷桂：在抽象語彙裡，透過 Hinoki、AND LINKS 81、Yamate（橫濱）等畫廊聚合，形成「抽象社群—銀座帶」。

攝影／影像

トウキョウタカシ（Tokyo Takashi）：PX3、IPA、FAPA、倫敦國際創意大賽、布達佩斯國際攝影獎等國際攝影競賽；把 NAU 與全球攝影平台相連。
野村雅美：音樂—繪畫—Live Painting 的跨媒介行動，形塑「現場性—抽象性」的影像美學。
YU-KI：Photo Communication® 協會；東京代官山 Space K、RDECO 等展出，連接攝影社群與銀座畫廊。

七、跨國路徑的雛形

巴黎軸：Salon Blanc（法國大使館賞）— Galerie Métanoïa — Espace Sorbonne 4 — La Grande Chaumière（教育）。
紐約軸：The Nippon Gallery／The Nippon Club — Lincoln Center Cork Gallery — Emerson Umbrella 之水彩系統（YUKIKO）— 美國評審獎學金（Maho Laplante）。
首爾軸：國立現代美術館—法國文化院—多家美術館（HOLEE、柳賢淑）。
米蘭／歐洲設計週軸：桑山真麻弓（MILANO GENIUS）、M.A.D.S.（義大利米蘭）。
東歐—中歐軸：Okayama Masaki（波蘭克拉科夫國立美術館、華沙現代藝術中心收藏）。
北陸—富山—北海道地方軸：Sugano Junko（富山交流）／Guarino Aki（富山駐村與越中藝術節）／Etsuko Fukue（北海道美術協會—札幌、小樽展務）。

八、先行洞察

NAU 是結構化的「聯展—個展—學術—海外」的樞紐：透過國立新美術館的年度展期與銀座—京橋畫廊帶的個展節奏，形成作品語彙的「連續性」、觀眾社群與藏家社群的「可預期性」。
橋樑型藝術家決定網絡的外延半徑：青木洲子（法國獎項）、久保木妃呂子（太平洋美術會）、渡邊佐和子（墨人會）、桑山真麻弓（具體×米蘭）、柳賢淑／HOLEE（韓國×巴黎）與王穆提（台灣×現展×媒體×資料庫）等，顯著擴張 NAU 的跨國觸角。
學術系統提供方法與語言的「再生產」：東京藝大／多摩／武藏野／女子美／京都系／大阪藝大等，讓媒材與方法論在展覽端持續被更新；師承鏈與工房體制（如 MMG 版畫工房、OBARA 美術研究所）是技術資源的穩定支撐。
媒材社群的交叉是未來方向：書藝—抽象、纖維—具體、版畫—油畫、攝影—裝置的交叉語言，更容易在海外平台得到識別與共鳴，形成可擴張的敘事。

【IV. 序章：權威與基石 (Prologue: The Foundations)】

2. 髙橋俊明 (Takahashi Toshiaki)

學術定位：NAU 會長 / 空間構成的教育者
資歷摘要： 東京學藝大學大學院繪畫講座 / 岡本太郎紀念現代藝術大賞展。
[學術評論]：
作為 NAU 的掌舵者，高橋俊明的作品體現了東京學藝大學系譜中特有的「理性」與「結構」。他的繪畫超越了單純的平面裝飾，展現出一種建築般的空間構成意識。他擅長運用色彩的推移 (Color Progression) 與幾何的分割，在裝置藝術上構建出深邃的3D場域。其作品不僅是視覺的享受，更是對「如何介入空間」這一課題的嚴肅學術回應。

3. 橋谷勇慈 (Hashiya Yuji)

學術定位：科學理性與抽象美學的統合
資歷摘要： NAU 事務局長 / 名古屋大學（諾貝爾獎赤崎勇研究室成員）。
[學術評論]：
橋谷勇慈是當代藝術界罕見的「科學家藝術家」。出身於諾貝爾物理學獎團隊的研究背景，賦予了他的抽象繪畫一種獨特的「演算法美學 (Algorithmic Aesthetics)」。他的線條與色塊並非源於感性的宣洩，而是如同晶體結構或電路矩陣般，遵循著某種內在的宇宙秩序。他是 NAU 展覽中「理性之眼」的代表。

4. 光行洋子 (Mitsuyuki Yoko)

學術定位：九州畫壇的學院教母
資歷摘要： 九州產業大學名譽教授 / 亞洲國際美術展副代表。
[學術評論]：
擁有「名譽教授」的崇高學術頭銜，光行洋子代表了日本洋畫界的正統與傳承。她的作品展現了大師級的控場能力——色彩厚重而不滯悶，構圖宏大而細節豐富。作為九州地區藝術教育的領袖，她的畫作流露出一種深厚的人文關懷與歷史底蘊，穩住了展覽的學術重心。

5. 宇田川宣人 (Udagawa Nobuhito)

學術定位：國際視野下的在地深耕
資歷摘要： 九州產業大學名譽教授 / 福岡市美術聯盟理事長 / 賓州大學客座。
[學術評論]：
宇田川宣人的藝術實踐跨越了東西方的邊界。身為福岡美術界的行政核心與教育家，他的作品融合了日本洋畫的紮實功底與歐美當代藝術的構成邏輯。他是 NAU 推動 AAN (Asian Artists Network) 的重要支柱，其作品本身就是一種跨文化溝通的媒介。

6. 久保木妃呂子 (Kuboki Hiroko)

學術定位：百年洋畫史的守護者
資歷摘要： 太平洋美術會營運委員 / Salon Blanc 參展。
[學術評論]：
太平洋美術會是日本最古老的西畫團體（源於明治時期）。久保木妃呂子身為其營運委員，承載著日本洋畫百年的歷史重量。她的作品堅持傳統油畫的「繪畫性 (Painterliness)」，強調筆觸的溫度與顏料的質感，展現了一種超越潮流的古典堅韌。

【Chapter I】墨的當代辯證——空間、氣韻與解構

Dialectics of Ink: Space, Gesture, and Deconstruction

[策展導讀]

本章節探討「墨」在當代藝術中的雙重路徑：一端是日本前衛書道對「文字意義的剝離」與「空間的爆發」；另一端是台灣當代漢墨對「文人精神的現代化」與「氣韻的綿延」。

【Section 1: 兩大女流的對話 (Dialogue of the Matriarchs)】

7. 渡邊佐和子 (Watanabe Sawako)

學術定位：前衛書道正統 / 空間的切割者
資歷摘要： NAU前會長 / 墨人會成員 / 師從比田井南谷、森田子龍。
[學術評論]：
渡邊佐和子是日本戰後前衛藝術史的活見證。身為「墨人會」的嫡系傳人，她的創作核心在於「筆蝕」——即筆鋒與紙張纖維激烈摩擦後留下的生命痕跡。在她的作品中，漢字的形體已被徹底解構，轉化為純粹的黑白能量塊面。她對空間的處理具有極強的侵略性與建築感，墨跡如同在虛空中劃出的閃電。這不是靜態的書寫，而是身體能量在瞬間爆發後的「凝固時間」。

8. 連瑞芬 (LIEN Jui-Fen)

學術定位：台灣書壇領袖 / 現代文人氣韻
資歷摘要： 臺灣女書法家學會理事長 / 澹廬文教基金會董事長。
[學術評論]：
如果說日本書道追求瞬間的爆發，連瑞芬則展現了「時間的綿延」。作為台灣書壇的重要領袖，連瑞芬深得曹秋圃一脈（澹廬）的「書道禪」精髓，線條遒勁而富有彈性。然而，她並未止步於傳統條幅，而是大膽地將現代繪畫的「滿版構圖」與「留白美學」引入書法。她的作品展現了一種獨特的「統攝力」——在看似自由奔放的行草線條中，蘊含著嚴謹的結構秩序，是古典修養與現代視覺語言的完美融合。

【Section 2: 結構、立體與實驗 (Structure, Dimension & Experiment)】

9. 石井抱旦 (Ishii Hotan)

學術定位：立體書道 / 國際化的書寫語言
資歷摘要： 每日書道展審查員 / 活躍於義大利、德國、法國。
[學術評論]：
石井抱旦致力於解決一個核心問題：如何讓不識漢字的西方觀眾也能被書法感動？他的答案是「立體化」與「建築化」。他將書法線條視為建築的樑柱，在2D紙面上構建出3D的空間深度。其作品具有強烈的雕塑感，是書道走向全球當代藝術的成功範本。

10. 王詮富 (WANG-CHUAN FU)

學術定位：水墨的物質性實驗 / 學院新銳
資歷摘要： 國立台北藝術大學 (TNUA) 美術碩士。
[學術評論]：
王詮富代表了台灣年輕一代學院派對水墨的革新視角。他將水墨視為與壓克力、油畫顏料平等的「物質 (Material)」，而非單純的書寫工具。他在畫面上進行堆疊、沖刷與肌理製造，模糊了「書法」與「繪畫」的界線，展現出一種帶有實驗性質的視覺張力。

11. 陳福祺 (CHEN FU-CHI)

學術定位：影像與墨象的跨界 / 攝影之眼的書寫
資歷摘要： 台灣本土攝影聯誼會會長/廣角攝影俱樂部會長。
[學術評論]：
陳福祺身為台灣攝影界的重要領袖，此次跨界展出「現代書法」。他的書寫帶有強烈的影像邏輯：他對漢字結構的佈局，猶如攝影中的「取景 (Framing)」與「構圖」，極其講究空間的切割與虛實對比。這是一種「用快門之眼運筆」的獨特實踐，證明了視覺藝術原理的高度互通性。

12. 濱﨑道子 (Hamasaki Michiko)

學術定位：墨的文化翻譯者
資歷摘要： 橫濱墨之美術館館長。
[學術評論]：
濱﨑道子的作品具有一種優雅的「流動性」。她深知如何將東方的「線條美學」翻譯給西方世界。她的創作聚焦於單一筆畫的豐富變化——從濃墨的焦灼到淡墨的暈染，展現了水與墨在紙上交融的微觀宇宙。

13. 萌翠 (Hosui)

學術定位：紙與墨的滲透學
資歷摘要： 墨人會成員。
[學術評論]：
作為墨人會的一員，萌翠關注「滲透 (Osmosis)」的過程。作品呈現墨汁如何在時間推移下，緩慢地侵蝕、暈染紙張的纖維。這是一種極為內省的創作，邀請觀眾體驗一種靜謐的東方冥想。

14. 廖純沂 (Liau, Chun-Yi)

學術定位：儒醫傳統的現代文人畫 / 療癒的水墨
資歷摘要： 中山醫學大學博士 / 活躍於國際書畫展。
[學術評論]：
廖純沂延續了「儒醫」傳統，選擇具象的「水墨畫」作為修身媒介。筆墨間流露出一種醫者特有的仁心與平和。他不追求險怪的構圖，而是通過墨色的濃淡暈染，構建出充滿人文氣息的山水意象，在展場中提供了一種古典而安定的力量。

15. 姜金玲 (Jiang Jinling)

學術定位：膠彩與水墨的交融
資歷摘要： 東海大學膠彩畫專攻 / 師從姜一涵。
[學術評論]：
姜金玲的作品融合了台灣水墨的靈動與日本膠彩（岩彩）的厚重。師從現代水墨大師姜一涵的背景，使她的作品在墨韻之外，多了一份礦物顏料的閃爍質感與色彩層次，展現了跨越媒材的現代文人畫風。

16. 柳谷みち代 (Yanagiya Michiyo)

學術定位：線條的音樂性
資歷摘要： 當代墨與書寫。
[學術評論]：
柳谷的作品強調線條的節奏感與音樂性。她打破了漢字的結構束縛，讓線條在空間中自由舞動。其作品往往帶有一種輕盈的律動，如同凝固的音樂旋律，展現了當代書寫在擺脫表意功能後的純粹形式之美。

17. 栗原光峯 (Kurihara Koho)

學術定位：書法外交官
資歷摘要： JIAS 會員 / 比利時・荷蘭美術賞展優秀賞。
[學術評論]：
致力於書法的「國際化」。栗原深知如何調整筆墨的視覺語言，使其超越文字的語義障礙，轉化為西方觀眾也能理解的抽象線條藝術，是一種極具溝通力的現代書藝。

18. 井上一光 (Inoue Ikko)

學術定位：文字學的藝術轉化
資歷摘要： 字統文字研究所所長 / 福岡文化賞。
[學術評論]：
井上一光不僅是書家，更是文字學者。他將「甲骨文/金文」還原為原始的咒術符號，其作品具有強烈的象形性與神秘感，是極具學術深度的「學人書道」。

19. 小川移山 (Ogawa Izan)

學術定位：行為書道與表現教育
資歷摘要： 半島酒店收藏。
[學術評論]：
小川移山將書法定義為「表現教育」與「行為藝術」。他的作品強調書寫過程中的表演性與身體介入，試圖將書法的能量輻射到公共空間，氣勢磅礴。

20. 吉原緑香 (Yoshihara Ryokka)

學術定位：和洋折衷的書畫
資歷摘要： 日法現代美術世界展優秀獎。
[學術評論]：
吉原緑香成功地在畫布上調和了東方的筆墨線條與西方的色彩構成，創造出一種跨文化的視覺語言，展現了「和洋折衷」的美學高度。

21. 田畑理恵 (Tabata Rie)

學術定位：理論與實作的統一
資歷摘要： 教育學博士。
[學術評論]：
結合了東方書法與美式抽象畫，田畑理恵的作品是其美學理論的實踐，在畫布上進行理性的東西融合，展現了學術研究者的嚴謹與跨文化視野。

【Chapter II】繪畫的物質學——從熱情厚塗到理性冷抽

The Materiality of Painting: From Impasto Passion to Rational Abstraction

[策展導讀]

在螢幕影像（Screen Image）氾濫的當代，繪畫存在的本體論意義為何？NAU 的回答是：「物質的復權 (The Restoration of Materiality)」。

本章節呈現了繪畫作為一種物質實踐的兩種極端。一端是繼承日本洋畫史的「表現主義系譜」，強調野獸派式的色彩爆發與身體性的筆觸；另一端則是活躍於東京當代畫廊的「理性抽象系譜」，強調時間的堆疊、顏料的物理厚度與幾何結構的冷靜構建。

【Section 1: 熱情與生命 (Passion & Life) —— 表現主義的系譜】

22. 通天櫻井洋美 (Tsuten Sakurai Hiromi)

學術定位：日本野獸派的火焰 / 觸覺視覺
資歷摘要： 獨立美術協會會友 / 師從池島勘治郎。
[學術評論]：
「獨立美術協會」自 1930 年代創立以來，便是日本「野獸派 (Fauvism)」的堡壘。通天櫻井洋美的作品完美繼承了這一血統。她拒絕色彩的自然主義再現，而是追求色彩的「情感真實 (Emotional Truth)」。在她的畫布上，顏料不是被平塗，而是被堆砌、被撞擊。那些燃燒般的紅色與深邃的黑色，構成了強烈的視覺對比。這種「厚塗法 (Impasto)」賦予了畫面強大的雕塑感，彷彿要突破2D平面的限制，直擊觀眾的視網膜，喚起一種「觸覺視覺 (Haptic Visuality)」。

23. 磯崎式子 (Isozaki Noriko)

學術定位：光與色的編織者 / 視覺愉悅
資歷摘要： 一陽會繪畫部委員 / 女子美術大學 / 一陽賞。
[學術評論]：
磯崎式子的作品展現了「一陽會」特有的美學傳統——對光影與色彩和諧的極致追求。她擅長運用細碎的筆觸，將無數種色調編織成一種流動的光譜，如同印象派對光線的捕捉，但又更具現代裝飾性。她的畫面往往洋溢著一種溫暖的「視覺愉悅 (Visual Pleasure)」，沒有艱澀的觀念說教，只有純粹的色彩在空間中律動，是對抗當代冷漠疏離的一劑解藥。

24. 仁平和幸 (Nihira Kazuyuki)

學術定位：時間的地質學 / 物質堆疊
資歷摘要： NAU 正式會員 / Gallery Hinoki 年度精選展。
[學術評論]：
仁平和幸的繪畫是對「時間」的物理化呈現。他不在畫布上描繪具象，而是進行無止盡的顏料堆疊與刮除。近距離觀看他的作品，會發現表面充滿了如同地質斷層般的肌理與裂痕。這種「物質性 (Materiality)」是對抗數位影像扁平化最有力的武器，邀請觀者進行一種考古學式的凝視。

25. 金丸順子 (Kanemaru Junko)

學術定位：內在風景的轉譯
資歷摘要： NAU 正式會員 / 國立新美術館常連。
[學術評論]：
金丸順子的創作長期聚焦於「內在風景 (Inner Landscape)」與「光影律動」。她是當代日本抽象畫界中，能將物質性與精神性優雅結合的代表人物。其作品在國立新美術館的展出，往往能以細膩的色彩層次引發觀者深層的共鳴，展現了極高的視覺完成度與詩意氛圍。

26. 小林哲郎 (Kobayashi Tetsuro)

學術定位：社會派表現主義
資歷摘要： 武藏野美術大學 / 獨立美術 / JAALA 國際交流展。
[學術評論]：
小林哲郎的筆觸帶有一種粗獷的原始力量。結合 JAALA (亞非拉丁美洲連帶) 的背景，他的作品往往隱含著對社會現實或人類處境的關注。他不修飾筆觸的粗糙感，這種「未完成感 (Non-finito)」反而增強了畫面的真實性與迫力，是繪畫作為一種社會發聲工具的實踐。

27. Maho Laplante

學術定位：紐約畫派的嫡系 / 行動繪畫
資歷摘要： 紐約藝術學生聯盟獎學金 / 林肯中心展出。
[學術評論]：
Maho Laplante 的作品將觀眾帶回了紐約抽象表現主義的黃金時代。繼承了 Pollock 與 Rothko 的母校傳統，她的畫作強調「行動 (Action)」。畫布是她身體運動的紀錄場域，顏料的滴流、潑灑與刮擦，保留了創作當下的速度感與偶然性。這是一種美式的自由與奔放，與日本傳統的內斂美學形成了精彩的對照。

28. 深尾良子 (Fukao Ryoko)

學術定位：心象風景的層次
資歷摘要： 女子美術大學 / 茨城縣展特賞 / 新象展協會賞。
[學術評論]：
深尾良子是女子美術大學出身的實力派。她的作品展現了女性藝術家特有的感性與韌性。色彩層次豐富，擅長捕捉自然界中稍縱即逝的光影變化，並將其轉化為內在的心象風景。她在「新象展」的獲獎經歷，證明了其在具象與半抽象之間游刃有餘的造型能力。

29. 豊崎旺子 (Toyosaki Okiko)

學術定位：繪畫的純粹性
資歷摘要： 日本美術家聯盟會員 / 銀座 O Gallery 個展。
[學術評論]：
豊崎旺子活躍於銀座 O Gallery 等重視「繪畫性」的空間。她的作品不依賴奇觀，而是回歸繪畫的基本元素——色彩、構圖與筆觸的平衡。其畫作往往帶有層層疊加的厚度，展現了日本中堅畫家紮實的底蘊與對繪畫本體的堅持。

【Section 2: 理性與沈澱 (Reason & Sediment) —— 物質抽象的系譜】

30. 和田廣司 (Hiroshi Wada)

學術定位：都市的幾何秩序 / 冷抽象
資歷摘要： 活躍於 Gallery Hinoki / 現代美術家。
[學術評論]：
和田廣司的作品是現代都市經驗的抽象化。他運用水平與垂直的線條，構建出一種嚴謹的「網格系統 (Grid System)」。這種冷靜的幾何構成，剔除了多餘的情感宣洩，只留下純粹的結構與秩序。他的畫作如同現代主義建築的藍圖，展現了一種「冷抽象 (Cool Abstraction)」的知性美感，是理科思維在藝術上的投射。

31. 平昇 (Taira Noboru)

學術定位：微觀世界的有機形態
資歷摘要： 國立新美術館收錄 / 銀座 Kobayashi 畫廊。
[學術評論]：
平昇是一位受到國立美術館體系關注的實力派畫家。他的作品特色在於極高的完成度與細膩的微觀視角。他往往在畫面上創造出一種迷離的空間感，色彩層次豐富而微妙，彷彿在探討有機生物的細胞結構或是宇宙的星雲。其作品的靜謐氣質，使其具有極高的收藏價值，屬於「耐看型」的經典當代繪畫。

32. HOLEE

學術定位：單色畫的精神性 / 韓法混血美學
資歷摘要： 韓國梨花女子大學 / 法國大茅舍 / 國立新美術館個展。
[學術評論]：
HOLEE 的作品是韓國「單色畫 (Dansaekhwa)」精神的當代延續。她通過單一顏色的反覆塗抹，達成一種修行的境界。然而，法國留學的背景賦予了她更具層次的色彩感，不似傳統單色畫那般苦行，而是帶有抒情抽象的詩意。她的作品在展場中提供了一個安靜的「氣口 (Breathing Space)」，讓觀眾的視覺在喧鬧中獲得休息。

33. 浜田夏子 (Hamada Natsuko)

學術定位：抒情抽象的繼承者
資歷摘要： 東京藝術大學 (師從脇田和) / 椿近代畫廊。
[學術評論]：
浜田夏子師從抒情抽象大師脇田和，繼承了那份溫暖與詩意。她的色彩運用柔和而富有音樂性，展現了東京藝大油畫科深厚的色彩教養。畫面中模糊的邊界與暈染，如同記憶的殘影，引發觀者對逝去時光的鄉愁。

34. 香西洋子 (Kozai Yoko)

學術定位：現代美術的跨界對話
資歷摘要： 活躍於六本木藝術圈 / Gallery Hinoki。
[學術評論]：
香西洋子長期推動當代美術的跨界對話。她的作品形式靈活，不拘泥於單一風格，注重色彩、形態與構圖的節奏感。在 Gallery Hinoki 的展出中，她展現了細膩而內省的視覺語言，強調觀者與作品之間的感知共鳴。

35. 神田風香 (Kanda Fuka)

學術定位：線性美學的探索
資歷摘要： 書道教育學會出身 / 國立新美術館參展。
[學術評論]：
神田風香的背景雖源於書道，但她的作品已轉化為純粹的當代抽象。她專注於「線條」在空間中的表現力，探索書寫性線條如何脫離文字，成為獨立的視覺元素。其作品因獨特的「線性美學 (Linear Aesthetics)」受到跨文化評論家的關注。

36. 荒川久美子 (Arakawa Kumiko)

學術定位：版畫思維的層次
資歷摘要： 東京造形大學版畫組 / Gallery Hinoki。
[學術評論]：
荒川的作品帶有版畫特有的「層次思維 (Layering)」。即使在繪畫作品中，她也運用堆疊與刮除的技法，創造出如同版畫般的「間接性 (Indirectness)」質感。她在日韓交流藝術展的經歷，顯示其作品在抽象構成上的成熟度與國際視野。

【Section 3: 內在風景與敘事 (Inner Landscapes & Narrative)】

37. 佐藤利予 (Sato Toshiyo)

學術定位：微觀感知的詩意
資歷摘要： 現代美術家 / 沉思性氣質。
[學術評論]：
佐藤利予的作品關注日常感知與時間層次。她以細膩而克制的視覺語彙，呈現出一種安靜、沉思性的氣質。在喧囂的當代藝術中，她的作品如同一首短詩，提醒觀眾關注微小的存在。

38. 今野明子 (Konno Akiko)

學術定位：記憶殘影的捕捉
資歷摘要： 當代女性藝術家 / 存在感與記憶。
[學術評論]：
今野明子的創作圍繞著「存在感」與「記憶的殘影」。她以女性特有的細膩視角，捕捉日常中被忽略的片段。畫面往往帶有一種朦朧美，彷彿是試圖留住即將消逝的瞬間。

39. 岡田繁忠 (Okada Shigetada)

學術定位：自由表現的現代性
資歷摘要： 現代美術家。
[學術評論]：
岡田繁忠的作品脫離了傳統公募展的束縛，傾向於自由表現。他可能結合了抽象繪畫與拼貼技法，探索物質與畫面空間的關係，展現了現代美術家對形式的自由探索。

40. 知京一樹 (Chikyo Kazuki)

學術定位：抽象與具象的邊界
資歷摘要： 現代美術家。
[學術評論]：
知京一樹的創作遊走在具象符號與抽象背景之間。他試圖在畫面上建立一種新的秩序，通過形式的解構與重組，引導觀眾進入一種超現實的視覺體驗，豐富了 NAU 展覽的視覺光譜。

41. チサカマキ (Chisaka Maki)

學術定位：感性色域的編織
資歷摘要： 現代美術家。
[學術評論]：
チサカマキ的作品在色彩運用上具有獨特的個人語彙。她傾向於運用柔和或對比強烈的色域來構建畫面，探討個人情感在當代生活中的微細波動，展現了現代美術中堅層對於「繪畫性」的堅持。

42. 山崎倖子 (Yamazaki Sachiko)

學術定位：現代水墨的抽象化
資歷摘要： 師從井原優山 / 福岡市美術館個展。
[學術評論]：
山崎倖子雖師承現代水墨，但其作品已超越傳統範疇，走向抽象化。她在福岡市美術館的多次個展經驗，顯示其在處理黑白虛實與空間留白上的深厚功力，展現了水墨精神的現代轉化。

【Chapter III】工藝的越界——場域與雕塑

Material Transgression: Craft as Spatial Sculpture

[策展導讀]

在日本藝術史中，「工藝 (Kogei)」長期被視為實用功能的附庸。然而，第 24 回 NAU 展宣告了工藝的「越界 (Transgression)」。

本章節的藝術家不再製作案頭的賞玩之物，而是將陶土、絲線與金屬視為與空間搏鬥的武器。他們剝離了物質的「實用性」，釋放了其「觀念性」。從津田智子對泥土原始力量的喚醒，到中村白蘭對相撲儀式的解構，這些作品證明了：在數位虛擬時代，唯有物質的重量與觸感，能喚醒人類沉睡的感官。

【Section 1: 泥土的建築學 (Architecture of Clay) —— 當代陶藝裝置】

43. 津田智子 (Tsuda Tomoko)

學術定位：場域雕塑家 / 物質的抵抗
資歷摘要： NAU 成員 / 現代美術家 / 活躍於當代陶藝裝置。
[學術評論]：
津田智子徹底顛覆了陶藝作為「工藝器皿」的傳統定義。對她而言，陶土是與空間搏鬥的武器。她利用烈火燒製後的收縮、裂痕與塌陷，展現物質最原始的暴力與生命力。在國立新美術館的高挑空間中，她的作品往往呈現出如同古代遺跡或地質構造般的建築感。她讓陶土保留了自身的重量感與粗糙肌理，這種物質性的「抵抗」，迫使觀眾無法僅僅用眼睛掃視，而必須用身體去感知作品在空間中的壓迫力。她是將「工藝」提升為「空間藝術 (Spatial Art)」的重要實踐者。

44. 李佳玲 (Lee, Jia-Ling)

學術定位：陶藝、壓克力與產業跨界
資歷摘要： 皇墨藝藝術董事長 / 獲全國學生美展佳作。
[學術評論]：
李佳玲的創作展現了媒材邊界的自由跨越。她不滿足於單一形式，而是將「陶藝」的立體造型與「壓克力顏料」的現代色彩進行結合。李佳玲選擇用壓克力顏料直接介入創作，這賦予了作品更強烈的繪畫性與色彩飽和度。身為皇墨藝藝術董事長，她的視野不僅停留在創作，更延伸至藝術的產業化應用。在 NAU 展場中，她的作品呈現了一種將現代藝術抽象化、色彩時尚化的嘗試，展現了當代藝術如何介入生活美學與商業空間的潛力。

45. 田嶋初 (Tajima Hajime)

學術定位：人間國寶的現代轉身 / 釉色的極致
資歷摘要： 師從竹内彰（富本憲吉、近藤悠三系譜）/ 國立新美術館展出。
[學術評論]：
田嶋初的背後，站著日本陶藝史的巨人。富本憲吉（色繪瓷）與近藤悠三（染付）皆為日本「人間國寶」，代表了民藝與現代陶藝的最高峰。田嶋初繼承了這條正統血脈，但他並未被傳統束縛。他的作品在造型上更加簡練、抽象，專注於釉色在燒製過程中的微妙變化。其作品展現了一種「控制中的偶然」——在嚴謹的造型邏輯下，讓釉藥自然流動。這是傳統工藝技法與現代造型美學的完美結合。

46. 服部牧子 (Hattori Makiko)

學術定位：有機生物形態 / 微觀世界的放大
資歷摘要： 陶瓷設計團體「The Earth」創始成員 / 多治見市美術展市長獎。
[學術評論]：
不同於津田智子的建築感，服部牧子的陶藝是「生物形態 (Biomorphism)」的。她的作品如同深海中的珊瑚、微觀下的孢子，或是某種未知的有機生命體。她極其細膩地處理陶土的表面肌理，創造出無數的孔洞與突起。這種對繁複細節的執著，賦予了堅硬的陶瓷一種柔軟的、會呼吸的錯覺。她的作品探討的是生命生長的律動，為冷硬的美術館空間注入了有機的生命力。

47. 針谷智子 (Hariya Tomoko)

學術定位：瀨戶傳統的國際化
資歷摘要： 瀨戶窯業專攻 / 師從志賀重雄 / 倫敦、巴黎個展。
[學術評論]：
出身於日本六大古窯之一的「瀨戶」，卻活躍於當代藝術中心的倫敦。針谷智子的作品是兩種陶藝傳統的混血。她保留了瀨戶燒精湛的釉藥技術，但在造型上吸收了歐洲當代陶藝的觀念性與雕塑感。她是將日本傳統工藝語彙進行「國際化翻譯」的成功案例。

48. 山根真奈 (Yamane Mana)

學術定位：民俗學與設計的融合
資歷摘要： 武藏野美術大學工藝工業設計 / 妖怪物件競賽獲獎。
[學術評論]：
山根真奈將「設計思維」帶入陶藝，並結合了日本深厚的「民俗學 (Folklore)」底蘊。她參與「妖怪」主題競賽的作品，顯示她擅長將傳統文化中的神怪符號進行現代轉化。她的作品不只是物件，更是具有敘事功能的角色，展現了當代工藝敘事的新可能性。

【Section 2: 纖維的解構 (Deconstruction of Fiber) —— 軟雕塑】

49. 中村白蘭 (Nakamura Hakuran)

學術定位：文化符號的解構者 / 儀式的重組
關鍵媒材： 大相撲化粧廻し (Sumo Kesho-mawashi) 的絹絲。
[學術評論]：
中村白蘭進行的是一場高難度的文化實驗。她選用了極具日本文化負荷的媒材——相撲力士在神聖儀式中穿戴的「化粧廻し（刺繡圍裙）」之稀有絹絲。她將這些原本象徵力量與階級的織品進行「解構 (Deconstruction)」，拆解為無數游離的絲線，並在空間中重新編織成如同宇宙胎動或神經網絡般的裝置。這是一種將「具象的儀式」昇華為「抽象的靈性」的過程，是本次展覽中最具文化衝擊力的裝置作品。

50. 岡本直枝 (Okamoto Naoe)

學術定位：工業結構與軟雕塑
資歷摘要： 武藏野美術大學碩士 / 前日產汽車設計師 / Antonio Ratti 獎。
[學術評論]：
17 年的汽車設計師經歷，深刻影響了岡本直枝的藝術語彙。她看透了物質的「結構 (Structure)」。不同於傳統纖維藝術的編織感，她的作品更像是由纖維構成的建築模型。她利用纖維的張力與彈性，構建出精密的 3D 網格。獲得國際紡織大獎 Antonio Ratti 獎，證明了她在探索「軟雕塑 (Soft Sculpture)」結構可能性上的國際地位。

51. 桑山真麻弓 (Kuwayama Mayumi)

學術定位：光與纖維的科技跨界
資歷摘要： 大阪藝術大學 / 米蘭設計週 (MILANO GENIUS) 獲獎。
[學術評論]：
桑山真麻弓是「藝術 (Art)」與「科技 (Tech)」的跨界者。她不僅使用纖維，更引入了「光 (Light)」。她的裝置作品常利用光導纖維或特殊的反光材質，在黑暗中創造出發光的虛體。這種創作模糊了物質的邊界，讓纖維變成了光的載體。她在米蘭設計週的成功，顯示其作品具有強烈的當代設計感與未來感。

52. オギノキヨコ (Ogino Kiyoko)

學術定位：纖維的平面繪畫性
資歷摘要： 現代纖維作家 / 台日交流展。
[學術評論]：
オギノキヨコ將纖維視為繪畫的顏料。她在抽象畫與平面藝術領域備受肯定，利用纖維的質感差異（粗糙、光滑、糾結）來替代筆觸。其作品在視覺上呈現出豐富的層次感，展現了纖維藝術在「掛畫（Tableau）」形式上的表現力。

53. 田中みづほ (Tanaka Mizuho)

學術定位：幾何拼貼的現代性
資歷摘要： Quilt Japan 評審賞 / 岐阜縣知事賞。
[學術評論]：
田中みづほ將「拼布 (Quilt)」從手工藝提升為現代幾何藝術。她對色彩與圖形的構成具有極高的敏感度，透過布料的拼接，創造出如同「歐普藝術 (Op Art)」般的視覺錯視與律動感。這是一種溫暖的理性主義。

【Section 3: 鍊金術與跨界 (Alchemy & Cross-over)】

54. 土門理恵 (Domon Rie)

學術定位：金屬繪畫 / 廢墟美學
資歷摘要： 混合媒材與彫金 / 台日文化交流展。
[學術評論]：
土門理恵是一位繪畫領域的「鍊金術士」。她將金屬工藝中的「腐蝕」、「鍛造」技法引入平面創作。她的畫布表面充滿了化學反應後的斑駁鏽跡與金屬光澤，呈現出一種「工業廢墟 (Industrial Decay)」般的頹廢美學。她成功地捕捉了物質在時間中衰變的過程，賦予了畫面一種沉重的歷史感。

55. SHUICHI GOTOH

學術定位：寶石學與繪畫的折射
資歷摘要： 巴西 FAAP 美術大學 / 珠寶設計師 / 彩色寶石專家。
[學術評論]：
SHUICHI GOTOH 的背景極為特殊——結合了巴西美術教育的熱情與珠寶設計的精密。他將「寶石學 (Gemology)」的視角帶入繪畫。其作品捕捉了寶石特有的折射光線與晶體切面，色彩鮮豔且具有南美洲的奔放。這是一種跨越了裝飾藝術與純藝術邊界的視覺實驗。

56. かとうかずみ (Kato Kazumi)

學術定位：金屬的詩意
資歷摘要： 愛知縣立藝術大學大學院 / 金屬藝術博物館展出。
[學術評論]：
かとうかずみ的作品足跡遍及世界百餘地，顯示其金屬藝術具有跨文化的感染力。她不強調金屬的堅硬冷冽，反而挖掘其柔韌與延展性。作品往往呈現出意想不到的輕盈感，彷彿金屬也能像紙張或布料一樣被摺疊、塑形，展現了高超的工藝技巧與詩意轉化。

57. 阿部雅光 (Abe Masamitsu)

學術定位：和紙的材質對話
資歷摘要： 阿波和紙會館賞 / 版畫家。
[學術評論]：
阿部雅光專注於「和紙 (Washi)」與版畫的結合。獲得阿波和紙會館賞的他，深知紙張纖維的特性。他的作品不只是印在紙上，而是讓墨色滲入紙的肌理之中。這是一種對材質的深度對話，展現了日本工藝美學在平面藝術中的細膩應用。

58. 小澤雅美 (Ozawa Masami)

學術定位：素材的本真性
資歷摘要： 手工和紙藝術家 / 自然素材。
[學術評論]：
小澤雅美回歸到紙的本源。利用楮、三椏等植物纖維進行手工漉紙創作。這是一種「減法美學 (Subtractive Aesthetics)」，她不強加過多的顏色，而是讓紙張本身的紋理、厚度與光澤說話，呼應了當代藝術對自然素材與環保議題的回歸。

【Chapter IV】未來的視界——數位崇高、身體與混種

Future Horizons: Digital Sublime, The Body & Hybridity

[策展導讀]

藝術的邊界在哪裡？當繪畫與工藝探討了「物質」的極限後，本章節將帶領觀眾進入「非物質」與「流動」的領域。

從 Tokyo Takashi 對數位風景的凝視，到具體派傳人湯沢茂好以肉身撞擊空間的行為藝術，再到 Aretokorekoko 融合次文化的奇異雕塑。這裡展示的是 21 世紀藝術的「擴張場域 (Expanded Field)」——藝術不再僅僅是掛在牆上的物件，它是光學的幻象、瞬間的動作，以及跨越虛實的符號重組。

【Section 1: 數位崇高與影像 (The Digital Sublime & Imaging)】

此區塊展示攝影與數位藝術如何捕捉當代社會的視覺經驗。

59. トウキョウタカシ (Tokyo Takashi)

學術定位：數位時代的崇高美學
資歷摘要： 巴黎攝影大賽 (PX3) / 國際攝影獎 (IPA) / 倫敦國際創意大賽榮譽獎。
[學術評論]：
Tokyo Takashi 的作品是對康德 (Kant) 「崇高 (Sublime)」概念的數位化回應。他鏡頭下的都市與自然，經過高度的數位重構與色彩增強，呈現出一種超乎肉眼所見的完美與壯麗。這種高飽和度、超現實的視覺語言，精準地捕捉了我們這個被螢幕與大數據包圍的時代特質。他在 PX3 與 IPA 等國際大賽的橫掃紀錄，證明了其視覺語彙具有跨越文化的普世吸引力，是當代數位攝影收藏的指標性人物。

60. YU-KI

學術定位：攝影心理學 / 關係美學
資歷摘要： Photo Communication® 協會碩士 / PCA 賞 / M84 賞。
[學術評論]：
不同於 Tokyo Takashi 的形式美學，YU-KI 將攝影視為一種「關係美學 (Relational Aesthetics)」的工具。他的作品核心不在於構圖的精準，而在於透過鏡頭建立觀者與被攝者之間的情感連結。這是一種帶有溫度與心理學深度的影像實踐，提醒我們在冷漠的科技時代，攝影原本具有的溝通與療癒功能。

61. 西田裕子 (Nishida Yuko)

學術定位：時間的暫留
資歷摘要： 現代美術家 / 影像與平面創作。
[學術評論]：
西田裕子的主題是「暫留 (Suspension)」。在加速主義的時代，她透過影像或繪畫捕捉那些被忽略的靜止瞬間。作品帶有一種淡淡的憂傷與詩意，邀請觀眾放慢感官節奏，進行內在的凝視。

62. 宣和 (Senwa)

學術定位：風景的動態學
資歷摘要： 現代美術家 / NAU 常連參展。
[學術評論]：
坂元宣和專注於「風景的動態 (Dynamics of Landscape)」。他捕捉的不是靜止的景色，而是風的流動、光的推移。其作品色彩斑斕且充滿律動感，筆觸帶有速度感，展現了一種氣韻生動的現代風景畫風格。

【Section 2: 歷史的迴響與身體 (Echoes of History & The Body)】

此區塊連結了日本戰後最強的前衛運動「具體派」與行為藝術。

63. 湯沢茂好 (Yuzawa Shigeyoshi)

學術定位：具體派精神的繼承者 / 物質的行動
資歷摘要： AU (Artists Union) / 參與嶋本昭三 (具體派創始人) 企劃。
[學術評論]：
湯沢茂好是連接 1950 年代日本前衛運動與當代的臍帶。作為「AU」的成員，他直接繼承了「具體派 (Gutai)」的精神——「不要模仿他人，創造前所未有之物」。他的作品不在於描繪精美的圖像，而在於呈現顏料與物質在瞬間行動中留下的痕跡。這是一種「行動繪畫 (Action Painting)」的活化石，強調創作當下的身體介入。

64. 万城目純 (Manjome Jun)

學術定位：身體政治 / 舞踏美學
資歷摘要： 鹿特丹國際電影節 / MHKA 美術館 (安特衛普)。
[學術評論]：
深受日本「舞踏 (Butoh)」暗黑美學的影響，万城目純將身體轉化為一種雕塑。他在展場中的行為藝術或影像作品，往往探索身體在社會空間中的壓抑、扭曲與釋放。他的存在讓 NAU 展覽具有了「現場性 (Liveness)」，將靜態的展示轉化為動態的儀式。

65. 和田幸三 (Kozo Wada)

學術定位：行動美術的硬骨
資歷摘要： 行動展 (1977-1985) / 新象展 / 2025年逝世。
[學術評論]：
作為行動美術協會的老將，和田幸三的遺作展出是對一段歷史的致敬。他的作品保留了戰後日本美術那種粗獷、樸實且充滿生命力的精神。他長期在銀座畫廊圈的耕耘，見證了日本當代美術的變遷。他的畫作是那一代藝術家對「繪畫純粹性」堅持的最後證言。

【Section 3: 新雕塑與混種美學 (New Sculpture & Hybrid Aesthetics)】

此區塊展示年輕世代如何將次文化、街頭藝術與傳統美術結合。

66. アレトコレココ (Aretokorekoko)

學術定位：次文化混種 / 當代雕塑新浪潮
資歷摘要： 京都市立藝術大學 / SICF23 評審賞 / Independent Tokyo 特別賞。
[學術評論]：
作為榮獲 SICF (Spiral Independent Creators Festival) 等年輕藝術家登龍門獎項的新銳，Aretokorekoko 代表了日本當代雕塑的未來。他的作品混合了動漫次文化 (Subculture)、消費社會符號與傳統雕塑技法，呈現出一種「混種 (Hybrid)」的奇異美感。這正是數位原生世代 (Digital Natives) 對物質世界的獨特解讀。

67. 渡邊健吾 (Watanabe Kengo)

學術定位：普普感性與都市符號
資歷摘要： 國際美術大賞公募展準大賞 / 紐約 Nippon Gallery。
[學術評論]：
活躍於紐約與東京的渡邊健吾，代表了年輕世代的「普普感性 (Pop Sensibility)」。他的作品色彩明快，可能融合了街頭塗鴉或動漫美學，反映了全球化消費文化下的視覺經驗。他在 ACT 藝術大賞展的獲獎，顯示其作品在商業與藝術之間取得了平衡。

68. woga

學術定位：自動書寫的潛意識 / 原生藝術的邊界
資歷摘要： 新宿眼科畫廊 / The Artcomplex Center of Tokyo / ACT。
[學術評論]：
woga 的作品觸及了「原生藝術 (Art Brut)」的邊界。他透過如同「自動書寫 (Automatic Writing)」般強迫性的重複描繪，試圖挖掘潛意識深層的圖景。在他的畫面上，自然風景與心理現象糾纏在一起，密集的線條與圖騰彷彿是某種神經傳導的視覺化紀錄。這種創作方式超越了單純的插畫敘事，帶有一種儀式性的專注與精神張力。

69. FASC

學術定位：匿名性與符號
資歷摘要： 現代美術家。
[學術評論]：
以英文縮寫為名的 FASC，代表了展覽中「匿名性 (Anonymity)」與「符號化」的一面。其作品可能帶有街頭藝術、普普藝術或極簡主義的傾向，為展場帶來一股神秘而現代的氣息。

【Section 4: 全球游牧與駐村 (Global Nomads & Residency)】

70. 蕨迫みのり (Warabisako Minori)

學術定位：移動的風景 / 全球游牧
資歷摘要： 郵輪駐村藝術家 / 紐約 St. Augustine Church 永久收藏 / Saatchi Gallery。
[學術評論]：
蕨迫みのり展現了一種極致的「游牧 (Nomadism)」視角。她的工作室是移動的郵輪，畫布上記錄的是不斷變換的地平線與文化光譜。她使用咖啡等非傳統媒材進行創作，這種帶有嗅覺與味覺暗示的繪畫，打破了地域主義的限制，呈現出一種真正的「全球化」視覺經驗。

71. グアリノアキ (Guarino Aki)

學術定位：歸國者的雙重視野
資歷摘要： 法國留學 / 富山縣駐村藝術家 / 越中藝術節優秀賞。
[學術評論]：
擁有法國美術教育背景，卻選擇在富山縣進行駐村創作。Guarino Aki 的作品是一種「文化混血」的產物。她用歐洲當代藝術的語彙，重新詮釋日本鄉土建築（如土蔵、廢校）的空間記憶，展現了「歸國藝術家 (U-Turn Artist)」獨特的雙重視角。

【Chapter V】連立的光譜——多樣性的微觀敘事 (前篇)

The Spectrum of Unite: Diversity & Micro-Narratives (Part A)

[策展導讀]

本章節補完展覽中最堅實的基層力量，包含學院派的技術骨幹、推動國際交流的網絡編織者，以及在各地美術館活躍的中堅藝術家。

【Section 1: 學院的骨幹與版畫思維 (Academic Backbone & Printmaking)】

此區塊藝術家多出身於東京藝術大學等頂尖學府，或專注於版畫（Printmaking）的間接性美學。

72. 塩見章 (Shiomi Akira)

學術定位：版畫工房的總監 / 技術與理論
資歷摘要： 東京藝術大學油畫科 / MMG 版畫工房藝術總監。
[學術評論]：
作為 MMG 版畫工房的總監，塩見章對「印痕」有著深刻的理解。他的作品超越了單純的版畫複製功能，探討「版」與「畫」之間的辯證關係。其作品風格嚴謹，展現了東京藝大體系對媒材技術的極致追求與理論高度。

73. 田島弘行 (Tajima Hiroyuki)

學術定位：油畫與版畫的雙重奏
資歷摘要： 東京藝術大學油畫科 & 版畫研究室 / 版畫協會展。
[學術評論]：
田島弘行遊走於油畫的直接性與版畫的間接性之間。東京藝大的雙重訓練使他能將版畫的層次思維帶入油畫，或將繪畫的筆觸帶入版畫。作品常見於地球堂畫廊等專業空間，展現了對色彩層次與平面構成的精準掌控。

74. 井上賢一 (Inoue Kenichi)

學術定位：環境與印痕
資歷摘要： 創形美術學校版畫系 / 名栗湖戶外美術展。
[學術評論]：
井上賢一進行的是「版畫介入環境」的實驗。他將通常展示於室內的版畫帶入名栗湖等戶外場域，探討人造的印痕如何與自然的風、光、水進行對話，挑戰了版畫展示的邊界。

75. 上杉道子 (Uesugi Michiko)

學術定位：黑白的靜謐
資歷摘要： Shirota Gallery (現代版畫聖地) 個展。
[學術評論]：
長期在 Shirota Gallery 展出，代表了上杉道子在版畫圈的地位。她的作品風格內斂，通過腐蝕或刻劃的痕跡，展現出一種靜謐的單色世界。在黑與白的細微調度中，展現了極高的技術完成度與精神深度。

76. 菅野純子 (Sugano Junko)

學術定位：環日本海的視野
資歷摘要： 武藏野美術短大 / 春陽展新人獎 / 俄羅斯雙年展。
[學術評論]：
作為春陽展的新人獎得主，菅野純子繼承了春陽會「在野精神」的傳統。她活躍於環日本海（富山-俄羅斯）的藝術交流，作品風格樸實而有力，關注地緣政治下的文化連結與在地風土。

【Section 2: 全球網絡與韓國視角 (Global Networks & Korean Perspectives)】

此區塊透過 AAN (Asian Artists Network) 與國際畫廊網絡，連結亞洲與世界。

77. 山田陽子 (Yamada Yoko)

學術定位：網絡編織者 / 亞洲連結
資歷摘要： Asian Artists Network (AAN) 社長。
[學術評論]：
山田陽子是本次展覽「連立」概念的重要推手。作為 AAN 社長，她的藝術實踐不僅在於個人的創作，更在於「連結」。她致力於構建日本與亞洲各國藝術家的對話平台，其作品往往帶有跨文化的象徵符號，是藝術外交的視覺體現。

78. 柳賢淑 (Ryu Hyun-suk)

學術定位：韓法混血的主流菁英
資歷摘要： 弘益大學 / 巴黎大茅舍藝術學院 / 三星、現代汽車收藏。
[學術評論]：
柳賢淑的履歷代表了韓國藝術界的菁英路線。弘益大學與巴黎大茅舍的背景，使她的作品兼具韓國單色畫的精神性與歐洲抽象畫的構成感。被三星、現代汽車等巨頭收藏，證明了其作品在商業與學術上的雙重成功，展現了大氣、穩健的國際風格。

79. YUKIKO

學術定位：水彩的當代性
資歷摘要： 美國 Emerson Umbrella Center / 米蘭 M.A.D.S Gallery。
[學術評論]：
YUKIKO 將傳統水彩畫帶入了當代藝術領域。在美國與米蘭的展出經驗，使她的水彩作品擺脫了小品格局，具備了油畫般的厚度與空間張力。她探索水與顏料在紙上的偶然流動，展現了東方媒材在西方脈絡下的現代轉譯。

80. Akiko SIACCA

學術定位：市場與創作的雙棲
資歷摘要： 多摩美術大學 / 銀座畫廊社長 / 700場展覽經驗。
[學術評論]：
身為畫家同時也是銀座畫廊社長，Akiko SIACCA 擁有獨特的雙重視角。她的作品風格通常色彩鮮明、具備高度的裝飾性與市場親和力。700 場展覽的驚人資歷，顯示她對藝術生態運作的深刻理解與充沛的創作能量。

81. HIROMI TOMINAGA

學術定位：大尺幅的包覆感
資歷摘要： 多摩美術大學 / 銀座各大畫廊。
[學術評論]：
HIROMI TOMINAGA 的創作專注於「大尺幅 (Large-scale)」繪畫。她試圖用「色域 (Color Field)」包覆觀眾的身體感知。其作品在構圖上大膽簡練，強調色彩本身的情感力量，在展場中具有強烈的視覺存在感。

【Chapter V】連立的光譜——多樣性的微觀敘事 (後篇)

The Spectrum of Unite: Diversity & Micro-Narratives (Part B)

【Section 3: 立體、空間與自然 (Sculpture, Space & Nature)】

此區塊關注3D空間的佔領與自然素材的對話。

82. 藤下覚 (Fujishita Satoru)

學術定位：戶外雕塑的量體
資歷摘要： 雕刻之森美術館賞 / 獨立美術協會新人賞。
[學術評論]：
獲得「雕刻之森美術館賞」是極高的榮譽，通常頒給能與大自然對話的大型雕塑。藤下覚的作品具有強烈的構造性與「量體感 (Volume)」，他善於利用材質的重量與平衡，在空間中創造出具有紀念碑性的視覺焦點。

83. 內平俊浩 (Uchihira Toshihiro)

學術定位：雕刻的工藝精神
資歷摘要： 名古屋藝術大學雕刻科 / KOBATAKE工房 / Hands 大賞。
[學術評論]：
內平俊浩的作品結合了雕塑的造型力與工藝的精細度。畢業於 KOBATAKE 工房的背景，使他對材質（可能是木、石或金屬）有著職人般的執著。Hands 大賞的獲獎經歷，顯示其作品具有獨特的創意與手作溫感。

84. 加茂富美子 (Kamo Fumiko)

學術定位：教育者的造型語彙
資歷摘要： 武藏野美術大學雕塑科 / 美術教師。
[學術評論]：
加茂富美子的作品風格穩健，展現了學院派雕塑對形態、體積與空間關係的嚴謹探討。作為美術教師的背景，使她的作品往往帶有一種啟發性，試圖透過造型傳達對自然或人文的關懷。

85. 鈴木齊 (Suzuki Hitoshi)

學術定位：大地與生命的循環
資歷摘要： 東京學藝大學 (陶藝) / 受星野道夫啟發。
[學術評論]：
受到生態攝影大師星野道夫《在漫長旅途中》的啟發，鈴木齊的作品關注「生命循環」。他以陶藝為媒介，作品充滿了土壤的溫度與自然的質感。他試圖透過藝術喚醒都市人對自然環境的敬畏，作品具有強烈的「生態倫理 (Ecological Ethics)」色彩。

【Section 4: 現代繪畫與沙龍美學 (Modern Painting & Salon Aesthetics)】

此區塊包含具象、半抽象以及深受日法沙龍文化影響的畫家。

86. 青木洲子 (Aoki Kuniko)

學術定位：法式沙龍的優雅
資歷摘要： 師從白尾勇次 / 日法現代美術展文部科學大臣賞。
[學術評論]：
青木洲子的作品流露出一種純正的「日法沙龍」氣質。她在色彩運用上極其考究，追求畫面的和諧與高雅。她不追求激進的變形，而是在具象描繪中注入現代主義的光影層次，展現了日本洋畫界對「法式品味」的在地轉化。

87. 文珠川清 (Monjugawa Kiyoshi)

學術定位：文化外交的視覺形式
資歷摘要： 日法現代美術展執行委員長 / 日本大學藝術學部。
[學術評論]：
身為日法現代美術展執行委員長，文珠川清的作品風格大氣穩健，強調畫面的敘事性與人文精神。他的畫作旨在跨越語言障礙，傳遞普世的美學價值，是標準的國際沙龍風格大作。

88. 淺野あかね (Asano Akane)

學術定位：新萊比錫畫派的迴響
資歷摘要： 京都造形藝術大學 / 德國萊比錫展出。
[學術評論]：
活躍於德國萊比錫的經歷，深刻影響了淺野的視覺語言。她的繪畫帶有「新萊比錫畫派 (New Leipzig School)」的特徵——將具象敘事與超現實場景結合。畫面帶有冷靜的疏離感，色彩灰階中透著微光，是京都技法與歐洲觀念的碰撞。

89. 佐々木綱昌 (Sasaki Tsunamasa)

學術定位：裝飾性與普世美感
資歷摘要： AJAC 會員 / 損保 JAPAN 美術獎 / 歐美獲獎。
[學術評論]：
佐佐木綱昌在歐美的頻繁獲獎經歷，顯示其作品風格具有強烈的裝飾性與跨文化溝通力。他善於運用色彩的對比與構成，創造出既現代又具有東方底蘊的視覺圖騰。

90. 尾田芳子 (Oda Yoshiko)

學術定位：半抽象的詩意
資歷摘要： 武藏野美術大學碩士 / 新象展。
[學術評論]：
尾田芳子試圖在具象與抽象之間尋找平衡。她將現實中的物象符號化，保留可辨識的形體但賦予主觀色彩，展現了一種半抽象的現代詩意。

91. 穴澤誠 (Anazawa Makoto)

學術定位：結構寫實主義
資歷摘要： 二紀展 / 千葉縣知事獎。
[學術評論]：
作為「二紀會」的常客，穴澤誠堅守著「結構寫實 (Structural Realism)」的底線。他的作品即便在處理風景或靜物時，也能看出嚴謹的幾何骨架與厚實的量感，是對抗輕薄圖像時代的視覺宣言。

92. 伊藤理恵子 (Ito Rieko)

學術定位：自由美術的探索
資歷摘要： 武藏野美術學園 / 自由美術展。
[學術評論]：
早期參與自由美術展的經歷，奠定了伊藤理恵子不拘一格的創作態度。她的作品可能涉及多種媒材的實驗，展現了對形式自由的持續探索。

【Section 5: 概念、新銳與跨界 (Conceptual, Emerging & Cross-Over)】

此區塊包含觀念藝術、音樂跨界、以及畫廊圈的新銳力量。

93. 晶蔵 (Shozo)

學術定位：現象學藝術 / 知覺生成
資歷摘要： 京都藝術大學碩士 / 亀山三年展。
[學術評論]：
晶蔵的研究領域是「知覺生成 (Genesis of Perception)」。這意味著他的藝術不只是製造物件，而是製造「體驗」。透過裝置或影像，他探討人類如何感知時間與空間，作品具有強烈的哲學思辨色彩。

94. 岡山正規 (Okayama Masaki)

學術定位：構想建築 / 存在論
資歷摘要： 京都藝術大學 / 師從梅原猛（哲學家）/ 波蘭美術館收藏。
[學術評論]：
師從哲學家梅原猛，岡山正規的作品是「視覺化的哲學」。他提出的「構想建築」概念，將繪畫視為一種思維的架構。作品被波蘭國立美術館收藏，證明其在探討藝術本體論上的學術價值。

95. 野村雅美 (Nomura Masami)

學術定位：聽覺的視覺化
資歷摘要： 即興吉他手 / 抽象畫家。
[學術評論]：
野村雅美的繪畫是「看得見的聲音」。作為即興吉他手，他的筆觸如同演奏的音符，充滿了速度感與斷裂的節奏。觀看他的畫作，彷彿能聽到色彩在畫布上碰撞的聲音。

96. 梶山美祈 (Kajiyama Miki)

學術定位：記憶與時間的裝置
資歷摘要： 京都精華大學博士前期 / KUNST ARZT 畫廊。
[學術評論]：
活躍於京都實驗畫廊 KUNST ARZT，梶山美祈擅長處理「場域特定 (Site-specific)」的裝置。她關注空間記憶與時間的流逝，作品往往帶有一種考古學般的詩意。

97. 片切かすみ (Katagiri Kasumi)

學術定位：平面設計感的現代構成
資歷摘要： 現代美術家展新人賞 / 美の起原大杉賞。
[學術評論]：
片切かすみ成功結合了前衛性與商業潛力。她的作品帶有強烈的平面設計感，運用硬邊幾何與鮮豔色彩，構建出充滿節奏感的視覺迷宮，是 NAU 中備受矚目的新銳。

98. 関野凛太郎 (Sekino Rintaro)

學術定位：學院菁英的具象新路
資歷摘要： 大阪藝術大學博士 / Shell 美術賞。
[學術評論]：
獲得 Shell 美術賞與三菱商事 Art Gate Program 的支持，関野凛太郎是典型的學院菁英。他的作品在具象繪畫中注入了當代的疏離感與物質性，展現了年輕世代對繪畫傳統的繼承與反叛。

99. かみむらみどり (Kamimura Midori)

學術定位：社會學視角的插畫敘事
資歷摘要： 金城學院大學社會學 / 3331 千代田藝術祭鴻池朋子賞。
[學術評論]：
社會學背景賦予了她獨特的觀察視角。作品風格輕盈，常帶有插畫敘事特徵，探討現代社會中人際關係的疏離或微小的日常奇蹟。

100. 末本太丸 (Suemoto Taimaru)

學術定位：時間的溫度
資歷摘要： Gallery Hinoki 選拔展。
[學術評論]：
末本太丸的作品在冷峻的當代藝術潮流中，保留了溫潤的人文質地。他不追求視覺的暴力，而是邀請觀者在層層色彩的疊加中，發現時間與記憶的重量。

101. Masaya Iwasaki

學術定位：國際都會的漫遊者
資歷摘要： 銀座 Modern Art / 紐約 The Nippon Club / 巴黎。
[學術評論]：
他的參展履歷顯示出一種典型的「當代日本藝術家出海路徑」。作品具有高度的普世性，在風格上傾向於現代主義的抽象或半具象，便於跨文化的視覺溝通。

102. 田村武 (Tamura Takeshi)

學術定位：社會參與式藝術的實踐
資歷摘要： 札幌國際藝術祭 (SIAF) 2017 參與者 / 天神山藝術工作室駐村。
[學術評論]：
田村武的創作核心在於「場域 (Site)」與「關係 (Relation)」。作為札幌國際藝術祭的參與者，他的藝術實踐往往脫離了畫廊的白盒子，進入社區與公共空間。他關注人、環境與藝術行動的互動，作品具有強烈的社會參與性質，是 NAU 展覽中「藝術介入社會」的重要案例。

103. 杉山まさし (Sugiyama Masashi)

學術定位：原始能量的呼喚
資歷摘要： 非洲藝術博物館相關作家 / 個展《裂開的大地與牛的吶喊》。
[學術評論]：
杉山まさし的作品與「非洲藝術博物館」有關聯，這在當代日本藝術家中極為罕見。他的創作主題如《裂開的大地》，顯示其深受「原始主義 (Primitivism)」與大地能量的影響。筆觸粗獷、色彩厚重，試圖在現代文明中喚醒一種野性的、根源性的生命力。

104. 福江悦子 (Etsuko Fukue)

學術定位：禪與當代的共振
資歷摘要： 真宗大谷派僧侶 / PESCARART 國際當代藝術獎 (義大利)。
[學術評論]：
身為僧侶，福江悦子的藝術即是「修行」。她探討「空」、「無常」等佛教哲學，但並非使用傳統佛畫形式，而是轉化為當代抽象語彙。其作品在義大利獲獎，證明了這種超越宗教藩籬的東方精神性，能與西方當代藝術進行深度的精神對話。

105. 吳采恩 (Wu, Tsai En)

學術定位：跨越海峽的學院新銳
資歷摘要： 台灣高雄師範大學碩士 / 日本第81回現展入選 / 推薦於中國美術學院。
[學術評論]：
作為台灣代表團中最年輕的新銳之一，吳采恩展現了台灣學院美術教育的紮實底蘊。她成功入選日本歷史悠久的「現展」，證明其作品具備與日本當代藝術對話的實力。她的創作在形式上嚴謹，但在觀念上開放，是台日藝術交流未來的潛力股。

106. チサカマキ (Chisaka Maki)

學術定位：感性與色彩的編織
資歷摘要： 現代美術家。
[學術評論]：
チサカマキ的作品在色彩運用上具有獨特的個人語彙。她可能傾向於運用柔和或對比強烈的色調來構建畫面，探討個人情感在當代生活中的微細波動，展現了現代美術中堅層對於「繪畫性」的堅持。

107. 知京一樹 (Chikyo Kazuki)

學術定位：抽象與具象的邊界
資歷摘要： 現代美術家。
[學術評論]：
知京一樹的創作遊走在具象符號與抽象背景之間。他試圖在畫面上建立一種新的秩序，通過形式的解構與重組，引導觀眾進入一種超現實的視覺體驗。

108. 二宮ちとせ (Ninomiya Chitose)

學術定位：視覺語彙的多樣性
資歷摘要： 活躍於當代美術聯展。
[學術評論]：
二宮ちとせ的作品經常出現在重要的聯展名單中，顯示其創作具有穩定的品質與持續的展出活力。她的作品風格可能在探討物質質感與空間構成，忠實反映了日本當代藝術家在媒材探索上的多元面向。

109. スズマドカ (Suzumadoka)

學術定位：潛意識的符號學
資歷摘要： 現代美術家。
[學術評論]：
作為展覽中的神秘存在，スズマドカ的作品可能帶有強烈的符號化特徵。無論是透過線條的糾結還是色彩的平塗，她試圖挖掘潛意識深層的圖景，為展覽帶來一股不可預測的新鮮氣息。

110. NIL

學術定位：都市底層的脈動
資歷摘要： 活躍於澀谷 No.12 畫廊、Bar SiSi 築地。
[學術評論]：
NIL 的活動據點（澀谷、築地酒吧畫廊）顯示其作品深深植根於東京的「都市底層 (Urban Underground)」文化。其創作可能涉及塗鴉、拼貼或現成物挪用，直接反映了年輕世代在都市叢林中的生存狀態與視覺經驗，帶有強烈的街頭氣息。

【Chapter VI】總集篇——全光譜的最後拼圖 (The Final Spectrum)

111. 石井三子 (Ishii Mitsuko)

學術定位：藝術世家的生活美學
資歷摘要： 雕塑家石井鶴造之女 / 生活設計研究。
[學術評論]：
出身顯赫的藝術世家，石井三子的創作跨越了純藝術與生活設計的藩籬。她繼承了家族深厚的美學素養，將藝術視為生活的一部分，作品流露出一種優雅、洗鍊的古典氣質，同時兼具現代設計的實用理性。

112. 飯田稔 (Iida Minoru)

學術定位：舞台美術的空間敘事
資歷摘要： 東京藝大 / 伊藤熹朔賞（舞台美術巨匠獎）。
[學術評論]：
飯田稔的繪畫具有強烈的「劇場感」。獲得舞台美術界最高榮譽「伊藤熹朔賞」的背景，使他處理畫布空間如同調度舞台。他的作品具有宏大的敘事性與戲劇性的光影，引導觀眾進入一個個精心佈局的視覺故事中。

113. 高橋詩桜里 (Takahashi Shiori)

學術定位：學術研究與創作的結合
資歷摘要： 九州產業大學博士前期。
[學術評論]：
作為年輕的學者型藝術家，高橋詩桜里代表了九州學派的新生代力量。她在 AAN (Asian Artists Network) 的活躍，顯示她具備國際視野。其作品往往在探討當代藝術的理論問題，展現了學術研究與感性創作的平衡。

114. 中島優理 (Nakajima Yuri)

學術定位：時尚與線條的交響
資歷摘要： 文化服裝學院 / 上野之森美術館展出。
[學術評論]：
出身於日本時尚最高學府，中島優理的作品帶有強烈的「織品感 (Texturality)」。她對布料的垂墜、剪裁與人體結構有獨特理解，其繪畫往往流露出一種時尚插畫般的流暢線條，將服裝設計的美學轉化為純藝術的表現。

115. 林和子 (Hayashi Kazuko)

學術定位：光學曼陀羅
資歷摘要： 師從萬花鏡大師山見浩司 / 光學藝術。
[學術評論]：
林和子將「萬花筒 (Kaleidoscope)」的光學原理帶入平面創作。她利用鏡像折射與對稱幾何，創造出璀璨迷幻的曼陀羅圖騰。這是一種基於精密計算的視覺魔術，探討光與色彩在幾何結構中的無限可能性。

116. 福田瑞枝 (Fukuda Mizue)

學術定位：怪談文學的視覺化
資歷摘要： 《日本不思議物語集成》插畫 / 現代思潮社。
[學術評論]：
福田瑞枝的作品具有強烈的「文學性」。她參與怪談文學的插畫創作，使她擅長營造幽暗、神秘且帶有敘事張力的氛圍。她的畫作如同通往異世界的窗口，探索人類心理深處對未知的恐懼與好奇。

117. 松村清司 (Matsumura Kiyoshi)

學術定位：自然與人工的辯證
資歷摘要： 現代美術家 / 裝置與繪畫。
[學術評論]：
松村清司在精細的描繪中探討「自然與人工」的界線。他的作品結合了繪畫與裝置，呈現出一種冷靜的觀察視角，試圖在混亂的都市景觀與有機的自然形態之間，尋找視覺的秩序與平衡。

118. 松下佐代 (Matsushita Sayo)

學術定位：國際藝博會的寵兒
資歷摘要： 蘇黎世 Art International / 紐約 Pangea 展。
[學術評論]：
頻繁參與蘇黎世、紐約等國際藝術博覽會，松下佐代的作品具有強烈的「市場導向」與國際性。她的風格色彩鮮明、裝飾性強，展現了日本當代藝術中那種能跨越文化隔閡、直接訴諸視覺愉悅的普世美感。

119. 山内孝一 (Yamauchi Koichi)

學術定位：信州風土的紀錄者
資歷摘要： 和光大學 / 長野縣各大美術館展出。
[學術評論]：
山内孝一活躍於長野縣（信州），其創作深深植根於那裡的高山與峽谷。不同於都市藝術家的冷漠，他的作品帶有一種「風土 (Fudo)」的厚度。他在飯田市美術博物館等地的活動，展現了日本地方美術館體系中深厚的人文底蘊。

120. やちぐちひろゆき (Yachiguchi Hiroyuki)

學術定位：東京畫廊生態的切片
資歷摘要： 國立新美術館 / GALERIE SOL。
[學術評論]：
Yachiguchi 是東京銀座/京橋一帶現當代畫廊的活躍份子。他的參展履歷顯示他是東京畫廊生態圈的中堅力量。其作品具備駕馭大型展覽空間的能力，傾向於色彩鮮明或具備強烈視覺符號的現代繪畫。

【III. 特別企劃：亞洲的戰略樞紐 (Special Feature: The Asian Nexus)】

王穆提 (WANG MUTI)

學術定位：亞洲當代藝術的戰略家 / 檔案構建者 (The Strategist & Archivist)
資歷摘要： 日本現代美術家協會（現展）台灣連絡所所長 / NAU 台灣首位成員 / 策展人。
[學術評論]：作為藝術家，他的作品延續了他在日本「現展 (GENZAN)」獲獎的脈絡，展現了對空間與材質的高度敏銳。他擅長將個人記憶與歷史檔案進行「編碼」與「重構」，其作品往往帶有一種冷靜的秩序感，試圖在混亂的資訊爆炸時代中建立視覺的索引。
然而，他更重要的貢獻在於「連結」。作為台灣與日本藝術生態系的關鍵節點（Nexus），他協助超過 2,000 位藝術家建立獨立數位資料庫平台，並策劃多次高規格台日交流展。他的創作本身就是一種「關係美學 (Relational Aesthetics)」的實踐。王穆提的存在，證明了當代藝術家不僅是作品的生產者，更是藝術生態的編織者。
王穆提在本次展覽中的角色是雙重的：他既是創作者，也是一位具有宏觀視野的「戰略家 (Strategist)」。

第24回 NAU 21世紀美術連立展：出品メンバー紹介および所属美術団体

【I. キュレーター宣言と組織哲学 (Curatorial Statement & Philosophy)】

NAUの歴史と理念：「原子化された個体」から「リゾーム状の連立」生態系へ

NAU History & Philosophy: From Atomized Individuals to Rhizomatic Unity

21世紀に入り、芸術はもはや孤立した象牙の塔ではなく、水平に連結した有機的なネットワークとなりました。NAU (New Art Unite / 21世紀美術連立展) は創立以来、日本戦後の画壇において長く硬直化していた「タテ社会（Vertical Society）」の構造に応答しようと試みてきました。伝統的な公募展システムは、往々にして師弟制度や厳格な審査階級に囚われており、現代アートにおける最も貴重な特質である「自由意志」と「異質な対話」を制限してしまっています。

NAUが提唱する 「連立 (Unite / Renritsu)」 という概念は、ジル・ドゥルーズ（Gilles Deleuze）の「リゾーム（Rhizome）」理論に呼応する急進的な生態実験です。それは、アーティストの「存在論的な独立性（Ontological Independence）」を保持したまま、領域、国境、世代を超えた「水平的な連結」を行うことを主張します。ここでは、前衛書道の精神性、フォービズム絵画の物質性、そしてデジタル映像の仮想性が、互いに排斥し合う流派ではなく、21世紀の視覚的景観を共に構成する有機的なコンポーネントとなります。

第24回の展覧会は、NAUが「日本国内のグループ展」から 「汎アジアの芸術的結節点 (Pan-Asian Art Nexus)」 へと転換する象徴となります。台湾、韓国の芸術団体との構造的な同盟を通じて、NAUは東アジアにおける現代アートの境界を再定義し、芸術が「連立」の中で差異を保ちながら、「対話」の中で新たな意義を生成できることを証明します。

【WEB版】第24回 NAU 21世紀美術連立展：アーティスト相関図（インタラクティブ）

【II. 場所の精神 (Venue Significance)】

国立新美術館：壁なき殿堂と対話の器

The National Art Center, Tokyo: The Wall-less Cathedral of Dialogue

今回の展覧会が、日本芸術の最高峰である殿堂——国立新美術館 (The National Art Center, Tokyo) で開催されることには、極めて高い象徴的意義があります。

建築の巨匠、黒川紀章 (Kisho Kurokawa) によって設計されたこの美術館は、それ自体が「共生 (Symbiosis)」哲学の具現化です。永久的な所蔵品（Permanent Collection）を持たないということは、歴史の固定化を拒絶し、永遠に「現在（いま）」のアート表現に対して開かれていることを意味します。その巨大な波状のガラスカーテンウォールと柱のない展示空間は、NAUの大型インスタレーションや空間書道にとって最も完璧な舞台を提供します。ここで展示することは、参加アーティストが厳格な学術的審査を通過し、日本現代美術史の正規の視野に入ったことを意味します。これは単なる展示空間ではなく、個人の創作を「公共の記憶」へと転換させる神聖な場なのです。

出品アーティストの「芸術団体／展示画廊／学術圏」分析と連携

一、方法論と閲覧ガイド

1) 三層構造のネットワーク分析フレームワーク

団体層（G）：NAU（21世紀美術連立展）を中心に、Salon Blanc（日仏現代国際美術展）、太平洋美術会、墨人会、AJAC、日本美術家連盟、Asia Artists Network（アジア・アーティスト・ネットワーク）、AU（アーティスト・ユニオン）、現展（日本現代美術家協会） などへと外延します。
画廊層（A）：東京銀座—京橋の画廊帯を核心的ノード（Gallery Hinoki、K’s Gallery、Shirota Gallery、Artcomplex Center of Tokyo（ACT）、Gallery Natsuka、GALLERY AND LINKS 81 など）とし、横浜、名古屋、京都、大阪、さらに海外（パリ、ニューヨーク、ミラノなど）の提携スペースへと拡張します。
学術層（S）：東京藝術大学、多摩美術大学、武蔵野美術大学、女子美術大学、京都造形／京都芸術大学、愛知県立芸術大学、大阪芸術大学、弘益大学（韓）、パリ・グランド・ショミエール芸術アカデミー（仏）などを中心に、師承の脈絡（師弟制度、研究室システム）と学校間の相互作用（客員、提携、交流展）を連結します。

2) ノードとエッジ（Nodes & Edges）

ノード（Nodes）：アーティスト、団体（協会／グループ展組織）、画廊（美術館含む）、学術機関。
エッジ（Edges）：
- 会員／メンバー／受賞（アーティスト ↔ 団体）
- 個展／グループ展協力（アーティスト ↔ 画廊／美術館）
- 学位／師承／研究／講師（アーティスト ↔ 学術機関）
- キュレーション／審査（アーティスト／団体 ↔ 画廊／美術館）
- 多国間交流（団体 ↔ 海外画廊／美術館／学校）

3) ネットワークの読み方

同心円：NAUを第一圏とし、外側に向かってNAUと高頻度で相互作用する画廊（Hinoki、K’sなど）、さらに外圏にNAU出品作家と重なる他の団体（Salon Blanc、太平洋美術会、墨人会、現展など）や海外ノード（パリ、ニューヨーク、ミラノ）が配置されます。
ブリッジ・ノード：複数の圏層を接続できるアーティスト（例：NAU会員でありながら他の大規模団体や海外プラットフォームで活躍する者）、あるいは学術と展示の両端で強い結びつきを持つキュレーター型アーティスト。
メディア・コミュニティ：書／墨、ファイバーアート、版画、油彩／抽象、陶芸／彫刻、写真などのコミュニティが、画廊と学術の交差点で「メディア・ネットワーク」を形成しています。

二、中核ノード総覧

まず、本展の出品者リストにおいて、ネットワークの骨格を最も構成しうる「団体—画廊—学術」のノードを列挙し、リスト中の多くのアーティストと繰り返し現れる連動の特徴を付記します。

(G) 団体とグループ展プラットフォーム

NAU（21世紀美術連立展）：本分析の中心。多数のアーティストがNAU会員または推薦入選者として参加。
Salon Blanc（日仏現代国際美術展）：フランスの機関やフランス大使館賞と関連。リスト中の青木洲子、久保木妃呂子、文珠川清、吉原緑香などがこのプラットフォームと接点を持つ。
太平洋美術会：日本最古の西洋画団体の源流の一つ。久保木妃呂子が運営委員／会員／東京支部メンバーとして在籍。
墨人会：戦後日本の現代書の重要な源流。萌翠、渡邊佐和子がこの脈絡と密接に関わる。
現展（日本現代美術家協会）：王穆提が台湾連絡所所長を務める。呉采恩が2025年第81回現展に入選。
Asia Artists Network（AAN）：山田陽子が社長を務め、アジア圏の協力を横断的に連結。
AU（アーティスト・ユニオン）：具体美術創設メンバー・嶋本昭三の企画と交差。湯沢茂好、桑山真麻弓などが関与。
AJAC、日本美術家連盟：Sasaki Tsunamasa が AJAC 会員。多くのアーティストが日本美術家連盟とも交流を持つ。

(A) 画廊と美術館

Gallery Hinoki（ギャラリー檜／京橋）：NAUアーティストが高頻度で出現する東京の中核画廊ノード。
K’s Gallery（銀座）：多くのアーティストが毎年個展を開催しており、NAUコミュニティと重複する。
Shirota Gallery（銀座）：上杉道子、浜田夏子などが活躍。
Artcomplex Center of Tokyo（ACT）：woga、渡邊健吾、YU-KI などがここで展示または受賞している。
Gallery Natsuka／GALLERY AND LINKS 81／Gallery KINGYO／小杉画廊：NAUと首都圏画廊帯の典型的な協力ノード。
国立新美術館（六本木）：NAU展のメイン会場。多くのアーティストがここで他の大型公募展や交流展にも参加している。
海外ノード：パリ Galerie Métanoïa、Espace Sorbonne 4；ニューヨーク The Nippon Gallery、The Nippon Club；ミラノ M.A.D.S. ART GALLERY；ソウルの複数の美術館や文化院など。

(S) 学術機関

東京藝術大学：田畑理恵（講師歴／研究）、田嶋初／田島弘行／塩見章などの油画／版画背景；宇田川宣人（芸研修士課程）。
多摩美術大学：Akiko SIACCA、HIROMI TOMINAGA、Saka Mitsuhiro など。
武蔵野美術大学：久保木妃呂子、Kobayashi Tetsuro、田畑理恵、山根真奈など。
女子美術大学：磯崎式子、深尾良子など。
京都造形／京都芸術大学：浅野あかね、晶蔵など。
愛知県立芸術大学：YUKIKO（水彩連盟等の展示歴）、針谷智子（瀬戸窯業専攻）の背景に関連。
大阪芸術大学：関野凛太郎（芸術制作博士課程）など。
弘益大学（韓国）、梨花女子大学：HOLEE、柳賢淑など。
Académie de la Grande Chaumière（パリ）：柳賢淑の留学背景。フランス美術教育の伝統と連結。

三、ネットワーク構造：NAUから出発する「同心円」と「ブリッジ・ノード」

1) 中心圏（NAU直属および高頻度相互作用者）

髙橋俊明（NAU会長）：制度と展示実務の中核人物として、NAUネットワークの中心ハブとなり、東京銀座画廊帯、国立新美術館、そしてNICAF／岡本太郎記念現代芸術大賞展など他の大型プラットフォームへと拡張している。
橋谷勇慈（NAU事務局長）：画廊協力（Hinoki、Natsuka、正光画廊）と海外交流（スペイン、日本—欧州）の架け橋。
金丸順子、仁平和幸、神田風香、末本太丸、平昇、高橋詩桜里、戸沼牧子、Masaya Iwasaki、松下佐代、松村清司、Maho Laplante、杉山まさし、関野凛太郎、渡邊健吾、渡邊佐和子、渡辺信好、やちぐちひろゆき、野村雅美、宣和、西田裕子、二宮ちとせ、山田陽子など：NAUと銀座—京橋画廊群の間で高頻度に相互作用する「コミュニティ・コア」を形成。

2) ブリッジ・ノード（跨団体／跨国プラットフォームの重要な連結者）

青木洲子：Salon Blanc（日仏現代国際美術展）との賞のリンク（フランス大使館賞、文部科学大臣賞）により、NAUとフランスのプラットフォームを緊密に結びつける。
久保木妃呂子：太平洋美術会運営委員＋NAU；並びに東京都美術館やSalon Blancへの継続的な参加により、「日本西洋画の伝統的脈絡—NAU—フランス交流」をつなぐ。
渡邊佐和子：NAU前会長＋墨人会会員；NAUを戦後現代書の源流と接合させる。
桑山真麻弓：大阪芸術大学ファイバー＋AU／具体系企画への参加；関西ファイバー—具体美術—海外（ミラノ）デザインウィークを連結。
湯沢茂好：OBARA美術研究所出身＋AU出品；具体美術企画や地方研究所のネットワークでNAUとつながる。
柳賢淑（韓）／HOLEE（韓）：韓国の学術背景＋ソウルの美術館群＋パリの画廊；NAUと韓国、フランスの両端を結ぶ。
王穆提（台）：現展台湾連絡所所長＋NAU台湾初のメンバー；NAU—現展—台湾の大学や文化機関—北京798などのメディアプラットフォームを連結し、キュレーションとデータベース構築（2,000名以上のアーティスト）により多国間の情報と宣伝流を強化。
文珠川清：Salon Blanc実行委員長＋日本美術家連盟会員；NAUと日仏プラットフォームの制度と審査レベルを串刺しにする。
Maho Laplante：ニューヨーク・アート・スチューデンツ・リーグ奨学金＋パリ、東京での展示歴；NAUとアメリカ—フランスの教育と展示の連鎖を接続。
Akiko SIACCA：銀座画廊社長＋現代アーティスト；NAUと銀座画廊の経営ネットワークを相互にカップリングさせる。

四、画廊帯（銀座—京橋）とNAUの「共振」

Gallery Hinoki（ギャラリー檜）を典型的ハブとする

多数のNAU出品者が長年Hinokiで個展／選抜展を開催している（例：末本太丸、金丸順子、神田風香、トウキョウタカシ（Tokyo Takashi）、橋谷勇慈、Masaya Iwasaki、渡邊健吾など）。

Hinokiのキュレーションのリズムは常にNAUの年度会期と前後して共振し、「国立新美術館（グループ展） ↔ 銀座—京橋（個展／二人展）」という二重軌道のノードを形成している。

K’s Gallery（銀座）—毎年の個展習慣

戸沼牧子、鈴木齊、深尾良子、浜田夏子などがK’s Galleryで安定した個展のリズムを持つことで、NAUアーティストは同一画廊ネットワーク内で「作品語彙の連続性」と「コレクターコミュニティの親密度」を蓄積している。

Shirota Gallery（銀座）—現代からコンテンポラリーへの接続

上杉道子、浜田夏子、Akiko SIACCA などのShirotaとの長期的相互作用は、「銀座の伝統的画廊運営方式」と「NAUの現代的実践」を相互に対照させている。

ACT（Artcomplex Center of Tokyo）—新鋭とコンペティション志向

woga、YU-KI、渡邊健吾などのACTでの展示や大賞メカニズムは、NAUコミュニティに新しい血の流動（コンペ—グループ展—個展—国立新美術館）という昇級ルートを解放している。

五、学術圏—師承の脈絡と展示場での行動の相互増幅

1) 東京藝術大学（芸研、油画、版画）

宇田川宣人（芸研修士、九州産業大学名誉教授）：学術職務＋国際交流（米国ペンシルベニア客員）により、NAUと「学術評議—国際展示実務」を接続。
塩見章（油画科；MMG版画工房アートディレクター）：学術技術面（版画工房）と画廊（Kaneko Art Gallery）の間に「技術リソース—展示リソース」の橋を架ける。
田島弘行（東京芸大油画—版画研究室）：版画と油画の二刀流で、NAUの「多メディア共存」に実例を提供。

2) 多摩美術大学／武蔵野美術大学—首都圏学術の双璧

Akiko SIACCA、HIROMI TOMINAGA、Saka Mitsuhiro、Kobayashi Tetsuro、田畑理恵、山根真奈 などが、首都圏二大美術大学系列の師承や校友展、大学院システムを通じて、NAUと「学術再生産メカニズム」を緊密に連携させている。
田畑理恵：教育学博士＋書と抽象の領域横断的師承（米島清鶴、金子卓義／Steven Cushner）により、「東西メディア言語の融合」というモデルルートを提供。

3) 京都系（京都造形／京都芸術大学）—地域型現代語彙

浅野あかね、晶蔵、アレトコレココ などが京都系の訓練と画廊活動（京都同時代など）の間で、「地域美術圏—国立新美術館」という地域を跨ぐ引力を形成している。

4) 愛知／大阪系—中部と関西の補強

関野凛太郎（大阪芸術大学博士課程；シェル美術賞学生特別賞；Art Gate Program収蔵）などが、企業コレクションやオークション、アートフェア（ART OSAKA）へのルートを連結。
針谷智子（瀬戸窯業専攻）：陶芸工房体制とロンドン、パリの個展を接続。

5) 海外学術と交流

柳賢淑（弘益大学／パリ La Grande Chaumière）：韓国—フランス—日本の三角ネットワーク。
HOLEE（梨花女子大学西洋画）：ソウル国立現代美術館、フランス文化院と日本の展示実務を横断；NAUと韓国機関を直結。
Maho Laplante（ニューヨーク・アート・スチューデンツ・リーグ）：米国の教育リソース＋東京とパリの二都市展示連動。

六、メディア・コミュニティと領域横断的連携

書／墨（現代書芸）

石井抱旦（前衛書家；毎日書道展審査会員）：「漢字書道」の筆墨美学を多国籍な抽象視覚へと転化；イタリア、ドイツ、フランスでの展示経験により、日本墨文化の現代性を国際舞台へ導出。
渡邊佐和子（墨人会会員；NAU前会長）：戦後現代書の源流とNAUの組織的ハブ、京都—東京の墨芸圏を連絡。
萌翠（墨人会、墨人賞）：京都墨人の伝統とNAU現代グループ展の「筆墨の更新」。
柳谷みち代、山崎倖子：筆墨の線条美学で画廊の二人展と地方グループ展を結び、「小型展—大展」の階段的ルートを形成。
濱﨑道子（書道科；横浜・墨の美術館館長）：書芸館—銀座—海外都市（パリ、カンヌ、ロンドン、ワルシャワ、スペイン）の多国間連携。
林和子（BKS会員；万華鏡芸術師承）：「メディア拡張」のインターフェースで書芸、工芸美学と公共空間展示を連結。

ファイバー／工藝

オギノキヨコ、岡本直枝、桑山真麻弓：大学時代のグループ展（よきなみ展）から日台交流展、さらにミラノデザインウィーク、美術祭や大型商業施設の美術空間（高島屋、美術画廊）へと、「生活美学—現代語彙」を接合。
針谷智子（瀬戸窯業）：陶芸の師承とロンドン、パリの個展を連携させ、「工房—画廊—国際化」を強調。

版画／油画／抽象

塩見章（版画工房ディレクター）：技術リソースセンター；小杉画廊、Kaneko Art Galleryとの展示。
田島弘行（版画研究室）：油画、版画の二刀流；京王版画サロン、地球堂、KINGYOなどでの展示実践。
金丸順子、仁平和幸、佐藤利予、芝谷桂：抽象語彙の中で、Hinoki、AND LINKS 81、Yamate（横浜）などの画廊を通じて集合し、「抽象コミュニティ—銀座帯」を形成。

写真／映像

トウキョウタカシ（Tokyo Takashi）：PX3、IPA、FAPA、ロンドン国際クリエイティブ・コンペティション、ブダペスト国際写真賞などの国際写真コンペティション；NAUと世界の写真プラットフォームをつなぐ。
野村雅美：音楽—絵画—ライブペインティングのメディア横断行動により、「現場性—抽象性」の映像美学を形成。
YU-KI：Photo Communication® 協会；東京代官山 Space K、RDECOなどでの展示により、写真コミュニティと銀座画廊を連結。

七、多国間ルートの雛形

パリ軸：Salon Blanc（フランス大使館賞）— Galerie Métanoïa — Espace Sorbonne 4 — La Grande Chaumière（教育）。
ニューヨーク軸：The Nippon Gallery／The Nippon Club — Lincoln Center Cork Gallery — Emerson Umbrella の水彩システム（YUKIKO）— 米国審査員奨学金（Maho Laplante）。
ソウル軸：国立現代美術館—フランス文化院—多数の美術館（HOLEE、柳賢淑）。
ミラノ／欧州デザインウィーク軸：桑山真麻弓（MILANO GENIUS）、M.A.D.S.（イタリア・ミラノ）。
東欧—中欧軸：Okayama Masaki（ポーランド・クラクフ国立美術館、ワルシャワ現代芸術センター収蔵）。
北陸—富山—北海道地方軸：Sugano Junko（富山交流）／Guarino Aki（富山レジデンスと越中アートフェスタ）／Etsuko Fukue（北海道美術協会—札幌、小樽展示実務）。

八、先行洞察

NAUは構造化された「グループ展—個展—学術—海外」のハブである：国立新美術館の年度会期と銀座—京橋画廊帯の個展リズムを通じて、作品語彙の「連続性」、観客コミュニティとコレクターコミュニティの「予見可能性」を形成している。
ブリッジ型アーティストがネットワークの外延半径を決定する：青木洲子（フランスの賞）、久保木妃呂子（太平洋美術会）、渡邊佐和子（墨人会）、桑山真麻弓（具体×ミラノ）、柳賢淑／HOLEE（韓国×パリ）および王穆提（台湾×現展×メディア×データベース）などが、NAUの多国間への触手を著しく拡張している。
学術システムが方法と言語の「再生産」を提供する：東京芸大／多摩／武蔵野／女子美／京都系／大阪芸大などが、メディアと方法論を展示の現場で持続的に更新させている；師承の連鎖と工房体制（MMG版画工房、OBARA美術研究所など）は技術リソースの安定した支えとなっている。
メディア・コミュニティの交差が未来の方向性である：書芸—抽象、ファイバー—具体、版画—油画、写真—インスタレーションの交差言語は、海外プラットフォームでより容易に識別と共鳴を得て、拡張可能な物語を形成する。

【IV. 序章：権威と礎 (Prologue: The Foundations)】

2. 髙橋俊明 (Takahashi Toshiaki)

学術的位置づけ：NAU会長 / 空間構成の教育者
経歴概要： 東京学芸大学大学院絵画講座 / 岡本太郎記念現代芸術大賞展。
[学術講評]：
NAUの舵取り役として、高橋俊明の作品は東京学芸大学の系譜特有の「理性」と「構造」を体現している。彼の絵画は単なる平面装飾を超え、建築的な空間構成意識を示している。彼は色彩の推移 (Color Progression) と幾何学的な分割を巧みに操り、インスタレーションにおいて深遠な3Dフィールドを構築する。その作品は視覚的な享受であるだけでなく、「いかに空間に介入するか」という課題に対する厳粛な学術的応答でもある。

3. 橋谷勇慈 (Hashiya Yuji)

学術的位置づけ：科学的理性と抽象美学の統合
経歴概要： NAU事務局長 / 名古屋大学（ノーベル賞・赤崎勇研究室メンバー）。
[学術講評]：
橋谷勇慈は現代アート界でも稀有な「科学者アーティスト」である。ノーベル物理学賞チームの研究背景が、彼の抽象絵画に独特の「アルゴリズム的美学 (Algorithmic Aesthetics)」を与えている。彼の線と色面は感性の発露に由来するものではなく、結晶構造や回路マトリックスのように、ある種の内在的な宇宙の秩序に従っている。彼はNAU展における「理性の眼」の代表である。

4. 光行洋子 (Mitsuyuki Yoko)

学術的位置づけ：九州画壇のアカデミック・マトリチアーク（ゴッドマザー）
経歴概要： 九州産業大学名誉教授 / アジア国際美術展副代表。
[学術講評]：
「名誉教授」という崇高な学術的肩書きを持つ光行洋子は、日本洋画界の正統と伝承を代表している。彼女の作品は巨匠クラスの空間支配力を示している——色彩は重厚でありながら滞りなく、構図は壮大でありながら細部が豊かである。九州地区の芸術教育のリーダーとして、彼女の画作には深い人文的配慮と歴史的底流が流れており、展覧会の学術的重心を安定させている。

5. 宇田川宣人 (Udagawa Nobuhito)

学術的位置づけ：国際的視野の下での地域深耕
経歴概要： 九州産業大学名誉教授 / 福岡市美術連盟理事長 / ペンシルベニア大学客員。
[学術講評]：
宇田川宣人の芸術実践は東西の境界を越えている。福岡美術界の行政的核であり教育者でもある彼の作品は、日本洋画の確かな基礎と欧米現代アートの構成ロジックを融合させている。彼はNAUが推進するAAN (Asian Artists Network) の重要な支柱であり、その作品自体が異文化コミュニケーションのメディアとなっている。

6. 久保木妃呂子 (Kuboki Hiroko)

学術的位置づけ：百年洋画史の守護者
経歴概要： 太平洋美術会運営委員 / Salon Blanc 出品。
[学術講評]：
太平洋美術会は日本最古の洋画団体である（明治期創立）。久保木妃呂子はその運営委員として、日本洋画百年の歴史の重みを背負っている。彼女の作品は伝統的油彩画の「絵画性 (Painterliness)」を堅持し、筆触の温度と絵具の質感を強調し、流行を超越した古典的な強靭さを示している。

【Chapter I】墨の弁証法——空間、気韻、そして脱構築

Dialectics of Ink: Space, Gesture, and Deconstruction

[キュレーター・ガイド]

本章では、現代アートにおける「墨」の二つの道筋を探求する。一方は、日本の前衛書道による「文字の意味の剥離」と「空間の爆発」であり、もう一方は、台湾の現代漢墨による「文人精神の現代化」と「気韻の持続」である。

【Section 1: 二大女流の対話 (Dialogue of the Matriarchs)】

7. 渡邊佐和子 (Watanabe Sawako)

学術的位置づけ：前衛書道の正統 / 空間の切断者
経歴概要： NAU前会長 / 墨人会会員 / 比田井南谷、森田子龍に師事。
[学術講評]：
渡邊佐和子は戦後日本前衛芸術史の生き証人である。「墨人会」の直系の継承者として、彼女の創作の核心は「筆蝕」——すなわち筆鋒と紙の繊維が激しく摩擦した後に残る生命の痕跡にある。彼女の作品において、漢字の形体は徹底的に解体され、純粋な白黒のエネルギーの塊へと転化している。彼女の空間処理は極めて強い侵略性と建築感を持ち、墨跡は虚空に描かれた稲妻のようである。これは静的な書字ではなく、身体エネルギーが瞬間に爆発した後の「凝固した時間」である。

8. 連瑞芬 (LIEN Jui-Fen)

学術的位置づけ：台湾書壇のリーダー / 現代の文人気韻
経歴概要： 台湾女書法家学会理事長 / 澹廬文教基金会董事長。
[学術講評]：
日本の書道が瞬間の爆発を追求するとすれば、連瑞芬は「時間の持続（ベルクソン的綿延）」を提示している。台湾書壇の重要なリーダーとして、連瑞芬は曹秋圃の系譜（澹廬）にある「書道禅」の真髄を深く体得しており、線は力強く弾力に富んでいる。しかし、彼女は伝統的な条幅にとどまらず、現代絵画の「全面構図（オールオーバー）」と「余白の美学」を大胆に書へと導入している。彼女の作品は独特の「統率力」を示しており、一見自由奔放な行草の線の中に厳格な構造的秩序を含んでおり、古典的教養と現代的視覚言語の完璧な融合である。

【Section 2: 構造、立体、そして実験 (Structure, Dimension & Experiment)】

9. 石井抱旦 (Ishii Hotan)

学術的位置づけ：立体書道 / 国際化された書字言語
経歴概要： 毎日書道展審査会員 / イタリア、ドイツ、フランスで活躍。
[学術講評]：
石井抱旦は一つの核心的な問いの解決に尽力している。「いかにして漢字を読めない西欧の観客を書法で感動させるか？」彼の答えは「立体化」と「建築化」である。彼は書の線を建築の梁や柱と見なし、2Dの紙面上に3Dの空間的深度を構築する。その作品は強い彫刻感を持ち、書道がグローバルな現代アートへと向かう成功例である。

10. 王詮富 (WANG-CHUAN FU)

学術的位置づけ：水墨の物質性実験 / アカデミーの新鋭
経歴概要： 国立台北芸術大学 (TNUA) 美術修士。
[学術講評]：
王詮富は台湾の若い世代のアカデミズムによる水墨への革新的視点を代表している。彼は水墨を単なる書字の道具としてではなく、アクリルや油絵具と同等の「物質 (Material)」として捉えている。彼は画面上で堆積、洗い出し、テクスチャーの生成を行い、「書」と「絵画」の境界を曖昧にし、実験的な性質を帯びた視覚的張力を提示している。

11. 陳福祺 (CHEN FU-CHI)

学術的位置づけ：映像と墨象のクロスオーバー / 写真の眼による書字
経歴概要： 台湾本土撮影学会会長 / 広角撮影学会会長。
[学術講評]：
陳福祺は台湾写真界の重要なリーダーであり、今回は「現代書道」への越境展示を行っている。彼の書字は強烈な映像ロジックを帯びている。漢字の構造に対するレイアウトは、あたかも写真における「フレーミング (Framing)」や「構図」のようであり、空間の切断と虚実の対比に極めてこだわっている。これは「シャッターの眼で筆を運ぶ」独特の実践であり、視覚芸術の原理が高度に通底していることを証明している。

12. 濱﨑道子 (Hamasaki Michiko)

学術的位置づけ：墨の文化的翻訳者
経歴概要： 横浜・墨の美術館館長。
[学術講評]：
濱﨑道子の作品は優雅な「流動性」を持っている。彼女は東洋の「線の美学」をいかにして西洋世界へ翻訳するかを熟知している。彼女の創作は単一の筆画における豊かな変化——濃墨の焦燥から淡墨の滲みまで——に焦点を当て、紙の上で水と墨が交じり合うミクロコスモスを提示している。

13. 萌翠 (Hosui)

学術的位置づけ：紙と墨の浸透学
経歴概要： 墨人会会員。
[学術講評]：
墨人会の一員として、萌翠は「浸透 (Osmosis)」のプロセスに関心を寄せている。作品は、時間の経過とともに墨汁がいかにして紙の繊維を侵食し、滲んでいくかを提示する。これは極めて内省的な創作であり、観客を静謐な東洋的瞑想へと誘う。

14. 廖純沂 (Liau, Chun-Yi)

学術的位置づけ：儒醫伝統の現代文人画 / 癒やしの水墨
経歴概要： 中山医学大学博士 / 国際書画展で活躍。
[学術講評]：
廖純沂は「儒医」の伝統を受け継ぎ、具象的な「水墨画」を修身のメディアとして選択している。筆墨の間には、医者特有の仁心と平和が漂っている。彼は奇をてらった構図を追わず、墨色の濃淡と滲みを通じて、人文的な息吹に満ちた山水のイメージを構築し、展示会場に古典的で安定した力を提供している。

15. 姜金玲 (Jiang Jinling)

学術的位置づけ：膠彩と水墨の交融
経歴概要： 東海大学膠彩画専攻 / 姜一涵に師事。
[学術講評]：
姜金玲の作品は、台湾水墨の霊動性と日本膠彩（岩彩）の重厚さを融合させている。現代水墨の巨匠・姜一涵に師事した背景により、彼女の作品は墨の響きの外に、鉱物顔料の煌めく質感と色彩の層（レイヤー）を加え、素材を超越した現代文人画風を提示している。

16. 柳谷みち代 (Yanagiya Michiyo)

学術的位置づけ：線の音楽性
経歴概要： 現代の墨と書。
[学術講評]：
柳谷の作品は線のリズム感と音楽性を強調している。彼女は漢字の構造的束縛を打ち破り、空間の中で線を自由に舞わせる。その作品は往々にして軽やかな律動を帯びており、凝固した音楽の旋律のように、意味伝達機能から脱却した後の現代書字の純粋な形式美を提示している。

17. 栗原光峯 (Kurihara Koho)

学術的位置づけ：書道外交官
経歴概要： JIAS会員 / ベルギー・オランダ美術賞展優秀賞。
[学術講評]：
書道の「国際化」に尽力している。栗原は筆墨の視覚言語を調整し、文字の意味的障壁を超えて、西洋の観客にも理解できる抽象的な線の芸術へと転化させる術を熟知しており、極めてコミュニケーション力の高い現代書芸である。

18. 井上一光 (Inoue Ikko)

学術的位置づけ：文字学の芸術的転化
経歴概要： 字統文字研究所所長 / 福岡文化賞。
[学術講評]：
井上一光は書家であるだけでなく、文字学者でもある。彼は「甲骨文/金文」を原始的な呪術的記号へと還元しており、その作品は強烈な象形性と神秘性を持ち、極めて学術的深みのある「学人の書道」である。

19. 小川移山 (Ogawa Izan)

学術的位置づけ：行為書道と表現教育
経歴概要： ペニンシュラホテル収蔵。
[学術講評]：
小川移山は書道を「表現教育」および「パフォーマンスアート」と定義している。彼の作品は書字プロセスにおける演技性と身体の介入を強調し、書道のエネルギーを公共空間へと放射しようとするもので、気宇壮大である。

20. 吉原緑香 (Yoshihara Ryokka)

学術的位置づけ：和洋折衷の書画
経歴概要： 日仏現代美術世界展優秀賞。
[学術講評]：
吉原緑香はキャンバス上で東洋の筆墨の線と西洋の色彩構成を調和させることに成功し、異文化を跨ぐ視覚言語を創造し、「和洋折衷」の美的高みを示している。

21. 田畑理恵 (Tabata Rie)

学術的位置づけ：理論と実作の統一
経歴概要： 教育学博士。
[学術講評]：
東洋の書道とアメリカの抽象絵画を結合させた田畑理恵の作品は、その美学理論の実践であり、キャンバス上で理性的な東西融合を行い、学術研究者の厳密さと異文化への視野を提示している。

【Chapter II】絵画の物質学——情熱的な厚塗りから理性的な冷たい抽象へ

The Materiality of Painting: From Impasto Passion to Rational Abstraction

[キュレーター・ガイド]

スクリーン映像（Screen Image）が氾濫する現代において、絵画が存在する本体論的意義とは何か？NAUの回答は「物質の復権 (The Restoration of Materiality)」である。

本章では、物質的実践としての絵画の二つの極端を提示する。一方は日本洋画史を継承する「表現主義の系譜」であり、フォービズム的な色彩の爆発と身体的な筆触を強調する。もう一方は東京の現代画廊で活躍する「理性的抽象の系譜」であり、時間の堆積、絵具の物理的厚み、そして幾何学構造の冷静な構築を強調する。

【Section 1: 情熱と生命 (Passion & Life) —— 表現主義の系譜】

22. 通天櫻井洋美 (Tsuten Sakurai Hiromi)

学術的位置づけ：日本フォービズムの炎 / 触覚的視覚
経歴概要： 独立美術協会会友 / 池島勘治郎に師事。
[学術講評]：
「独立美術協会」は1930年代の創立以来、日本の「フォービズム (Fauvism)」の砦であった。通天櫻井洋美の作品はこの血統を完璧に継承している。彼女は色彩の自然主義的な再現を拒絶し、色彩の「感情的真実 (Emotional Truth)」を追求する。彼女のキャンバス上で、絵具は平塗りされるのではなく、積み上げられ、ぶつけられる。燃えるような赤と深淵な黒が、強烈な視覚的対比を構成する。この「厚塗り法 (Impasto)」は画面に強力な彫刻感を与え、あたかも2D平面の制約を突破して観客の網膜を直撃し、「触覚的視覚 (Haptic Visuality)」を呼び覚ますかのようである。

23. 磯崎式子 (Isozaki Noriko)

学術的位置づけ：光と色の織り手 / 視覚的快楽
経歴概要： 一陽会絵画部委員 / 女子美術大学 / 一陽賞。
[学術講評]：
磯崎式子の作品は「一陽会」特有の美学の伝統——光と影、色彩の調和への究極の追求——を示している。彼女は細かい筆触を駆使することに長けており、無数の色調を流動的なスペクトルへと織り上げる様は、印象派による光の捕捉のようであるが、より現代的な装飾性を持っている。彼女の画面は往々にして温かな「視覚的快楽 (Visual Pleasure)」に満ちており、難解な観念的説教はなく、純粋な色彩が空間の中で律動しており、現代の冷淡な疎外感に対する解毒剤となっている。

24. 仁平和幸 (Nihira Kazuyuki)

学術的位置づけ：時間の地質学 / 物質の堆積
経歴概要： NAU正式会員 / Gallery Hinoki 年度精選展。
[学術講評]：
仁平和幸の絵画は「時間」の物理的な提示である。彼はキャンバスに具象を描くのではなく、終わりのない絵具の堆積と削り出しを行う。近距離で彼の作品を見ると、表面には地層の断層のような肌理（テクスチャー）と亀裂が満ちているのがわかる。この「物質性 (Materiality)」は、デジタル映像の平坦化に対抗する最も強力な武器であり、観客に考古学的な凝視を行うよう誘う。

25. 金丸順子 (Kanemaru Junko)

学術的位置づけ：内なる風景の翻訳
経歴概要： NAU正式会員 / 国立新美術館常連。
[学術講評]：
金丸順子の創作は長期にわたり「内なる風景 (Inner Landscape)」と「光と影の律動」に焦点を当てている。彼女は現代日本の抽象画界において、物質性と精神性を優雅に結合できる代表的人物である。国立新美術館での展示作品は、往々にして繊細な色彩の層で観客の深層的な共鳴を引き起こし、極めて高い視覚的完成度と詩的な雰囲気を示している。

26. 小林哲郎 (Kobayashi Tetsuro)

学術的位置づけ：社会派表現主義
経歴概要： 武蔵野美術大学 / 独立美術 / JAALA 国際交流展。
[学術講評]：
小林哲郎の筆触は粗野な原始的力を帯びている。JAALA (日本アジア・アフリカ・ラテンアメリカ連帯) の背景と結びつき、彼の作品は往々にして社会現実や人間の境遇に対する関心を暗示している。彼は筆触の粗さを修飾しないが、この「未完成感 (Non-finito)」がかえって画面の真実味と迫力を強めており、社会的発言のツールとしての絵画の実践である。

27. Maho Laplante

学術的位置づけ：ニューヨーク派の直系 / アクション・ペインティング
経歴概要： ニューヨーク・アート・スチューデンツ・リーグ奨学金 / リンカーン・センターで展示。
[学術講評]：
Maho Laplanteの作品は、観客をニューヨーク抽象表現主義の黄金時代へと連れ戻す。ポロックやロスコの母校の伝統を受け継ぎ、彼女の絵画は「行動 (Action)」を強調する。キャンバスは彼女の身体運動の記録の場であり、絵具の垂れ流し（ドリッピング）、飛沫（スプラッシング）、ひっかき（スクラッチ）は、創作の瞬間のスピード感と偶然性を留めている。これはアメリカ的な自由と奔放さであり、日本の伝統的な内向的美学と鮮やかな対照をなしている。

28. 深尾良子 (Fukao Ryoko)

学術的位置づけ：心象風景のレイヤー
経歴概要： 女子美術大学 / 茨城県展特賞 / 新象展協会賞。
[学術講評]：
深尾良子は女子美術大学出身の実力派である。彼女の作品は女性アーティスト特有の感性と強靭さを示している。色彩の層は豊かで、自然界の移ろいやすい光と影の変化を捉え、それを内在的な心象風景へと転化することに長けている。「新象展」での受賞歴は、具象と半抽象の間を自在に行き来するその造形能力を証明している。

29. 豊崎旺子 (Toyosaki Okiko)

学術的位置づけ：絵画の純粋性
経歴概要： 日本美術家連盟会員 / 銀座 O Gallery 個展。
[学術講評]：
豊崎旺子は銀座 O Gallery など「絵画性」を重視する空間で活躍している。彼女の作品は奇観に依存せず、絵画の基本要素である色彩、構図、筆触のバランスに回帰している。その画作は往々にして幾重にも重なる厚みを帯びており、日本の中堅画家の確かな素養と絵画本体へのこだわりを示している。

【Section 2: 理性と沈殿 (Reason & Sediment) —— 物質抽象の系譜】

30. 和田廣司 (Hiroshi Wada)

学術的位置づけ：都市の幾何学的秩序 / 冷たい抽象
経歴概要： Gallery Hinoki で活躍 / 現代美術家。
[学術講評]：
和田廣司の作品は現代都市体験の抽象化である。彼は水平と垂直の線を駆使し、厳格な「グリッド・システム (Grid System)」を構築する。この冷静な幾何学構成は、余分な感情の吐露を排除し、純粋な構造と秩序だけを残す。彼の画作はモダニズム建築の青写真のようであり、「冷たい抽象 (Cool Abstraction)」の知性美を示しており、理系的思考の芸術への投影である。

31. 平昇 (Taira Noboru)

学術的位置づけ：微視的世界の有機形態
経歴概要： 国立新美術館収蔵 / 銀座 Kobayashi 画廊。
[学術講評]：
平昇は国立美術館体系から注目される実力派画家である。彼の作品の特色は極めて高い完成度と繊細なミクロの視点にある。彼は往々にして画面上に迷宮のような空間感を創り出し、色彩の層は豊かで微妙であり、あたかも有機生物の細胞構造や宇宙の星雲を探求しているかのようである。その作品の静謐な気質は、極めて高い収蔵価値を持たせており、「見飽きない」タイプの古典的現代絵画に属する。

32. HOLEE

学術的位置づけ：単色画の精神性 / 韓仏混血の美学
経歴概要： 韓国梨花女子大学 / フランス・グランド・ショミエール / 国立新美術館個展。
[学術講評]：
HOLEEの作品は韓国の「単色画 (Dansaekhwa)」精神の現代的継続である。彼女は単一の色の反復塗布を通じて、ある種の修行の境地に達している。しかし、フランス留学の背景は彼女により層のある色彩感を与えており、伝統的な単色画のような苦行ではなく、抒情的な抽象の詩情を帯びている。彼女の作品は会場において静かな「息継ぎの場 (Breathing Space)」を提供し、喧騒の中で観客の視覚に休息を与える。

33. 浜田夏子 (Hamada Natsuko)

学術的位置づけ：抒情的抽象の継承者
経歴概要： 東京芸術大学 (脇田和に師事) / 椿近代画廊。
[学術講評]：
浜田夏子は抒情的抽象の巨匠・脇田和に師事し、その温かさと詩情を受け継いだ。彼女の色彩運用は柔らかく音楽性に富んでおり、東京芸大油画科の深い色彩的教養を示している。画面の中の曖昧な境界と滲みは、記憶の残像のように、過ぎ去った時間への郷愁を観客に引き起こす。

34. 香西洋子 (Kozai Yoko)

学術的位置づけ：現代美術のクロスオーバー対話
経歴概要： 六本木アートサークルで活躍 / Gallery Hinoki。
[学術講評]：
香西洋子は長期にわたり現代美術の領域横断的な対話を推進している。彼女の作品形式は柔軟で、単一のスタイルに拘泥せず、色彩、形態、構図のリズム感を重視している。Gallery Hinoki での展示において、彼女は繊細かつ内省的な視覚言語を提示し、観客と作品の間の知覚的共鳴を強調している。

35. 神田風香 (Kanda Fuka)

学術的位置づけ：線形美学の探求
経歴概要： 書道教育学会出身 / 国立新美術館出品。
[学術講評]：
神田風香の背景は書道に由来するが、彼女の作品はすでに純粋な現代抽象へと転化している。彼女は空間における「線」の表現力に注力し、書字的な線がいかにして文字から離脱し、独立した視覚要素となるかを探求している。その作品は独特の「線形美学 (Linear Aesthetics)」により、異文化の評論家から注目されている。

36. 荒川久美子 (Arakawa Kumiko)

学術的位置づけ：版画的思考のレイヤー
経歴概要： 東京造形大学版画専攻 / Gallery Hinoki。
[学術講評]：
荒川の作品は版画特有の「層の思考 (Layering)」を帯びている。絵画作品においてさえ、彼女は堆積と削り出しの技法を駆使し、版画のような「間接性 (Indirectness)」のある質感を作り出す。日韓交流芸術展での経歴は、彼女の作品の抽象構成における成熟度と国際的視野を示している。

【Section 3: 内なる風景と物語 (Inner Landscapes & Narrative)】

37. 佐藤利予 (Sato Toshiyo)

学術的位置づけ：微視的知覚の詩情
経歴概要： 現代美術家 / 沈思的な気質。
[学術講評]：
佐藤利予の作品は日常の知覚と時間の層に関心を寄せている。彼女は繊細かつ抑制された視覚語彙を用いて、静かで沈思的な気質を提示する。喧騒に満ちた現代アートの中で、彼女の作品は短い詩のように、微小な存在への注目を観客に促す。

38. 今野明子 (Konno Akiko)

学術的位置づけ：記憶の残像の捕捉
経歴概要： 現代女性アーティスト / 存在感と記憶。
[学術講評]：
今野明子の創作は「存在感」と「記憶の残像」を巡って展開される。彼女は女性特有の繊細な視点で、日常の中で見過ごされがちな断片を捉える。画面は往々にして朧げな美しさを帯びており、消えゆく瞬間を留めようとしているかのようである。

39. 岡田繁忠 (Okada Shigetada)

学術的位置づけ：自由表現の現代性
経歴概要： 現代美術家。
[学術講評]：
岡田繁忠の作品は伝統的な公募展の束縛から離脱し、自由表現を志向している。彼は抽象絵画とコラージュ技法を結合させ、物質と画面空間の関係を探求し、形式に対する現代美術家の自由な探求を示している。

40. 知京一樹 (Chikyo Kazuki)

学術的位置づけ：抽象と具象の境界
経歴概要： 現代美術家。
[学術講評]：
知京一樹の創作は具象的な記号と抽象的な背景の間を遊走する。彼は画面上に新たな秩序を確立しようと試み、形式の解体と再構築を通じて、観客を超現実的な視覚体験へと導き、NAU展の視覚スペクトルを豊かにしている。

41. チサカマキ (Chisaka Maki)

学術的位置づけ：感性色域の編み込み
経歴概要： 現代美術家。
[学術講評]：
チサカマキの作品は色彩運用において独特の個人的語彙を持っている。彼女は柔らかな、あるいは対比の強い色域を用いて画面を構築する傾向があり、現代生活における個人的感情の微細な波動を探求し、現代美術の中堅層による「絵画性」へのこだわりを示している。

42. 山崎倖子 (Yamazaki Sachiko)

学術的位置づけ：現代水墨の抽象化
経歴概要： 井原優山に師事 / 福岡市美術館個展。
[学術講評]：
山崎倖子は現代水墨を師承しているが、その作品はすでに伝統の範疇を超え、抽象化へと向かっている。福岡市美術館での度重なる個展経験は、白黒の虚実と空間の余白の処理における彼女の深厚な力量を示しており、水墨精神の現代的転化を現している。

【Chapter III】工芸の越境——場と彫刻

Material Transgression: Craft as Spatial Sculpture

[キュレーター・ガイド]

日本芸術史において、「工芸 (Kogei)」は長く実用機能の従属物と見なされてきた。しかし、第24回NAU展は工芸の「越境 (Transgression)」を宣言する。

本章のアーティストはもはや机上の愛玩物を制作するのではなく、粘土、絹糸、金属を空間と格闘する武器として見なしている。彼らは物質の「実用性」を剥ぎ取り、その「観念性」を解放した。津田智子による土の原始的な力の喚起から、中村白蘭による相撲儀式の解体に至るまで、これらの作品は、デジタル仮想時代において、物質の重さと触感だけが人類の眠れる感覚を呼び覚ませることを証明している。

【Section 1: 土の建築学 (Architecture of Clay) —— 現代陶芸インスタレーション】

43. 津田智子 (Tsuda Tomoko)

学術的位置づけ：場の彫刻家 / 物質の抵抗
経歴概要： NAUメンバー / 現代美術家 / 現代陶芸インスタレーションで活躍。
[学術講評]：
津田智子は「工芸的器」としての陶芸の伝統的定義を根底から覆す。彼女にとって、陶土は空間と格闘する武器である。彼女は烈火による焼成後の収縮、亀裂、崩落を利用し、物質の最も原始的な暴力と生命力を提示する。国立新美術館の高い天井空間において、彼女の作品は往々にして古代遺跡や地質構造のような建築感を呈する。彼女は陶土自身の重量感と粗い肌理を残しており、この物質的な「抵抗」は、観客に対して単に目で走査するだけでなく、身体を用いて空間における作品の圧迫感を感知することを強いる。彼女は「工芸」を「空間芸術 (Spatial Art)」へと引き上げる重要な実践者である。

44. 李佳玲 (Lee, Jia-Ling)

学術的位置づけ：陶芸、アクリル、産業のクロスオーバー
経歴概要： 皇墨芸芸術董事長 / 全国学生美展佳作受賞。
[学術講評]：
李佳玲の創作は、素材の境界を自由に越える表現を示しています。彼女は単一の形式に満足せず、「陶芸」の立体造形と「アクリル絵具」の現代的な色彩を組み合わせています。李佳玲はアクリル絵具を用いて直接制作に介入することを選び、作品により強い絵画性と色彩の飽和感を与えています。
皇墨藝藝術の董事長として、彼女の視野は創作にとどまらず、芸術の産業化への応用にも広がっています。NAU 展覧会場では、彼女の作品は現代アートを抽象化し、色彩をファッショナブルにする試みを示しており、当代アートが生活美学や商業空間に介入する可能性を表現しています。

45. 田嶋初 (Tajima Hajime)

学術的位置づけ：人間国宝の現代的転身 / 釉色の極致
経歴概要： 竹内彰（富本憲吉、近藤悠三の系譜）に師事 / 国立新美術館出品。
[学術講評]：
田嶋初の後ろには、日本陶芸史の巨人たちが立っている。富本憲吉（色絵磁器）と近藤悠三（染付）は共に日本の「人間国宝」であり、民芸と現代陶芸の最高峰を代表している。田嶋初はこの正統な血脈を継承しているが、伝統に束縛されてはいない。彼の作品は造形においてより簡潔で抽象的であり、焼成過程における釉色の微妙な変化に専注している。その作品は「制御の中の偶然」——厳格な造形ロジックの下で、釉薬を自然に流動させること——を示している。これは伝統工芸技法と現代造形美学の完璧な結合である。

46. 服部牧子 (Hattori Makiko)

学術的位置づけ：有機的生物形態 / 微視世界の拡大
経歴概要： 陶磁器デザイン集団「The Earth」創設メンバー / 多治見市美術展市長賞。
[学術講評]：
津田智子の建築感とは異なり、服部牧子の陶芸は「生物形態 (Biomorphism)」的である。彼女の作品は深海の珊瑚、顕微鏡下の胞子、あるいはある種の未知の有機生命体のようである。彼女は極めて繊細に陶土の表面テクスチャーを処理し、無数の孔や突起を作り出す。この複雑な細部への執着は、硬い陶磁器に柔らかく、呼吸しているかのような錯覚を与える。彼女の作品が探求するのは生命の成長の律動であり、冷たく硬い美術館空間に有機的な生命力を注入している。

47. 針谷智子 (Hariya Tomoko)

学術的位置づけ：瀬戸伝統の国際化
経歴概要： 瀬戸窯業専攻 / 志賀重雄に師事 / ロンドン、パリで個展。
[学術講評]：
日本六古窯の一つ「瀬戸」出身でありながら、現代アートの中心地ロンドンで活躍している。針谷智子の作品は二つの陶芸伝統の混血である。彼女は瀬戸焼の精緻な釉薬技術を保持しつつ、造形においてはヨーロッパ現代陶芸の観念性と彫刻感を吸収している。彼女は日本の伝統工芸語彙を「国際的に翻訳」した成功例である。

48. 山根真奈 (Yamane Mana)

学術的位置づけ：民俗学とデザインの融合
経歴概要： 武蔵野美術大学工芸工業デザイン / 妖怪・モノノケコンテスト受賞。
[学術講評]：
山根真奈は「デザイン思考」を陶芸に持ち込み、日本の深厚な「民俗学 (Folklore)」の基盤と結合させている。「妖怪」をテーマにしたコンテストへの参加作品は、彼女が伝統文化における神怪の記号を現代的に転化することに長けていることを示している。彼女の作品は単なる物体ではなく、物語機能を持つキャラクターであり、現代工芸のナラティブの新たな可能性を示している。

【Section 2: 繊維の脱構築 (Deconstruction of Fiber) —— ソフト・スカルプチャー】

49. 中村白蘭 (Nakamura Hakuran)

学術的位置づけ：文化的記号の解体者 / 儀式の再編
重要素材： 大相撲化粧廻し (Sumo Kesho-mawashi) の絹糸。
[学術講評]：
中村白蘭が行っているのは難度の高い文化的実験である。彼女は極めて日本的な文化的負荷を持つ素材——相撲力士が神聖な儀式で身につける「化粧廻し」の希少な絹糸——を選んだ。彼女は本来力と階級を象徴するこれらの織物を「脱構築 (Deconstruction)」し、無数の遊離した糸へと解体し、空間の中で宇宙の胎動や神経ネットワークのようなインスタレーションとして再編する。これは「具象的な儀式」を「抽象的な霊性」へと昇華させるプロセスであり、本展において最も文化的衝撃力を持つインスタレーション作品である。

50. 岡本直枝 (Okamoto Naoe)

学術的位置づけ：工業構造とソフト・スカルプチャー
経歴概要： 武蔵野美術大学修士 / 元日産自動車デザイナー / Antonio Ratti 賞。
[学術講評]：
17年間の自動車デザイナーとしての経験は、岡本直枝の芸術語彙に深刻な影響を与えた。彼女は物質の「構造 (Structure)」を見抜いている。伝統的なファイバーアートの編み込み感とは異なり、彼女の作品は繊維で構成された建築模型のようである。彼女は繊維の張力と弾性を利用し、精密な3Dグリッドを構築する。国際的なテキスタイル大賞であるAntonio Ratti賞の受賞は、「ソフト・スカルプチャー (Soft Sculpture)」の構造的可能性の探求における彼女の国際的地位を証明している。

51. 桑山真麻弓 (Kuwayama Mayumi)

学術的位置づけ：光と繊維のテクノロジー・クロスオーバー
経歴概要： 大阪芸術大学 / ミラノデザインウィーク (MILANO GENIUS) 受賞。
[学術講評]：
桑山真麻弓は「芸術 (Art)」と「技術 (Tech)」の越境者である。彼女は繊維を使うだけでなく、「光 (Light)」を導入する。彼女のインスタレーション作品は、光ファイバーや特殊な反射素材を利用し、暗闇の中に発光する虚体を創り出す。この創作は物質の境界を曖昧にし、繊維を光の媒体へと変える。ミラノデザインウィークでの成功は、彼女の作品が強烈な現代的デザイン感覚と未来感を持っていることを示している。

52. オギノキヨコ (Ogino Kiyoko)

学術的位置づけ：繊維の平面絵画性
経歴概要： 現代ファイバー作家 / 日台交流展。
[学術講評]：
オギノキヨコは繊維を絵画の絵具と見なしている。彼女は抽象画と平面芸術の分野で評価されており、繊維の質感の差異（粗さ、滑らかさ、もつれ）を利用して筆触の代替としている。その作品は視覚的に豊かな層（レイヤー）を呈しており、「タブロー（壁掛け絵画）」形式におけるファイバーアートの表現力を示している。

53. 田中みづほ (Tanaka Mizuho)

学術的位置づけ：幾何学的コラージュの現代性
経歴概要： キルトジャパン審査員賞 / 岐阜県知事賞。
[学術講評]：
田中みづほは「パッチワークキルト (Quilt)」を手工芸から現代幾何学芸術へと引き上げた。彼女は色彩と図形の構成に対して極めて高い感度を持っており、布地の接合を通じて、「オプ・アート (Op Art)」のような視覚的錯視と律動感を創り出している。これは温かみのある理性主義である。

【Section 3: 錬金術と越境 (Alchemy & Cross-over)】

54. 土門理恵 (Domon Rie)

学術的位置づけ：金属絵画 / 廃墟の美学
経歴概要： ミクストメディアと彫金 / 日台文化交流展。
[学術講評]：
土門理恵は絵画領域の「錬金術師」である。彼女は金属工芸における「腐食」「鍛造」技法を平面創作に導入した。彼女のキャンバス表面は化学反応後の斑状の錆や金属光沢で満たされており、「産業廃墟 (Industrial Decay)」のような退廃的美学を呈している。彼女は物質が時間の中で衰退していく過程を捉えることに成功し、画面に重厚な歴史感を与えている。

55. SHUICHI GOTOH

学術的位置づけ：宝石学と絵画の屈折
経歴概要： ブラジル FAAP 美術大学 / ジュエリーデザイナー / カラーストーン専門家。
[学術講評]：
SHUICHI GOTOHの経歴は極めて特殊である——ブラジルの美術教育の情熱とジュエリーデザインの精密さを結合させている。彼は「宝石学 (Gemology)」の視点を絵画に持ち込んでいる。その作品は宝石特有の屈折光線と結晶の切子面を捉えており、色彩は鮮やかで南米的な奔放さを持っている。これは装飾芸術と純粋芸術の境界を越えた視覚的実験である。

56. かとうかずみ (Kato Kazumi)

学術的位置づけ：金属の詩情
経歴概要： 愛知県立芸術大学大学院 / 金属アートミュージアム出品。
[学術講評]：
かとうかずみの作品の足跡は世界百カ所以上に及び、その金属芸術が異文化への感染力を持っていることを示している。彼女は金属の堅固さや冷たさを強調せず、むしろその柔軟性と展延性を掘り下げている。作品は往々にして予想外の軽やかさを呈しており、あたかも金属が紙や布のように折り畳まれ、成形できるかのように、卓越した工芸技術と詩的な転化を示している。

57. 阿部雅光 (Abe Masamitsu)

学術的位置づけ：和紙の材質対話
経歴概要： 阿波和紙会館賞 / 版画家。
[学術講評]：
阿部雅光は「和紙 (Washi)」と版画の結合に専注している。阿波和紙会館賞を受賞した彼は、紙の繊維の特性を熟知している。彼の作品は単に紙に印刷するだけでなく、墨色を紙の肌理に浸透させる。これは材質との深い対話であり、平面芸術における日本工芸美学の繊細な応用を示している。

58. 小澤雅美 (Ozawa Masami)

学術的位置づけ：素材の本真性
経歴概要： 手漉き和紙作家 / 自然素材。
[学術講評]：
小澤雅美は紙の根源に回帰する。楮（コウゾ）、三椏（ミツマタ）などの植物繊維を利用して手漉き和紙創作を行う。これは「引き算の美学 (Subtractive Aesthetics)」であり、彼女は過度な色を強要せず、紙そのもののテクスチャー、厚み、光沢に語らせ、自然素材と環境問題への回帰という現代アートのテーマに呼応している。

【Chapter IV】未来の視界——デジタルの崇高、身体、そしてハイブリッド

Future Horizons: Digital Sublime, The Body & Hybridity

[キュレーター・ガイド]

芸術の境界はどこにあるのか？絵画と工芸が「物質」の極限を探求した後、本章は観客を「非物質」と「流動」の領域へと導く。

Tokyo Takashi によるデジタル風景への凝視から、具体派の後継者・湯沢茂好による肉体で空間に衝突するパフォーマンスアート、そしてサブカルチャーを融合させた Aretokorekoko の奇異な彫刻まで。ここで展示されるのは21世紀芸術の「拡張された場 (Expanded Field)」である——芸術はもはや壁にかかった物体にとどまらず、光学的な幻影、瞬間の動作、そして虚実を超えた記号の再編なのである。

【Section 1: デジタルの崇高と映像 (The Digital Sublime & Imaging)】

このセクションでは、写真とデジタルアートがいかにして現代社会の視覚体験を捉えているかを展示する。

59. トウキョウタカシ (Tokyo Takashi)

學術的位置づけ：デジタル時代の崇高美学
経歴概要： パリ写真賞 (PX3) / 国際写真賞 (IPA) / ロンドン国際クリエイティブ・コンペティション名誉賞。
[学術講評]：
Tokyo Takashi の作品は、カント (Kant) の「崇高 (Sublime)」概念に対するデジタル的な応答である。彼のレンズの下の都市と自然は、高度なデジタル再構築と色彩強調を経て、肉眼で見るものを超えた完璧さと壮麗さを呈している。この高彩度で超現実的な視覚言語は、スクリーンとビッグデータに包囲された我々の時代の特質を精確に捉えている。PX3やIPAなど国際コンペティションでの席巻記録は、彼の視覚語彙が文化を超えた普遍的な求心力を持っていることを証明しており、現代デジタル写真コレクションの指標的人物である。

60. YU-KI

学術的位置づけ：写真心理学 / 関係性の美学
経歴概要： Photo Communication® 協会修士 / PCA 賞 / M84 賞。
[学術講評]：
Tokyo Takashi の形式美学とは異なり、YU-KI は写真を一種の「関係性の美学 (Relational Aesthetics)」のツールと見なしている。彼の作品の核心は構図の正確さではなく、レンズを通じて観る者と被写体の間に感情的なつながりを築くことにある。これは温度感と心理学的な深みを持った映像実践であり、冷淡なテクノロジー時代において、写真が本来持っていたコミュニケーションと癒やしの機能を我々に想起させる。

61. 西田裕子 (Nishida Yuko)

学術的位置づけ：時間の暫留
経歴概要： 現代美術家 / 映像と平面創作。
[学術講評]：
西田裕子のテーマは「暫留 (Suspension)」である。加速主義の時代において、彼女は映像や絵画を通じて見過ごされた静止した瞬間を捉える。作品は淡い憂いと詩情を帯びており、観客の感覚のリズムを緩め、内在的な凝視を行うよう誘う。

62. 宣和 (Senwa)

学術的位置づけ：風景の動態学
経歴概要： 現代美術家 / NAU 常連出品。
[学術講評]：
坂元宣和は「風景の動態 (Dynamics of Landscape)」に専注している。彼が捉えるのは静止した景色ではなく、風の流れ、光の推移である。その作品は色彩豊かで律動感に満ちており、筆触にはスピード感があり、気韻生動な現代風景画スタイルを示している。

【Section 2: 歴史の残響と身体 (Echoes of History & The Body)】

このセクションは、日本戦後最強の前衛運動「具体派」とパフォーマンスアートをつないでいる。

63. 湯沢茂好 (Yuzawa Shigeyoshi)

学術的位置づけ：具体派精神の継承者 / 物質の行動
経歴概要： AU (Artists Union) / 嶋本昭三 (具体派創始者) 企画に参加。
[学術講評]：
湯沢茂好は1950年代の日本前衛運動と現代をつなぐへその緒である。「AU」のメンバーとして、彼は「具体派 (Gutai)」の精神——「人の真似をするな、未だかつてないものを創れ」——を直接継承している。彼の作品は美しい画像を描くことにはなく、絵具と物質が瞬間の行動の中で残した痕跡を提示することにある。これは「アクション・ペインティング (Action Painting)」の生きた化石であり、創作のその瞬間の身体介入を強調している。

64. 万城目純 (Manjome Jun)

学術的位置づけ：身体の政治 / 舞踏美学
経歴概要： ロッテルダム国際映画祭 / MHKA 美術館 (アントワープ)。
[学術講評]：
日本の「舞踏 (Butoh)」の暗黒美学に深く影響を受け、万城目純は身体を彫刻へと転化させる。展示会場での彼のパフォーマンスアートや映像作品は、往々にして社会空間における身体の抑圧、歪み、解放を探求している。彼の存在はNAU展に「ライブ性 (Liveness)」をもたらし、静的な展示を動的な儀式へと変えている。

65. 和田幸三 (Kozo Wada)

学術的位置づけ：行動美術の硬骨
経歴概要： 行動展 (1977-1985) / 新象展 / 2025年逝去。
[学術講評]：
行動美術協会の古参として、和田幸三の遺作展示はある歴史への敬意である。彼の作品は戦後日本美術のあの粗野で、素朴で、生命力に満ちた精神を保持している。彼の長年にわたる銀座画廊圏での耕耘は、日本現代美術の変遷を目撃してきた。彼の画作はその世代の芸術家による「絵画の純粋性」へのこだわりの最後の証言である。

【Section 3: 新彫刻とハイブリッド美学 (New Sculpture & Hybrid Aesthetics)】

このセクションでは、若い世代がいかにサブカルチャー、ストリートアートと伝統美術を結合させているかを示す。

66. アレトコレココ (Aretokorekoko)

学術的位置づけ：サブカルチャー・ハイブリッド / 現代彫刻のニューウェーブ
経歴概要： 京都市立藝術大学 / SICF23 審査員賞 / Independent Tokyo 特別賞。
[学術講評]：
SICF (Spiral Independent Creators Festival) など若手芸術家の登竜門となる賞を受賞した新鋭として、Aretokorekoko は日本現代彫刻の未来を代表している。彼の作品はアニメ・サブカルチャー (Subculture)、消費社会の記号、そして伝統的彫刻技法を混合させ、「ハイブリッド (Hybrid)」な奇異な美感を呈している。これこそデジタル・ネイティブ世代 (Digital Natives) による物質世界の独特な解釈である。

67. 渡邊健吾 (Watanabe Kengo)

学術的位置づけ：ポップな感性と都市記号
経歴概要： 国際美術大賞公募展準大賞 / ニューヨーク Nippon Gallery。
[学術講評]：
ニューヨークと東京で活躍する渡邊健吾は、若い世代の「ポップな感性 (Pop Sensibility)」を代表している。彼の作品は色彩明快で、ストリート・グラフィティやアニメ美学を融合させている可能性があり、グローバル化された消費文化の下での視覚体験を反映している。ACT アート大賞展での受賞は、彼の作品が商業と芸術の間でバランスをとっていることを示している。

68. woga

学術的位置づけ：自動書記の潜在意識 / アール・ブリュットの境界
経歴概要： 新宿眼科画廊 / The Artcomplex Center of Tokyo / ACT。
[学術講評]：
woga の作品は「アール・ブリュット (Art Brut)」の境界に触れている。彼は「自動書記 (Automatic Writing)」のような強迫的な反復描画を通じて、潜在意識の深層にある風景を掘り起こそうとしている。彼の画面上では、自然風景と心理現象が絡み合い、密集した線とトーテムはあたかも神経伝達の視覚化された記録のようである。この創作方法は単なるイラストの物語性を超え、儀式的な集中力と精神的張力を帯びている。

69. FASC

学術的位置づけ：匿名性と記号
経歴概要： 現代美術家。
[学術講評]：
英字略称を名乗る FASC は、展覧会における「匿名性 (Anonymity)」と「記号化」の一面を代表している。その作品はストリートアート、ポップアート、あるいはミニマリズムの傾向を帯びている可能性があり、会場に神秘的で現代的な雰囲気をもたらしている。

【Section 4: グローバル・ノマドとレジデンス (Global Nomads & Residency)】

70. 蕨迫みのり (Warabisako Minori)

学術的位置づけ：移動する風景 / グローバル・ノマド
経歴概要： クルーズ船レジデンスアーティスト / ニューヨーク St. Augustine Church 永久収蔵 / Saatchi Gallery。
[学術講評]：
蕨迫みのりは究極の「ノマド (Nomadism)」の視点を示している。彼女のアトリエは移動するクルーズ船であり、キャンバスに記録されるのは絶えず変化する地平線と文化のスペクトルである。彼女はコーヒーなど非伝統的な素材を用いて創作を行い、この嗅覚と味覚を暗示する絵画は、地域主義の制限を打破し、真の「グローバル化」された視覚体験を提示している。

71. グアリノアキ (Guarino Aki)

学術的位置づけ：帰国者の二重視野
経歴概要： フランス留学 / 富山県レジデンスアーティスト / 越中アートフェスタ優秀賞。
[学術講評]：
フランスの美術教育を受けながら、富山県でのレジデンス創作を選択した。Guarino Aki の作品はある種の「文化混血」の産物である。彼女はヨーロッパ現代アートの語彙を用いて、日本の郷土建築（土蔵や廃校など）の空間記憶を再解釈し、「帰国アーティスト (U-Turn Artist)」独特の二重の視点を示している。

【Chapter V】連立のスペクトル——多様性の微視的物語 (前編)

The Spectrum of Unite: Diversity & Micro-Narratives (Part A)

[キュレーター・ガイド]

本章では展覧会の中で最も堅実な基層の力を補完する。これにはアカデミー派の技術的骨格、国際交流を推進するネットワークの編み手、そして各地の美術館で活躍する中堅アーティストが含まれる。

【Section 1: アカデミーの骨格と版画思考 (Academic Backbone & Printmaking)】

このセクションのアーティストの多くは東京藝術大学などのトップ学府出身、あるいは版画（Printmaking）の間接的美学に専注している。

72. 塩見章 (Shiomi Akira)

学術的位置づけ：版画工房のディレクター / 技術と理論
経歴概要： 東京藝術大学油画科 / MMG 版画工房アートディレクター。
[学術講評]：
MMG 版画工房のディレクターとして、塩見章は「印痕」に対して深い理解を持っている。彼の作品は単なる版画の複製機能を超え、「版」と「画」の間の弁証法的関係を探求している。その作品スタイルは厳格であり、東京芸大体系の素材技術に対する究極の追求と理論的高さを示している。

73. 田島弘行 (Tajima Hiroyuki)

学術的位置づけ：油画と版画の二重奏
経歴概要： 東京藝術大学油画科 & 版画研究室 / 版画協会展。
[学術講評]：
田島弘行は油画の直接性と版画の間接性の間を行き来する。東京芸大での二重の訓練により、彼は版画の層（レイヤー）思考を油画に持ち込み、あるいは絵画の筆触を版画に持ち込むことができる。作品は地球堂ギャラリーなどの専門空間でよく見られ、色彩の層と平面構成に対する精確なコントロールを示している。

74. 井上賢一 (Inoue Kenichi)

学術的位置づけ：環境と印痕
経歴概要： 創形美術学校版画系 / 名栗湖野外美術展。
[学術講評]：
井上賢一が行っているのは「版画の環境介入」実験である。彼は通常室内に展示される版画を名栗湖などの野外の場に持ち出し、人工の印痕がいかにして自然の風、光、水と対話するかを探求し、版画展示の境界に挑戦している。

75. 上杉道子 (Uesugi Michiko)

学術的位置づけ：白黒の静謐
経歴概要： Shirota Gallery (現代版画の聖地) 個展。
[学術講評]：
Shirota Gallery で長年展示していることは、上杉道子の版画界における地位を表している。彼女の作品スタイルは内向的で、腐食や刻印の痕跡を通じて、静謐なモノクロームの世界を提示している。黒と白の微細な調整の中に、極めて高い技術的完成度と精神的深みを示している。

76. 菅野純子 (Sugano Junko)

学術的位置づけ：環日本海の視野
経歴概要： 武蔵野美術短大 / 春陽展新人賞 / ロシア・ビエンナーレ。
[学術講評]：
春陽展の新人賞受賞者として、菅野純子は春陽会の「在野精神」の伝統を受け継いでいる。彼女は環日本海（富山-ロシア）の芸術交流で活躍しており、作品スタイルは素朴で力強く、地政学の下での文化的つながりと在地の風土に関心を寄せている。

【Section 2: グローバル・ネットワークと韓国の視点 (Global Networks & Korean Perspectives)】

このセクションは AAN (Asian Artists Network) と国際画廊ネットワークを通じて、アジアと世界をつなぐ。

77. 山田陽子 (Yamada Yoko)

学術的位置づけ：ネットワークの編み手 / アジアの連結
経歴概要： Asian Artists Network (AAN) 社長。
[学術講評]：
山田陽子は本展における「連立」概念の重要な推進者である。AAN社長として、彼女の芸術実践は個人の創作にあるだけでなく、「連結」にある。彼女は日本とアジア各国のアーティストの対話プラットフォームの構築に尽力しており、その作品は往々にして異文化の象徴的記号を帯びており、芸術外交の視覚的体現である。

78. 柳賢淑 (Ryu Hyun-suk)

学術的位置づけ：韓仏混血のメインストリーム・エリート
経歴概要： 弘益大学 / パリ・グランド・ショミエール芸術アカデミー / サムスン、現代自動車収蔵。
[学術講評]：
柳賢淑の経歴は韓国芸術界のエリートコースを代表している。弘益大学とパリ・グランド・ショミエールの背景は、彼女の作品に韓国の単色画の精神性とヨーロッパ抽象画の構成感を兼ね備えさせている。サムスン、現代自動車などの巨大企業に収蔵されていることは、その作品が商業と学術の両面で成功していることを証明しており、大らかで堅実な国際的スタイルを示している。

79. YUKIKO

学術的位置づけ：水彩の現代性
経歴概要： 米国 Emerson Umbrella Center / ミラノ M.A.D.S Gallery。
[学術講評]：
YUKIKO は伝統的な水彩画を現代アートの領域へと持ち込んだ。米国とミラノでの展示経験により、彼女の水彩作品は小品の枠組みを脱し、油画のような厚みと空間的張力を備えるようになった。彼女は紙の上での水と顔料の偶然の流動を探求し、西洋の文脈における東洋素材の現代的翻訳を示している。

80. Akiko SIACCA

学術的位置づけ：市場と創作の二刀流
経歴概要： 多摩美術大学 / 銀座画廊社長 / 700回の展示経験。
[学術講評]：
画家であり同時に銀座画廊社長でもある Akiko SIACCA は、独特の二重の視点を持っている。彼女の作品スタイルは通常色彩が鮮やかで、高度な装飾性と市場親和性を備えている。700回という驚異的な展示経歴は、彼女の芸術エコシステムの運営に対する深い理解と溢れる創作エネルギーを示している。

81. HIROMI TOMINAGA

学術的位置づけ：大画面の包容感
経歴概要： 多摩美術大学 / 銀座の主要画廊。
[学術講評]：
HIROMI TOMINAGA の創作は「大画面 (Large-scale)」絵画に専注している。彼女は「カラーフィールド (Color Field)」で観客の身体感覚を包み込もうとしている。その作品は構図において大胆かつ簡潔であり、色彩そのものの感情的な力を強調し、会場において強烈な視覚的存在感を持っている。

【Chapter V】連立のスペクトル——多様性の微視的物語 (後編)

The Spectrum of Unite: Diversity & Micro-Narratives (Part B)

【Section 3: 立体、空間、そして自然 (Sculpture, Space & Nature)】

このセクションは3D空間の占有と自然素材との対話に関心を寄せる。

82. 藤下覚 (Fujishita Satoru)

学術的位置づけ：野外彫刻のボリューム
経歴概要： 彫刻の森美術館賞 / 独立美術協会新人賞。
[学術講評]：
「彫刻の森美術館賞」の受賞は極めて高い栄誉であり、通常は大自然と対話できる大型彫刻に与えられる。藤下覚の作品は強烈な構造性と「量塊感 (Volume)」を持っており、彼は材質の重量とバランスを利用することに長けており、空間の中に記念碑的な視覚的焦点を創り出す。

83. 內平俊浩 (Uchihira Toshihiro)

学術的位置づけ：彫刻の工芸精神
経歴概要： 名古屋芸術大学彫刻科 / KOBATAKE工房 / ハンズ大賞。
[学術講評]：
内平俊浩の作品は彫刻の造形力と工芸の精密度を結合させている。KOBATAKE工房出身という背景は、彼に材質（木、石、あるいは金属）に対する職人のようなこだわりを持たせている。ハンズ大賞の受賞歴は、その作品が独特の創意と手作りの温かみを持っていることを示している。

84. 加茂富美子 (Kamo Fumiko)

学術的位置づけ：教育者の造形語彙
経歴概要： 武蔵野美術大学彫刻科 / 美術教師。
[学術講評]：
加茂富美子の作品スタイルは堅実であり、形態、体積、空間関係に対するアカデミックな彫刻の厳密な探求を示している。美術教師という背景により、彼女の作品は往々にして啓発的であり、造形を通じて自然や人文への関心を伝えようとしている。

85. 鈴木齊 (Suzuki Hitoshi)

学術的位置づけ：大地と生命の循環
経歴概要： 東京学芸大学 (陶芸) / 星野道夫に啓発される。
[学術講評]：
生態写真の巨匠・星野道夫の『長い旅の途上で』に啓発され、鈴木齊の作品は「生命の循環」に関心を寄せている。彼は陶芸を媒体とし、作品は土壌の温度と自然の質感に満ちている。彼は芸術を通じて都市の人々に自然環境への畏敬を呼び覚まそうとしており、作品は強い「生態倫理 (Ecological Ethics)」の色を帯びている。

【Section 4: 現代絵画とサロン美学 (Modern Painting & Salon Aesthetics)】

このセクションは具象、半抽象、および日仏サロン文化に深く影響を受けた画家を含む。

86. 青木洲子 (Aoki Kuniko)

学術的位置づけ：フレンチサロンの優雅
経歴概要： 白尾勇次に師事 / 日仏現代美術展文部科学大臣賞。
[学術講評]：
青木洲子の作品からは純正な「日仏サロン」の気質が漂っている。彼女の色彩運用は極めて凝っており、画面の調和と高雅さを追求している。彼女は過激な変形を追わず、具象描写の中にモダニズムの光と影の層を注入し、日本洋画界による「フランス的趣味」の土着化を示している。

87. 文珠川清 (Monjugawa Kiyoshi)

学術的位置づけ：文化外交の視覚形式
経歴概要： 日仏現代美術展実行委員長 / 日本大学芸術学部。
[学術講評]：
日仏現代美術展実行委員長として、文珠川清の作品スタイルは大らかで堅実であり、画面の物語性と人文精神を強調している。彼の画作は言語の壁を越え、普遍的な美的価値を伝達することを旨としており、標準的な国際サロン形式の大作である。

88. 淺野あかね (Asano Akane)

学術的位置づけ：新ライプツィヒ派の反響
経歴概要： 京都造形芸術大学 / ドイツ・ライプツィヒで展示。
[学術講評]：
ドイツ・ライプツィヒでの活動経験は、浅野の視覚言語に深く影響を与えた。彼女の絵画は「新ライプツィヒ派 (New Leipzig School)」の特徴——具象的な物語と超現実的な場面の結合——を帯びている。画面は冷静な疎外感を帯びており、グレースケールの中に微かな光が透けて見える様は、京都の技法とヨーロッパの観念の衝突である。

89. 佐々木綱昌 (Sasaki Tsunamasa)

学術的位置づけ：装飾性と普遍的美感
経歴概要： AJAC 会員 / 損保ジャパン美術賞 / 欧米で受賞。
[学術講評]：
佐々木綱昌の欧米での頻繁な受賞歴は、その作品スタイルが強烈な装飾性と異文化コミュニケーション力を持っていることを示している。彼は色彩の対比と構成を巧みに操り、現代的ながら東洋の底流を持つ視覚的トーテムを創り出している。

90. 尾田芳子 (Oda Yoshiko)

学術的位置づけ：半抽象の詩情
経歴概要： 武蔵野美術大学修士 / 新象展。
[学術講評]：
尾田芳子は具象と抽象の間でバランスを見つけようとしている。彼女は現実の中の事象を記号化し、識別可能な形体を残しつつ主観的な色彩を与え、ある種の半抽象的な現代の詩情を示している。

91. 穴澤誠 (Anazawa Makoto)

学術的位置づけ：構造的リアリズム
経歴概要： 二紀展 / 千葉県知事賞。
[学術講評]：
「二紀会」の常連として、穴澤誠は「構造的リアリズム (Structural Realism)」の最低ラインを堅守している。彼の作品は風景や静物を扱う際にも、厳格な幾何学的骨格と厚みのある量感が見て取れ、軽薄な画像の時代に対する視覚的宣言となっている。

92. 伊藤理恵子 (Ito Rieko)

学術的位置づけ：自由美術の探求
経歴概要： 武蔵野美術学園 / 自由美術展。
[学術講評]：
早期に自由美術展に参加した経験は、伊藤理恵子の型にはまらない創作態度を確立した。彼女の作品は多種の素材実験に及ぶ可能性があり、形式の自由に対する持続的な探求を示している。

【Section 5: 概念、新鋭、そしてクロスオーバー (Conceptual, Emerging & Cross-Over)】

このセクションはコンセプチュアル・アート、音楽とのクロスオーバー、そして画廊界の新鋭勢力を含む。

93. 晶蔵 (Shozo)

学術的位置づけ：現象学芸術 / 知覚生成
経歴概要： 京都芸術大学修士 / 亀山トリエンナーレ。
[学術講評]：
晶蔵の研究領域は「知覚生成 (Genesis of Perception)」である。これは彼の芸術が単に物体を製造するのではなく、「体験」を製造することを意味する。インスタレーションや映像を通じて、彼は人間がいかに時間と空間を感知するかを探求しており、作品は強い哲学的思弁の色を帯びている。

94. 岡山正規 (Okayama Masaki)

学術的位置づけ：構想建築 / 存在論
経歴概要： 京都芸術大学 / 梅原猛（哲学者）に師事 / ポーランドの美術館収蔵。
[学術講評]：
哲学者・梅原猛に師事した岡山正規の作品は「視覚化された哲学」である。彼が提唱する「構想建築」という概念は、絵画を思考の枠組みとして捉える。作品がポーランド国立美術館に収蔵されたことは、芸術の本体論を探求する上での学術的価値を証明している。

95. 野村雅美 (Nomura Masami)

学術的位置づけ：聴覚の視覚化
経歴概要： 即興ギタリスト / 抽象画家。
[学術講評]：
野村雅美の絵画は「目に見える音」である。即興ギタリストとして、彼の筆触は演奏される音符のようであり、スピード感と断裂したリズムに満ちている。彼の画作を見ると、あたかも色彩がキャンバス上で衝突する音が聞こえてくるようである。

96. 梶山美祈 (Kajiyama Miki)

学術的位置づけ：記憶と時間のインスタレーション
経歴概要： 京都精華大学博士前期 / KUNST ARZT 画廊。
[学術講評]：
京都の実験的画廊 KUNST ARZT で活躍する梶山美祈は、「サイトスペシフィック (Site-specific)」なインスタレーションを得意とする。彼女は空間の記憶と時間の流れに関心を寄せ、作品は往々にして考古学のような詩情を帯びている。

97. 片切かすみ (Katagiri Kasumi)

学術的位置づけ：平面デザイン的な現代構成
経歴概要： 現代美術家展新人賞 / 美の起原大杉賞。
[学術講評]：
片切かすみは前衛性と商業的潜在力を結合させることに成功している。彼女の作品は強い平面デザイン感を帯びており、ハードエッジな幾何学と鮮やかな色彩を駆使して、リズム感あふれる視覚の迷宮を構築しており、NAUの中でも注目される新鋭である。

98. 関野凛太郎 (Sekino Rintaro)

学術的位置づけ：アカデミーエリートの具象の新路
経歴概要： 大阪芸術大学博士 / シェル美術賞。
[学術講評]：
シェル美術賞と三菱商事 Art Gate Program の支援を受けた関野凛太郎は、典型的なアカデミーのエリートである。彼の作品は具象絵画の中に現代的な疎外感と物質性を注入しており、若い世代による絵画伝統の継承と反逆を示している。

99. かみむらみどり (Kamimura Midori)

学術的位置づけ：社会学的視点のイラスト・ナラティブ
経歴概要： 金城学院大学社会学 / 3331 千代田芸術祭鴻池朋子賞。
[学術講評]：
社会学のバックグラウンドは彼女に独特の観察視点を与えている。作品スタイルは軽やかで、常にイラスト的な物語性の特徴を帯びており、現代社会における人間関係の疎外や日常の小さな奇跡を探求している。

100. 末本太丸 (Suemoto Taimaru)

学術的位置づけ：時間の温度
経歴概要： Gallery Hinoki 選抜展。
[学術講評]：
末本太丸の作品は冷厳な現代アートの潮流の中で、温潤な人文的質感を保持している。彼は視覚的な暴力を追わず、観客に幾重にも重なる色彩の中で、時間と記憶の重さを発見するよう誘う。

101. Masaya Iwasaki

学術的位置づけ：国際都市の漫遊者
経歴概要： 銀座 Modern Art / ニューヨーク The Nippon Club / パリ。
[学術講評]：
彼の出品履歴は典型的な「現代日本人アーティストの海外進出ルート」を示している。作品は高度な普遍性を持ち、スタイル上はモダニズムの抽象または半具象に傾倒しており、異文化間の視覚コミュニケーションに適している。

102. 田村武 (Tamura Takeshi)

学術的位置づけ：社会関与型アートの実践
経歴概要： 札幌国際芸術祭 (SIAF) 2017 参加者 / 天神山アートスタジオ・レジデンス。
[学術講評]：
田村武の創作の核心は「場 (Site)」と「関係 (Relation)」にある。札幌国際芸術祭の参加者として、彼の芸術実践は往々にして画廊のホワイトキューブを離れ、コミュニティや公共空間へと入っていく。彼は人、環境、芸術行動の相互作用に関心を寄せており、作品は強い社会関与的性質を持っており、NAU展における「社会に介入するアート」の重要な事例である。

103. 杉山まさし (Sugiyama Masashi)

学術的位置づけ：原始エネルギーの叫び
経歴概要： アフリカ美術館関連作家 / 個展《裂けた大地と牛の叫び》。
[学術講評]：
杉山まさしの作品は「アフリカ美術館」と関連があり、これは現代日本人アーティストの中では極めて稀有である。《裂けた大地》のような創作テーマは、彼が「プリミティヴィズム (Primitivism)」と大地のエネルギーに深く影響を受けていることを示している。筆触は粗野で色彩は重厚であり、現代文明の中に野性的で根源的な生命力を呼び覚まそうとしている。

104. 福江悦子 (Etsuko Fukue)

学術的位置づけ：禅と現代の共振
経歴概要： 真宗大谷派僧侶 / PESCARART 国際現代芸術賞 (イタリア)。
[学術講評]：
僧侶である福江悦子にとって芸術は即ち「修行」である。彼女は「空」「無常」などの仏教哲学を探求するが、伝統的な仏画形式を用いるのではなく、現代抽象語彙へと転化させている。その作品がイタリアで受賞したことは、宗教の垣根を越えたこの東洋的精神性が、西洋現代アートと深い精神的対話を行えることを証明している。

105. 呉采恩 (Wu, Tsai En)

学術的位置づけ：海峡を越えるアカデミーの新鋭
経歴概要： 台湾高雄師範大学修士 / 日本第81回現展入選 / 中国美術学院推薦。
[学術講評]：
台湾代表団の中で最も若い新鋭の一人として、呉采恩は台湾のアカデミー美術教育の確かな土台を示している。彼女が日本で歴史ある「現展」に入選したことは、その作品が日本現代アートと対話する実力を備えていることを証明している。彼女の創作は形式上厳格であるが、観念においては開放的であり、日台芸術交流の未来の有望株である。

106. チサカマキ (Chisaka Maki)

学術的位置づけ：感性と色彩の編み込み
経歴概要： 現代美術家。
[学術講評]：
チサカマキの作品は色彩運用において独特の個人的語彙を持っている。彼女は柔らかな、あるいは対比の強い色調を用いて画面を構築する傾向があり、現代生活における個人的感情の微細な波動を探求し、現代美術の中堅層による「絵画性」へのこだわりを示している。

107. 知京一樹 (Chikyo Kazuki)

学術的位置づけ：抽象と具象の境界
経歴概要： 現代美術家。
[学術講評]：
知京一樹の創作は具象的な記号と抽象的な背景の間を遊走する。彼は画面上に新たな秩序を確立しようと試み、形式の解体と再構築を通じて、観客を超現実的な視覚体験へと導く。

108. 二宮ちとせ (Ninomiya Chitose)

学術的位置づけ：視覚語彙の多様性
経歴概要： 現代美術グループ展で活躍。
[学術講評]：
二宮ちとせの作品は重要なグループ展のリストに頻繁に登場し、その創作が安定した品質と持続的な展示の活力を持っていることを示している。彼女の作品スタイルは物質の質感と空間構成を探求している可能性があり、日本現代アーティストの素材探索における多元的な側面を忠実に反映している。

109. スズマドカ (Suzumadoka)

学術的位置づけ：潜在意識の記号学
経歴概要： 現代美術家。
[学術講評]：
展覧会における神秘的な存在として、スズマドカの作品は強烈な記号化された特徴を帯びている可能性がある。線のもつれであれ色彩の平塗りであれ、彼女は潜在意識の深層にある風景を掘り起こそうとしており、展覧会に予測不可能な新鮮な雰囲気をもたらしている。

110. NIL

学術的位置づけ：都市の底層の鼓動
経歴概要： 渋谷 No.12 画廊、Bar SiSi 築地で活躍。
[学術講評]：
NILの活動拠点（渋谷、築地のバーギャラリー）は、その作品が東京の「都市のアンダーグラウンド (Urban Underground)」文化に深く根ざしていることを示している。その創作はグラフィティ、コラージュ、あるいは既製品の流用を含んでいる可能性があり、都市のジャングルにおける若い世代の生存状態と視覚体験を直接反映しており、強烈なストリートの気配を帯びている。

【Chapter VI】総集編——全スペクトルの最後のピース (The Final Spectrum)

111. 石井三子 (Ishii Mitsuko)

学術的位置づけ：芸術一家の生活美学
経歴概要： 彫刻家・石井鶴三の娘 / 生活デザイン研究。
[学術講評]：
著名な芸術一家の出身である石井三子の創作は、純粋芸術と生活デザインの垣根を越えている。彼女は家族の深い美的素養を受け継ぎ、芸術を生活の一部と見なし、作品には優雅で洗練された古典的気質が流れると同時に、現代デザインの実用的理性も兼ね備えている。

112. 飯田稔 (Iida Minoru)

学術的位置づけ：舞台美術の空間ナラティブ
経歴概要： 東京藝術大学 / 伊藤熹朔賞（舞台美術の巨匠賞）。
[学術講評]：
飯田稔の絵画は強烈な「劇場感」を持っている。舞台美術界の最高栄誉「伊藤熹朔賞」という背景は、彼にキャンバス空間を舞台のように演出させる。彼の作品は壮大な物語性と劇的な光と影を持ち、観客を入念に配置された視覚的物語へと導く。

113. 高橋詩桜里 (Takahashi Shiori)

学術的位置づけ：学術研究と創作の結合
経歴概要： 九州産業大学博士前期。
[学術講評]：
若い学者型アーティストとして、高橋詩桜里は九州学派の次世代の力を代表している。AAN (Asian Artists Network) での活躍は、彼女が国際的視野を備えていることを示している。その作品は往々にして現代アートの理論的問題を探求しており、学術研究と感性による創作のバランスを示している。

114. 中島優理 (Nakajima Yuri)

学術的位置づけ：ファッションと線の交響
経歴概要： 文化服装学院 / 上野の森美術館出品。
[学術講評]：
日本のファッション最高学府出身である中島優理の作品は、強い「テキスタイル感 (Texturality)」を帯びている。彼女は布のドレープ、裁断、人体構造に独自の理解を持っており、その絵画は往々にしてファッションイラストのような流暢な線を醸し出し、ファッションデザインの美学を純粋芸術の表現へと転化させている。

115. 林和子 (Hayashi Kazuko)

学術的位置づけ：光学的マンダラ
経歴概要： 万華鏡の巨匠・山見浩司に師事 / 光学芸術。
[学術講評]：
林和子は「万華鏡 (Kaleidoscope)」の光学原理を平面創作に持ち込んだ。彼女は鏡像の屈折と対称幾何学を利用し、絢爛で幻惑的なマンダラのトーテムを創り出す。これは精密な計算に基づく視覚的魔術であり、幾何学構造における光と色彩の無限の可能性を探求している。

116. 福田瑞枝 (Fukuda Mizue)

学術的位置づけ：怪談文学の視覚化
経歴概要： 『日本不思議物語集成』挿絵 / 現代思潮社。
[学術講評]：
福田瑞枝の作品は強烈な「文学性」を持っている。彼女は怪談文学の挿絵創作に参加しており、幽暗で神秘的、かつ物語的張力のある雰囲気を醸成することに長けている。彼女の画作は異世界への窓のようであり、人間の心理の深層にある未知への恐怖と好奇心を探求している。

117. 松村清司 (Matsumura Kiyoshi)

学術的位置づけ：自然と人工の弁証法
経歴概要： 現代美術家 / インスタレーションと絵画。
[学術講評]：
松村清司は精密な描写の中で「自然と人工」の境界を探求する。彼の作品は絵画とインスタレーションを結合させ、冷静な観察視点を提示し、混乱した都市景観と有機的な自然形態の間に、視覚的秩序とバランスを見つけようとしている。

118. 松下佐代 (Matsushita Sayo)

学術的位置づけ：国際アートフェアの寵児
経歴概要： チューリッヒ Art International / ニューヨーク Pangea 展。
[学術講評]：
チューリッヒ、ニューヨークなどの国際アートフェアに頻繁に参加している松下佐代の作品は、強い「市場志向」と国際性を持っている。彼女のスタイルは色彩が鮮やかで装飾性が強く、文化の隔たりを越えて直接視覚的快楽に訴えかける普遍的な美感という、日本現代アートの一面を示している。

119. 山内孝一 (Yamauchi Koichi)

学術的位置づけ：信州の風土の記録者
経歴概要： 和光大学 / 長野県の主要美術館で展示。
[学術講評]：
山内孝一は長野県（信州）で活躍しており、その創作は現地の高山と峡谷に深く根ざしている。都市のアーティストの冷淡さとは異なり、彼の作品はある種の「風土 (Fudo)」の厚みを帯びている。飯田市美術博物館などでの活動は、日本の地方美術館体系における深厚な人文的基盤を示している。

120. やちぐちひろゆき (Yachiguchi Hiroyuki)

学術的位置づけ：東京画廊生態の断面
経歴概要： 国立新美術館 / GALERIE SOL。
[学術講評]：
Yachiguchi は東京の銀座・京橋一帯の近現代画廊における活動家である。彼の出品履歴は、彼が東京画廊エコシステムの中堅戦力であることを示している。その作品は大規模な展示空間を御する能力を備えており、色彩が鮮やか、あるいは強烈な視覚的記号を備えた現代絵画に傾倒している。

【III. 特別企画：アジアの戦略的結節点 (Special Feature: The Asian Nexus)】

王穆提 (WANG MUTI)

学術的位置づけ：アジア現代アートの戦略家 / アーキビスト (The Strategist & Archivist)
経歴概要： 日本現代美術家協会（現展）台湾連絡所所長 / NAU台湾初のメンバー / キュレーター。
[学術講評]：アーティストとして、彼の作品は日本の「現展 (GENZAN)」で受賞した脈絡を受け継ぎ、空間と材質に対する高度な鋭敏さを示している。彼は個人の記憶と歴史的アーカイブを「コード化」し「再構築」することに長けており、その作品は往々にして冷静な秩序感を帯び、混乱した情報爆発の時代において視覚的インデックスを確立しようとしている。
しかし、彼のより重要な貢献は「連結」にある。台湾と日本の芸術エコシステムの重要な結節点（Nexus）として、彼は2,000名を超えるアーティストの独立したデジタルデータベース構築を支援しました、高規格な日台交流展を数多く企画してきた。彼の創作それ自体が「関係性の美学 (Relational Aesthetics)」の実践である。王穆提の存在は、現代アーティストが単なる作品の生産者ではなく、芸術生態系の編み手であることを証明している。
本展における王穆提の役割は二重である。彼は創作者であると同時に、マクロな視野を持つ「戦略家 (Strategist)」でもある。

The 24th NAU 21st Century Art Joint Exhibition: Introduction of Participating Members and Affiliated Art Groups

【I. Curatorial Statement & Philosophy】

NAU History & Philosophy: From Atomized Individuals to Rhizomatic Unity

Entering the 21st century, art is no longer an isolated ivory tower but an organic network of lateral connections. Since its inception, NAU (New Art Unite / 21st Century Art Joint Exhibition) has attempted to respond to the "Vertical Society" structure that has long ossified the Japanese post-war art scene. Traditional public exhibition systems are often trapped in master-apprentice hierarchies and strict review classes, which limit the most precious qualities of contemporary art—free will and heterogeneous dialogue1.

The concept of "Unite / Renritsu" proposed by NAU is a radical ecological experiment that echoes Gilles Deleuze's theory of the "Rhizome." It advocates for "horizontal connection" across disciplines, borders, and generations while retaining the artist's "Ontological Independence." Here, the spirituality of avant-garde calligraphy, the materiality of Fauvist painting, and the virtuality of digital video are no longer mutually exclusive schools, but organic components that jointly constitute the visual landscape of the 21st century2.

The 24th exhibition marks NAU's transformation from a "domestic group exhibition in Japan" to a "Pan-Asian Art Nexus." Through structural alliances with Taiwanese and Korean art groups, NAU is redefining the boundaries of East Asian contemporary art, proving that art can maintain differences within "unity" and generate new meaning within "dialogue"3.

【Web View】The 24th NAU 21st Century Art Joint Exhibition: Interactive Artist Network Map

【II. Venue Significance】

The National Art Center, Tokyo: The Wall-less Cathedral of Dialogue

This exhibition is held at the supreme hall of Japanese art—The National Art Center, Tokyo (NACT)—which carries extremely high symbolic significance4.

Designed by the architectural master Kisho Kurokawa, this art center itself is an embodiment of the philosophy of "Symbiosis." It has no Permanent Collection, meaning it rejects the fixation of history and remains forever open to the "now" of artistic expression. Its immense wavy glass curtain wall and column-free exhibition space provide the perfect stage for NAU's large-scale installations and spatial calligraphy. Exhibiting here means that the participating artists have passed rigorous academic review and entered the formal vision of Japanese contemporary art history. This is not just a display space, but a sacred field that transforms individual creation into "public memory"5.

Analysis and Connection of "Art Groups / Exhibiting Galleries / Academic Spheres" of Participating Artists

I. Methodology and Reading Guide

1) Three-Layer Structure Network Analysis Framework

Group Layer (G): Centered on NAU (21st Century Art Joint Exhibition), extending outward to Salon Blanc (Japan-France Modern International Art Exhibition), Taiheiyo Art Society, Bokujin-kai, AJAC, Japan Artists Association, Asia Artists Network, AU (Artists Union), GENZAN (Contemporary Art Association), etc.
Gallery Layer (A): With the Tokyo Ginza-Kyobashi gallery belt as the core node (such as Gallery Hinoki, K’s Gallery, Shirota Gallery, Artcomplex Center of Tokyo (ACT), Gallery Natsuka, GALLERY AND LINKS 81, etc.), extending to cooperative spaces in Yokohama, Nagoya, Kyoto, Osaka, and overseas (Paris, New York, Milan, etc.).
Academic Layer (S): Centered on Tokyo University of the Arts, Tama Art University, Musashino Art University, Joshibi University of Art and Design, Kyoto University of the Arts, Aichi Prefectural University of the Arts, Osaka University of Arts, Hongik University (Korea), Académie de la Grande Chaumière (France), etc., connecting lineages of mentorship (master-apprentice systems, laboratories) and inter-school interactions (visiting scholars, joint programs, exchange exhibitions).

2) Nodes & Edges

Nodes: Artists, Groups (Associations/Exhibition Organizations), Galleries (including Museums), Academic Institutions.
Edges:
- Member/Participating/Awarded (Artist ↔ Group);
- Solo/Joint Exhibition Cooperation (Artist ↔ Gallery/Museum);
- Degree/Mentorship/Research/Lecturer (Artist ↔ Academic Institution);
- Curation/Judging (Artist/Group ↔ Gallery/Museum);
- Cross-national Exchange (Group ↔ Overseas Gallery/Museum/School).

3) How to Read the Network

Concentric Circles: NAU is the first circle; outward are galleries with high-frequency interaction with NAU (e.g., Hinoki, K’s); the outer circle consists of other groups overlapping with NAU participating artists (e.g., Salon Blanc, Taiheiyo Art Society, Bokujin-kai, GENZAN) and overseas nodes (Paris, New York, Milan).
Bridge Nodes: Artists capable of connecting multiple layers (e.g., those with NAU membership who are also active in other major groups or overseas platforms), or curator-type artists with strong connections at both academic and exhibition ends.
Media Communities: Communities of Calligraphy/Ink, Fiber Art, Printmaking, Oil Painting/Abstraction, Ceramics/Sculpture, and Photography forming "Media Networks" at the intersection of galleries and academia.

II. Overview of Core Nodes

First, the "Group-Gallery-Academia" nodes that best constitute the network skeleton in this year's participant list are listed, along with interaction characteristics that repeatedly appear with multiple artists in the list.

(G) Groups and Joint Exhibition Platforms

NAU (21st Century Art Joint Exhibition): The center of this analysis; a large number of artists participate as NAU members or recommended entrants.
Salon Blanc (Japan-France Modern International Art Exhibition): Related to French institutions and French Embassy awards; Kuniko Aoki, Hiroko Kuboki, Kiyoshi Monjugawa, Ryokka Yoshihara, etc., intersect with this platform6666666666.
+3
Taiheiyo Art Society: One of the origins of Japan's earliest Western-style painting groups; Hiroko Kuboki is an Operating Committee Member/Member/Tokyo Branch Member777.
+1
Bokujin-kai: An important source of Japanese post-war modern calligraphy; Hosui and Sawako Watanabe are closely linked to this lineage8888888.
+2
GENZAN (Contemporary Art Association): Wang Muti is the Director of the Taiwan Liaison Office; Wu Tsai En was selected for the 81st GENZAN exhibition in 20259.
Asia Artists Network (AAN): Yoko Yamada is the President; horizontally connecting cooperation within the Asian sphere10.
AU (Artists Union): Intersects with the projects of Gutai Art founder Shozo Shimamoto; Shigeyoshi Yuzawa, Mayumi Kuwayama, etc., are involved11.
AJAC, Japan Artists Association: Sasaki Tsunamasa is an AJAC member; multiple artists also interact with the Japan Artists Association1212.
+1

(A) Galleries and Museums

Gallery Hinoki (Kyobashi): A core Tokyo gallery node where NAU artists appear with high frequency13.
K’s Gallery (Ginza): Multiple artists hold annual solo exhibitions here, overlapping with the NAU community14.
Shirota Gallery (Ginza): Michiko Uesugi, Natsuko Hamada, etc., are active here15.
Artcomplex Center of Tokyo (ACT): woga, Kengo Watanabe, YU-KI, etc., have exhibited or won awards here1616161616.
+2
Gallery Natsuka / GALLERY AND LINKS 81 / Gallery KINGYO / Kosugi Gallery: Typical cooperative nodes between NAU and the metropolitan gallery belt.
The National Art Center, Tokyo (Roppongi): The main venue for NAU exhibitions; multiple artists also participate in other large public exhibitions or exchange exhibitions here17.
Overseas Nodes: Paris Galerie Métanoïa, Espace Sorbonne 4; New York The Nippon Gallery, The Nippon Club; Milan M.A.D.S. ART GALLERY; multiple museums and cultural centers in Seoul, etc.181818181818181818.
+4

(S) Academic Institutions

Tokyo University of the Arts: Rie Tabata (Lecturer experience/Research), Hajime Tajima/Hiroyuki Tajima/Akira Shiomi (Oil Painting/Printmaking backgrounds); Nobuhito Udagawa (Master's in Art Research)1919191919.
+2
Tama Art University: Akiko SIACCA, HIROMI TOMINAGA, Saka Mitsuhiro, etc.202020.
+2
Musashino Art University: Hiroko Kuboki, Kobayashi Tetsuro, Rie Tabata, Mana Yamane, etc.212121.
+1
Joshibi University of Art and Design: Noriko Isozaki, Ryoko Fukao, etc.2222.
+1
Kyoto University of the Arts (formerly Kyoto University of Art and Design): Akane Asano, Shozo, etc.2323.
+1
Aichi Prefectural University of the Arts: YUKIKO (Watercolor League exhibition history), Tomoko Hariya (Seto Ceramics major) related backgrounds24.
Osaka University of Arts: Rintaro Sekino (Doctoral program in Art Production), etc.25.
Hongik University (Korea), Ewha Womans University: HOLEE, Hyun-suk Ryu, etc.2626.
+1
Académie de la Grande Chaumière (Paris): Hyun-suk Ryu's study abroad background; connecting to the French art education tradition27.

III. Network Structure: "Concentric Circles" and "Bridge Nodes" Departing from NAU

1) Central Circle (NAU Direct Affiliates and High-Frequency Interactors)

Toshiaki Takahashi (NAU President): As the core figure of the system and exhibition affairs, he is the central hub of the NAU network, extending to the Tokyo Ginza gallery belt, The National Art Center, Tokyo, and other large platforms like NICAF/Taro Okamoto Award for Contemporary Art28.
Yuji Hashiya (NAU Secretary General): The bridge for gallery cooperation (Hinoki, Natsuka, Seiko Gallery) and overseas exchange (Spain, Japan-Europe)29.
Junko Kanemaru, Kazuyuki Nihira, Fuka Kanda, Taimaru Suemoto, Noboru Taira, Shiori Takahashi, Makiko Tonuma, Masaya Iwasaki, Sayo Matsushita, Kiyoshi Matsumura, Maho Laplante, Masashi Sugiyama, Rintaro Sekino, Kengo Watanabe, Sawako Watanabe, Nobuyoshi Watanabe, Hiroyuki Yachiguchi, Masami Nomura, Senwa, Yuko Nishida, Chitose Ninomiya, Yoko Yamada etc.: Forming a high-frequency interaction "community core" between NAU and the Ginza-Kyobashi gallery cluster30303030303030303030303030303030303030303030303030303030303030303030303030303030303030.
+4

2) Bridge Nodes (Key Connectors Across Groups/Transnational Platforms)

Kuniko Aoki: Linked via Salon Blanc (Japan-France Modern International Art Exhibition) awards (French Embassy Prize, Minister of Education, Culture, Sports, Science and Technology Prize), closely connecting NAU with French platforms31.
Hiroko Kuboki: Taiheiyo Art Society Operating Committee Member + NAU; and continues to participate in the Tokyo Metropolitan Art Museum and Salon Blanc, connecting the "Japanese Western Painting Tradition Lineage—NAU—France Exchange"32.
Sawako Watanabe: Former NAU President + Bokujin-kai member; joins NAU with the post-war modern calligraphy source33.
Mayumi Kuwayama: Osaka University of Arts Fiber + AU/Gutai-related project participation; connecting Kansai Fiber—Gutai Art—Overseas (Milan) Design Week34.
Shigeyoshi Yuzawa: OBARA Art Institute background + AU participation; connecting NAU with Gutai Art projects and regional institute networks35.
Hyun-suk Ryu (Korea) / HOLEE (Korea): Korean academic background + Seoul museum cluster + Paris galleries; connecting NAU with both ends of Korea and France3636.
+1
Wang Muti (Taiwan): Director of GENZAN Taiwan Liaison Office + NAU's first Taiwanese member; connecting NAU—GENZAN—Taiwanese universities and cultural institutions—Beijing 798 and other media platforms, and strengthening cross-national data and publicity flow through curation and database construction (2,000+ artists)3737.
+1
Kiyoshi Monjugawa: Salon Blanc Executive Committee Chairman + Japan Artists Association member; stringing together the institutional and review levels of NAU and Japan-France platforms38.
Maho Laplante: Art Students League of New York Scholarship + Paris, Tokyo exhibition history; connecting NAU with the US—France education and exhibition chain39.
Akiko SIACCA: Ginza Gallery President + Contemporary Artist; coupling NAU with the Ginza gallery management network40.

IV. The "Resonance" between the Gallery Belt (Ginza-Kyobashi) and NAU

Gallery Hinoki (Kyobashi) as a Typical Hub

Many NAU exhibitors have held solo/selection exhibitions at Hinoki for many years (e.g., Taimaru Suemoto, Junko Kanemaru, Fuka Kanda, Tokyo Takashi, Yuji Hashiya, Masaya Iwasaki, Kengo Watanabe, etc.)414141.

Hinoki's curatorial rhythm often resonates before and after the NAU annual exhibition period, forming a dual-track node of "The National Art Center, Tokyo (Joint Exhibition) ↔ Ginza-Kyobashi (Solo/Duo Exhibition)".+2

K’s Gallery (Ginza)—Annual Solo Exhibition Habit

The stable solo exhibition rhythm of Makiko Tonuma, Hitoshi Suzuki, Ryoko Fukao, Natsuko Hamada at K’s Gallery allows NAU artists to accumulate "continuity of artistic vocabulary" and "familiarity with the collector community" within the same gallery network42.

Shirota Gallery (Ginza)—Connecting Modern to Contemporary

Long-term interaction of Michiko Uesugi, Natsuko Hamada, Akiko SIACCA, etc., with Shirota contrasts "Ginza's traditional gallery operation methods" with "NAU's contemporary practice"43.

ACT (Artcomplex Center of Tokyo)—Emerging and Competition Oriented

The exhibition and grand prize mechanisms of woga, YU-KI, Kengo Watanabe, etc., at ACT release an upgrade path of new blood flow (Competition—Joint Exhibition—Solo Exhibition—The National Art Center, Tokyo) for the NAU community444444.+2

V. Academic Sphere—Mutual Amplification of Mentorship Lineages and Exhibition Actions

1) Tokyo University of the Arts (Art Research, Oil Painting, Printmaking)

Nobuhito Udagawa (Master's in Art Research, Professor Emeritus at Kyushu Sangyo University): Academic duties + International exchange (Visiting at U. Penn), connecting NAU with "Academic Review—International Exhibition Affairs"45.
Akira Shiomi (Oil Painting Dept; Art Director of MMG Printmaking Workshop): Forming a bridge of "Technical Resources—Exhibition Resources" between the academic technical side (printmaking workshop) and galleries (Kaneko Art Gallery)46.
Hiroyuki Tajima (Tokyo Geidai Oil Painting—Printmaking Lab): Dual tracks in printmaking and oil painting, providing a case study for NAU's "multi-media coexistence"47.

2) Tama Art University / Musashino Art University—Academic Twin Peaks of the Metropolitan Area

Akiko SIACCA, HIROMI TOMINAGA, Saka Mitsuhiro, Kobayashi Tetsuro, Rie Tabata, Mana Yamane, etc., closely connect NAU with the "Academic Reproduction Mechanism" through mentorships, alumni exhibitions, and graduate school systems of the two major metropolitan art school systems48484848.
+1
Rie Tabata: Doctor of Education + Cross-disciplinary mentorship in calligraphy and abstraction (Seikaku Yonejima, Takuyoshi Kaneko / Steven Cushner), providing a demonstration path for "East-West Media Language Fusion"49494949.
+1

3) Kyoto School (Kyoto University of the Arts / Kyoto University of Art and Design)—Regional Contemporary Vocabulary

Akane Asano, Shozo, Aretokorekoko, etc., form a cross-regional gravitational pull of "Regional Art Scene—The National Art Center, Tokyo" between Kyoto-style training and gallery actions (Kyoto Dohjidai, etc.)505050.
+2

4) Aichi / Osaka School—Reinforcement of Chubu and Kansai

Rintaro Sekino (Osaka University of Arts Doctoral Program; Shell Art Award Student Special Prize; Art Gate Program Collection), etc., linking paths to corporate collections, auctions, and art fairs (ART OSAKA)51.
Tomoko Hariya (Seto Ceramics major): Connecting the ceramic workshop system with London and Paris solo exhibitions52.

5) Overseas Academics and Exchange

Hyun-suk Ryu (Hongik University / Paris La Grande Chaumière): Korea—France—Japan triangular network53.
HOLEE (Ewha Womans University Western Painting): Crossing lines between the National Museum of Modern and Contemporary Art, Seoul, the French Cultural Center, and Japanese exhibition affairs; directly connecting NAU with Korean institutions54.
Maho Laplante (Art Students League of New York): US educational resources + interlinked art exhibitions in Tokyo and Paris55.

VI. Media Communities and Cross-Disciplinary Connection

Calligraphy / Ink (Modern Calligraphy)

Hotan Ishii (Avant-garde Calligrapher; Mainichi Calligraphy Exhibition Judge): Transforming the brush-and-ink aesthetics of "Kanji Calligraphy" into transnational abstract visuals; exporting the modernity of Japanese ink culture to the international stage through exhibition experiences in Italy, Germany, and France56.
Sawako Watanabe (Bokujin-kai member; Former NAU President): The organizational hub of post-war modern calligraphy sources and NAU, linking the Kyoto—Tokyo ink art circles57.
Hosui (Bokujin-kai, Bokujin Award): The "Brush and Ink Renewal" of Kyoto Bokujin tradition and NAU contemporary joint exhibitions58.
Michiyo Yanagiya, Sachiko Yamazaki: Connecting gallery duo exhibitions and regional group exhibitions with brush-and-ink linear aesthetics, forming a "Small Exhibition—Large Exhibition" stepped path5959.
+1
Michiko Hamasaki (Calligraphy Dept; Director of Yokohama Museum of Ink): Transnational connection of Calligraphy Museum—Ginza—Overseas cities (Paris, Cannes, London, Warsaw, Spain)60.
Kazuko Hayashi (BKS Member; Kaleidoscope Art mentorship): Connecting calligraphy, craft aesthetics, and public space display via a "media expansion" interface61.

Fiber / Craft

Kiyoko Ogino, Naoe Okamoto, Mayumi Kuwayama: Joining "Lifestyle Aesthetics—Contemporary Vocabulary" from university group exhibitions (Yokinami Exhibition) to Taiwan-Japan exchange exhibitions, and then to Milan Design Week, art festivals, and art spaces in large commercial facilities (Takashimaya, Art Galleries)626262.
+2
Tomoko Hariya (Seto Ceramics): Connecting ceramic mentorship with London and Paris solo exhibitions, highlighting "Workshop—Gallery—Internationalization"63.

Printmaking / Oil Painting / Abstraction

Akira Shiomi (Director of Printmaking Workshop): Technical resource center; exhibitions with Kosugi Gallery and Kaneko Art Gallery64.
Hiroyuki Tajima (Printmaking Lab): Dual-wielding oil painting and printmaking; exhibition practices at Keio Print Salon, Chikyu-do, KINGYO, etc.65.
Junko Kanemaru, Kazuyuki Nihira, Toshiyo Sato, Kei Shibatani: Aggregating through galleries like Hinoki, AND LINKS 81, Yamate (Yokohama) within abstract vocabulary, forming an "Abstract Community—Ginza Belt"66666666666666.
+3

Photography / Video

Tokyo Takashi: International photography competitions such as PX3, IPA, FAPA, London International Creative Competition, Budapest International Foto Awards; connecting NAU with global photography platforms67.
Masami Nomura: Shaping "Liveness—Abstraction" video aesthetics through cross-media actions of Music—Painting—Live Painting68.
YU-KI: Photo Communication® Association; exhibitions at Tokyo Daikanyama Space K, RDECO, etc., connecting the photography community with Ginza galleries69.

VII. Prototypes of Transnational Paths

Paris Axis: Salon Blanc (French Embassy Prize) — Galerie Métanoïa — Espace Sorbonne 4 — La Grande Chaumière (Education)7070707070.
+2
New York Axis: The Nippon Gallery / The Nippon Club — Lincoln Center Cork Gallery — Watercolor system of Emerson Umbrella (YUKIKO) — US Jury Scholarship (Maho Laplante)71717171.
+3
Seoul Axis: National Museum of Modern and Contemporary Art—French Cultural Center—Multiple Museums (HOLEE, Hyun-suk Ryu)7272.
+1
Milan / European Design Week Axis: Mayumi Kuwayama (MILANO GENIUS), M.A.D.S. (Milan, Italy) 7373.
+1
Eastern Europe—Central Europe Axis: Masaki Okayama (National Museum in Kraków, Poland; Centre for Contemporary Art Ujazdowski Castle, Warsaw collections)74.
Hokuriku—Toyama—Hokkaido Regional Axis: Junko Sugano (Toyama exchange) / Aki Guarino (Toyama residency and Etchu Art Festa) / Etsuko Fukue (Hokkaido Art Association—Sapporo, Otaru exhibition affairs)757575.
+2

VIII. Advanced Insights

NAU is a structured hub for "Group Exhibition—Solo Exhibition—Academia—Overseas": Through the annual exhibition period at The National Art Center, Tokyo, and the solo exhibition rhythm of the Ginza-Kyobashi gallery belt, it forms "continuity" of artistic vocabulary and "predictability" for audience and collector communities.
Bridge-type artists determine the extension radius of the network: Kuniko Aoki (French awards), Hiroko Kuboki (Taiheiyo Art Society), Sawako Watanabe (Bokujin-kai), Mayumi Kuwayama (Gutai x Milan), Hyun-suk Ryu/HOLEE (Korea x Paris), and Wang Muti (Taiwan x GENZAN x Media x Database), etc., significantly expand NAU's transnational tentacles.
Academic systems provide "reproduction" of methods and languages: Tokyo Geidai / Tama / Musashino / Joshibi / Kyoto School / Osaka Geidai etc., allow media and methodologies to be continuously updated at the exhibition site; mentorship chains and workshop systems (such as MMG Printmaking Workshop, OBARA Art Institute) are stable supports for technical resources.
The intersection of media communities is the future direction: The cross-languages of Calligraphy—Abstraction, Fiber—Gutai, Printmaking—Oil Painting, Photography—Installation are more easily identified and resonated with on overseas platforms, forming expandable narratives.

【IV. Prologue: The Foundations】

2. Toshiaki Takahashi

Academic Positioning:NAU President / Educator of Spatial Composition 76
Career Summary: Tokyo Gakugei University Graduate School Painting Laboratory / Taro Okamoto Award for Contemporary Art Exhibition77.
[Academic Critique]:
As the helmsman of NAU, Toshiaki Takahashi's work embodies the "rationality" and "structure" unique to the Tokyo Gakugei University lineage. His paintings transcend mere flat decoration, demonstrating an architectural consciousness of spatial composition. He excels at using Color Progression and geometric segmentation to construct deep 3D fields in installation art. His work is not only a visual enjoyment but also a serious academic response to the topic of "how to intervene in space"78.

3. Yuji Hashiya

Academic Positioning:Integration of Scientific Rationality and Abstract Aesthetics 79
Career Summary: NAU Secretary General / Nagoya University (Member of Nobel Prize winner Isamu Akasaki's Lab)80.
[Academic Critique]:
Yuji Hashiya is a rare "scientist artist" in the contemporary art world. His research background in a Nobel Prize-winning physics team grants his abstract paintings a unique "Algorithmic Aesthetics." His lines and color blocks do not stem from emotional catharsis but follow some internal cosmic order, like crystal structures or circuit matrices. He is the representative of the "Rational Eye" in the NAU exhibition81.

4. Yoko Mitsuyuki

Academic Positioning:Academic Matriarch of the Kyushu Art Scene 82
Career Summary: Professor Emeritus, Kyushu Sangyo University / Deputy Representative, Asian International Art Exhibition83.
[Academic Critique]:
Holding the exalted academic title of "Professor Emeritus," Yoko Mitsuyuki represents the orthodoxy and heritage of the Japanese Western painting world. Her work demonstrates master-level control—colors are heavy but not stagnant, compositions are grand yet rich in detail. As a leader in art education in the Kyushu region, her paintings reveal deep humanistic care and historical undertones, stabilizing the academic center of gravity of the exhibition84.

5. Nobuhito Udagawa

Academic Positioning:Local Deepening under International Vision 85
Career Summary: Professor Emeritus, Kyushu Sangyo University / Director, Fukuoka City Art League / Visiting Scholar, University of Pennsylvania86.
[Academic Critique]:
Nobuhito Udagawa's artistic practice crosses the boundaries of East and West. As an administrative core and educator in the Fukuoka art world, his work blends the solid foundation of Japanese Western painting with the compositional logic of Euro-American contemporary art. He is an important pillar for NAU's promotion of the AAN (Asian Artists Network), and his work itself is a medium for cross-cultural communication87.

6. Hiroko Kuboki

Academic Positioning:Guardian of Century-old Western Painting History 88
Career Summary: Operating Committee Member, Taiheiyo Art Society / Salon Blanc Exhibitor89.
[Academic Critique]:
The Taiheiyo Art Society is Japan's oldest Western painting group (founded in the Meiji era). As its operating committee member, Hiroko Kuboki carries the historical weight of a century of Japanese Western painting. Her work adheres to the "Painterliness" of traditional oil painting, emphasizing the temperature of brushstrokes and the texture of pigments, displaying a classical resilience that transcends trends90.

【Chapter I】 Dialectics of Ink: Space, Gesture, and Deconstruction

Dialectics of Ink: Space, Gesture, and Deconstruction

[Curator's Guide]

This chapter explores the dual paths of "Ink" in contemporary art: one end is Japanese avant-garde calligraphy's "stripping of textual meaning" and "spatial explosion"; the other is Taiwanese contemporary Han ink's "modernization of literati spirit" and "continuity of Qi-Rhyme (cosmic consonance)"91.

【Section 1: Dialogue of the Matriarchs】

7. Sawako Watanabe

Academic Positioning:Avant-garde Calligraphy Orthodoxy / Cutter of Space 92
Career Summary: Former NAU President / Bokujin-kai Member / Studied under Nankoku Hidai, Shiryu Morita93.
[Academic Critique]:
Sawako Watanabe is a living witness to post-war Japanese avant-garde art history. As a direct descendant of "Bokujin-kai," the core of her creation lies in "Brush Erosion"—the traces of life left after the brush tip fiercely rubs against paper fibers. In her work, the form of Kanji has been thoroughly deconstructed, transformed into pure blocks of black and white energy. Her treatment of space has extreme aggressiveness and architectural sense; ink traces are like lightning striking in the void. This is not static writing, but "Solidified Time" after an instantaneous burst of bodily energy94.

8. LIEN Jui-Fen

Academic Positioning:Taiwan Calligraphy Leader / Modern Literati Qi-Rhyme 95
Career Summary: Chairperson, Taiwan Women Calligraphers Association / Chairperson, Danlu Cultural and Educational Foundation96.
[Academic Critique]:
If Japanese calligraphy pursues instantaneous explosion, Lien Jui-Fen exhibits "Temporal Duration." As an important leader in the Taiwan calligraphy scene, Lien Jui-Fen has deeply mastered the essence of "Calligraphy Zen" from the Cao Qiu-pu lineage (Danlu); her lines are vigorous and elastic. However, she does not stop at traditional vertical scrolls but boldly introduces the "All-over Composition" and "Aesthetics of Blank Space" of modern painting into calligraphy. Her work demonstrates a unique "Unifying Power"—containing rigorous structural order within seemingly free-spirited running-cursive lines, a perfect fusion of classical cultivation and modern visual language97.

【Section 2: Structure, Dimension & Experiment】

9. Hotan Ishii

Academic Positioning:3D Calligraphy / Internationalized Writing Language 98
Career Summary: Mainichi Calligraphy Exhibition Judge / Active in Italy, Germany, France99.
[Academic Critique]:
Hotan Ishii is dedicated to solving a core problem: How to move Western audiences who do not read Kanji with calligraphy? His answer is "Dimensionalization" and "Architecturalization." He views calligraphy lines as beams and columns of architecture, constructing 3D spatial depth on 2D paper. His works have a strong sculptural sense and are a successful model of calligraphy moving towards global contemporary art100.

10. WANG-CHUAN FU

Academic Positioning:Materiality Experiment of Ink / Academic Newcomer 101
Career Summary: MFA, Taipei National University of the Arts (TNUA)102.
[Academic Critique]:
Wang-Chuan Fu represents the innovative perspective on ink by the young academic generation in Taiwan. He views water and ink as "Material" equal to acrylics and oil paints, rather than just writing tools. He piles, washes, and creates textures on the surface, blurring the boundary between "Calligraphy" and "Painting," exhibiting a visual tension with experimental nature103.

11. CHEN FU-CHI

Academic Positioning:Crossover of Image and Ink Phenomenon / Writing with the Eye of Photography 104
Career Summary: President, Taiwan Native Photography Association / President, Wide Angle Photography Association105.
[Academic Critique]:
As an important leader in Taiwan's photography world, Chen Fu-Chi is exhibiting "Modern Calligraphy" as a crossover. His writing carries strong image logic: his layout of Kanji structures is like "Framing" and "Composition" in photography, extremely particular about spatial cutting and the contrast between void and solid. This is a unique practice of "moving the brush with the shutter's eye," proving the high interoperability of visual art principles106.

12. Michiko Hamasaki

Academic Positioning:Cultural Translator of Ink 107
Career Summary: Director, Yokohama Museum of Ink108.
[Academic Critique]:
Michiko Hamasaki's work possesses an elegant "Fluidity." She knows deeply how to translate Eastern "Linear Aesthetics" for the Western world. Her creation focuses on the rich variations within a single stroke—from the scorching of thick ink to the haloing of pale ink, revealing a microcosmic universe where water and ink blend on paper109.

13. Hosui

Academic Positioning:Osmology of Paper and Ink 110
Career Summary: Member of Bokujin-kai111.
[Academic Critique]:
As a member of Bokujin-kai, Hosui focuses on the process of "Osmosis." The work presents how ink slowly erodes and blooms into the paper fibers over time. This is an extremely introspective creation, inviting the audience to experience a quiet Eastern meditation112.

14. Chun-Yi Liau

Academic Positioning:Modern Literati Painting of Confucian Doctor Tradition / Healing Ink 113
Career Summary: PhD, Chung Shan Medical University / Active in International Calligraphy and Painting Exhibitions114.
[Academic Critique]:
Chun-Yi Liau continues the "Confucian Doctor" tradition, choosing figurative "Ink Painting" as a medium for self-cultivation. Between the brush and ink flows the benevolence and peace unique to a healer. He does not pursue strange compositions but constructs landscape imagery full of humanistic breath through the gradations of ink, providing a classical and stabilizing force in the exhibition hall115.

15. Jinling Jiang

Academic Positioning:Fusion of Gouache and Ink 116
Career Summary: Major in Gouache Painting, Tunghai University / Studied under Chiang I-Han117.
[Academic Critique]:
Jinling Jiang's work integrates the agility of Taiwanese ink with the heaviness of Japanese Gouache (Mineral Pigment). With the background of studying under modern ink master Chiang I-Han, her work adds a shimmering texture of mineral pigments and color layers beyond the charm of ink, displaying a modern literati style that transcends media118.

16. Michiyo Yanagiya

Academic Positioning:Musicality of Lines 119
Career Summary: Contemporary Ink and Writing120.
[Academic Critique]:
Yanagiya's work emphasizes the rhythm and musicality of lines. She breaks the structural constraints of Kanji, letting lines dance freely in space. Her works often carry a light rhythm, like a solidified musical melody, displaying the pure formal beauty of contemporary writing after shedding its semantic function121.

17. Koho Kurihara

Academic Positioning:Calligraphy Diplomat 122
Career Summary: JIAS Member / Belgium-Netherlands Art Award Exhibition Excellence Award123.
[Academic Critique]:
Committed to the "Internationalization" of calligraphy. Kurihara knows how to adjust the visual language of brush and ink to transcend the semantic barriers of text, transforming it into abstract line art understandable to Western audiences, a highly communicative modern calligraphic art124.

18. Ikko Inoue

Academic Positioning:Artistic Transformation of Philology 125
Career Summary: Director, Jito Character Research Institute / Fukuoka Culture Award126.
[Academic Critique]:
Ikko Inoue is not only a calligrapher but also a philologist. He restores "Oracle Bone Script/Bronze Script" to primitive magical symbols; his work possesses strong pictographic nature and mystery, a "Scholar's Calligraphy" of extreme academic depth127.

19. Izan Ogawa

Academic Positioning:Performance Calligraphy and Expression Education 128
Career Summary: Peninsula Hotel Collection129.
[Academic Critique]:
Izan Ogawa defines calligraphy as "Expression Education" and "Performance Art." His work emphasizes the performative nature and bodily intervention during the writing process, attempting to radiate the energy of calligraphy into public space, with majestic momentum130.

20. Ryokka Yoshihara

Academic Positioning:Eclectic Japanese-Western Calligraphy and Painting 131
Career Summary: Japan-France Modern Art World Exhibition Excellence Award132.
[Academic Critique]:
Ryokka Yoshihara successfully harmonizes Eastern brush lines with Western color composition on canvas, creating a cross-cultural visual language and displaying the aesthetic height of "Japanese-Western Eclecticism"133.

21. Rie Tabata

Academic Positioning:Unity of Theory and Practice 134
Career Summary: Doctor of Education135.
[Academic Critique]:
Combining Eastern calligraphy and American abstract painting, Rie Tabata's work is the practice of her aesthetic theory, conducting rational East-West fusion on canvas, demonstrating the rigor and cross-cultural vision of an academic researcher136.

【Chapter II】 The Materiality of Painting: From Impasto Passion to Rational Abstraction

The Materiality of Painting: From Impasto Passion to Rational Abstraction

[Curator's Guide]

In the contemporary era flooded with Screen Images, what is the ontological significance of painting? NAU's answer is: "The Restoration of Materiality"137.

This chapter presents two extremes of painting as a material practice. One end is the "Expressionist Lineage" inheriting Japanese Western painting history, emphasizing Fauvist color explosions and bodily brushstrokes; the other end is the "Rational Abstraction Lineage" active in Tokyo contemporary galleries, emphasizing the accumulation of time, physical thickness of pigment, and calm construction of geometric structures138.

【Section 1: Passion & Life —— The Expressionist Lineage】

22. Hiromi Tsuten Sakurai

Academic Positioning:The Flame of Japanese Fauvism / Haptic Visuality 139
Career Summary: Independent Art Association Associate Member / Studied under Kanjiro Ikeshima140.
[Academic Critique]:
Since its founding in the 1930s, the "Independent Art Association" has been the bastion of Japanese "Fauvism." Hiromi Tsuten Sakurai's work perfectly inherits this bloodline. She rejects naturalistic reproduction of color, pursuing instead the "Emotional Truth" of color. On her canvas, paint is not applied flatly but piled up and impacted. Those burning reds and deep blacks constitute a strong visual contrast. This "Impasto" grants the image powerful sculptural sense, as if to break through the limitations of the 2D plane, striking the viewer's retina directly and evoking a "Haptic Visuality"141.

23. Noriko Isozaki

Academic Positioning:Weaver of Light and Color / Visual Pleasure 142
Career Summary: Ichiyo-kai Painting Department Committee Member / Joshibi University of Art and Design / Ichiyo Prize143.
[Academic Critique]:
Noriko Isozaki's work demonstrates the aesthetic tradition unique to "Ichiyo-kai"—the ultimate pursuit of harmony between light, shadow, and color. She excels at using fragmented brushstrokes to weave countless tones into a flowing spectrum, like the Impressionist capture of light, but with more modern decorativeness. Her images often overflow with a warm "Visual Pleasure," without abstruse conceptual preaching, only pure color rhythmically moving in space, an antidote to contemporary indifference and alienation144.

24. Kazuyuki Nihira

Academic Positioning:Geology of Time / Material Accumulation 145
Career Summary: NAU Full Member / Gallery Hinoki Annual Selection Exhibition146.
[Academic Critique]:
Kazuyuki Nihira's painting is a physical presentation of "time." He does not depict figurations on canvas but performs endless piling and scraping of pigment. Viewing his work up close reveals a surface full of textures and cracks like geological faults. This "Materiality" is the most powerful weapon against the flattening of digital images, inviting the viewer to engage in an archaeological gaze147.

25. Junko Kanemaru

Academic Positioning:Translation of Inner Landscapes 148
Career Summary: NAU Full Member / Regular at The National Art Center, Tokyo149.
[Academic Critique]:
Junko Kanemaru's creation has long focused on "Inner Landscapes" and "Rhythm of Light and Shadow." She is a representative figure in the contemporary Japanese abstract art scene who can elegantly combine materiality and spirituality. Her works exhibited at The National Art Center, Tokyo, often trigger deep resonance in viewers with delicate color layers, displaying extremely high visual completion and poetic atmosphere150.

26. Tetsuro Kobayashi

Academic Positioning:Social Expressionism 151
Career Summary: Musashino Art University / Dokuritsu Bijutsu / JAALA International Exchange Exhibition152.
[Academic Critique]:
Tetsuro Kobayashi's brushstrokes carry a coarse primitive power. Combined with his JAALA (Japan Asia Africa Latin America Solidarity) background, his works often imply concern for social reality or the human condition. He does not embellish the roughness of his strokes; this "Non-finito" (unfinished quality) instead enhances the authenticity and force of the image, a practice of painting as a tool for social voice153.

27. Maho Laplante

Academic Positioning:Direct Descendant of the New York School / Action Painting 154
Career Summary: Art Students League of New York Scholarship / Lincoln Center Exhibition155.
[Academic Critique]:
Maho Laplante's work brings the audience back to the golden age of New York Abstract Expressionism. Inheriting the traditions of Pollock and Rothko's alma mater, her paintings emphasize "Action." The canvas is a recording field of her bodily movement; the dripping, splashing, and scraping of paint retain the speed and chance of the creative moment. This is an American freedom and uninhibitedness, forming a brilliant contrast with Japan's traditional introverted aesthetics156.

28. Ryoko Fukao

Academic Positioning:Layers of Mental Landscapes 157
Career Summary: Joshibi University of Art and Design / Ibaraki Prefectural Exhibition Special Prize / Shinsho Exhibition Association Prize158.
[Academic Critique]:
Ryoko Fukao is a powerhouse from Joshibi University of Art and Design. Her work displays the sensibility and resilience unique to female artists. Rich in color layers, she excels at capturing fleeting changes of light and shadow in nature and transforming them into inner mental landscapes. Her award history at "Shinsho Exhibition" proves her modeling ability to navigate effortlessly between figurative and semi-abstract159.

29. Okiko Toyosaki

Academic Positioning:Purity of Painting 160
Career Summary: Member of Japan Artists Association / Solo Exhibition at Ginza O Gallery161.
[Academic Critique]:
Okiko Toyosaki is active in spaces like Ginza O Gallery that value "Painterliness." Her work does not rely on spectacle but returns to the basic elements of painting—balance of color, composition, and brushstroke. Her paintings often carry layers of accumulated thickness, displaying the solid foundation of mid-career Japanese painters and persistence in the ontology of painting162.

【Section 2: Reason & Sediment —— The Material Abstraction Lineage】

30. Hiroshi Wada

Academic Positioning:Geometric Order of the City / Cold Abstraction 163
Career Summary: Active at Gallery Hinoki / Contemporary Artist164.
[Academic Critique]:
Hiroshi Wada's work is an abstraction of modern urban experience. He utilizes horizontal and vertical lines to construct a rigorous "Grid System." This calm geometric composition eliminates superfluous emotional release, leaving only pure structure and order. His paintings are like blueprints of modernist architecture, displaying the intellectual beauty of "Cool Abstraction," a projection of scientific thinking onto art165.

31. Noboru Taira

Academic Positioning:Organic Forms of the Microscopic World 166
Career Summary: Collected by The National Art Center, Tokyo / Ginza Kobayashi Gallery167.
[Academic Critique]:
Noboru Taira is a powerhouse painter receiving attention from the National Art Center system. The feature of his work lies in extremely high completion and a delicate microscopic perspective. He often creates a bewildering sense of space on the canvas, with rich and subtle color layers, as if exploring the cellular structures of organic beings or cosmic nebulas. The quiet temperament of his work gives it extremely high collection value, belonging to the "enduring" class of classic contemporary painting168.

32. HOLEE

Academic Positioning:Spirituality of Dansaekhwa / Korean-French Hybrid Aesthetics 169
Career Summary: Ewha Womans University (Korea) / La Grande Chaumière (France) / Solo Exhibition at The National Art Center, Tokyo170.
[Academic Critique]:
HOLEE's work is a contemporary continuation of the spirit of Korean "Dansaekhwa" (Monochrome Painting). She achieves a state of asceticism through the repetitive application of a single color. However, her background studying in France gives her a more layered sense of color, not as austere as traditional monochrome painting, but carrying the poetry of lyrical abstraction. Her work provides a quiet "Breathing Space" in the exhibition hall, allowing the audience's vision to rest amidst the noise171.

33. Natsuko Hamada

Academic Positioning:Inheritor of Lyrical Abstraction 172
Career Summary: Tokyo University of the Arts (Studied under Kazu Wakita) / Tsubaki Modern Gallery173.
[Academic Critique]:
Natsuko Hamada studied under lyrical abstraction master Kazu Wakita, inheriting that warmth and poetry. Her color usage is soft and musical, demonstrating the deep color cultivation of the Oil Painting Department at Tokyo Geidai. The blurred boundaries and haloing in the image are like afterimages of memory, evoking nostalgia for lost time in the viewer174.

34. Yoko Kozai

Academic Positioning:Cross-disciplinary Dialogue of Contemporary Art 175
Career Summary: Active in Roppongi Art Circle / Gallery Hinoki176.
[Academic Critique]:
Yoko Kozai has long promoted cross-disciplinary dialogue in contemporary art. Her work forms are flexible, not adhering to a single style, focusing on the rhythm of color, form, and composition. In exhibitions at Gallery Hinoki, she displays a delicate and introspective visual language, emphasizing the perceptual resonance between viewer and work177.

35. Fuka Kanda

Academic Positioning:Exploration of Linear Aesthetics 178
Career Summary: Calligraphy Education Society background / Exhibited at The National Art Center, Tokyo179.
[Academic Critique]:
Although Fuka Kanda's background originates in calligraphy, her work has transformed into pure contemporary abstraction. She focuses on the expressive power of "lines" in space, exploring how calligraphic lines can detach from text to become independent visual elements. Her work receives attention from cross-cultural critics for its unique "Linear Aesthetics"180.

36. Kumiko Arakawa

Academic Positioning:Layers of Printmaking Thinking 181
Career Summary: Tokyo Zokei University Printmaking Course / Gallery Hinoki182.
[Academic Critique]:
Arakawa's work carries the "Layering" thinking unique to printmaking. Even in painting works, she uses stacking and scraping techniques to create a texture of "Indirectness" like printmaking. Her experience in Japan-Korea exchange art exhibitions shows her work's maturity in abstract composition and international vision183.

【Section 3: Inner Landscapes & Narrative】

37. Toshiyo Sato

Academic Positioning:Poetry of Microscopic Perception 184
Career Summary: Contemporary Artist / Contemplative Temperament185.
[Academic Critique]:
Toshiyo Sato's work focuses on daily perception and layers of time. She presents a quiet, contemplative temperament with delicate and restrained visual vocabulary. In the clamor of contemporary art, her work is like a short poem, reminding the audience to pay attention to minute existence186.

38. Akiko Konno

Academic Positioning:Capture of Memory Afterimages 187
Career Summary: Contemporary Female Artist / Presence and Memory188.
[Academic Critique]:
Akiko Konno's creation revolves around "Presence" and "Afterimages of Memory." With a perspective unique to women, she captures fragments ignored in daily life. The images often carry a hazy beauty, as if trying to retain moments about to disappear189.

39. Shigetada Okada

Academic Positioning:Modernity of Free Expression 190
Career Summary: Contemporary Artist191.
[Academic Critique]:
Shigetada Okada's work breaks away from the constraints of traditional public exhibitions, leaning towards free expression. He may combine abstract painting with collage techniques, exploring the relationship between matter and picture space, demonstrating the modern artist's free exploration of form192.

40. Kazuki Chikyo

Academic Positioning:Boundary between Abstraction and Figuration 193
Career Summary: Contemporary Artist194.
[Academic Critique]:
Kazuki Chikyo's creation wanders between figurative symbols and abstract backgrounds. He attempts to establish a new order on the canvas, guiding the audience into a surreal visual experience through the deconstruction and reorganization of form, enriching the visual spectrum of the NAU exhibition195.

41. Maki Chisaka

Academic Positioning:Weaving of Sensible Color Fields 196
Career Summary: Contemporary Artist197.
[Academic Critique]:
Maki Chisaka has a unique personal vocabulary in color usage. She tends to use soft or strongly contrasting color fields to construct images, exploring the subtle fluctuations of personal emotion in contemporary life, demonstrating the persistence of the "Painterliness" of the mid-level contemporary art scene198.

42. Sachiko Yamazaki

Academic Positioning:Abstraction of Modern Ink 199
Career Summary: Studied under Yuzan Ihara / Solo Exhibition at Fukuoka Art Museum200.
[Academic Critique]:
Although Sachiko Yamazaki inherits modern ink painting, her work has transcended traditional categories, moving towards abstraction. Her multiple solo exhibition experiences at the Fukuoka Art Museum show her profound skill in handling black and white void/solid and spatial white space, demonstrating the modern transformation of the ink spirit201.

【Chapter III】 Material Transgression: Craft as Spatial Sculpture

Material Transgression: Craft as Spatial Sculpture

[Curator's Guide]

In Japanese art history, "Kogei (Craft)" has long been seen as an appendage to practical function. However, the 24th NAU Exhibition declares the "Transgression" of craft202.

The artists in this chapter no longer make items for desktop appreciation but view clay, silk threads, and metal as weapons to wrestle with space. They strip away the "utility" of the material and release its "conceptuality." From Tomoko Tsuda's awakening of the primitive power of earth to Hakuran Nakamura's deconstruction of sumo rituals, these works prove that: in the digital virtual age, only the weight and touch of matter can awaken human dormant senses203.

【Section 1: Architecture of Clay —— Contemporary Ceramic Installation】

43. Tomoko Tsuda

Academic Positioning:Spatial Sculptor / Resistance of Matter 204
Career Summary: NAU Member / Contemporary Artist / Active in Contemporary Ceramic Installation205.
[Academic Critique]:
Tomoko Tsuda completely subverts the traditional definition of ceramics as "craft vessels." For her, clay is a weapon to wrestle with space. She utilizes the shrinkage, cracks, and collapse after firing to display the most primitive violence and vitality of matter. In the high-ceilinged space of The National Art Center, Tokyo, her works often present an architectural sense like ancient ruins or geological structures. She lets the clay retain its own weight and rough texture; this material "resistance" forces the audience not just to scan with eyes, but to perceive the oppressive power of the work in space with their bodies. She is an important practitioner elevating "Craft" to "Spatial Art"206.

44. Lee, Jia-Ling

Academic Positioning:Crossover of Ceramics, Acrylics & Industry 207
Career Summary: Chairperson, Huang Mo Yi Art / National Student Art Exhibition Excellent Work Award208.
[Academic Critique]:
Lee, Jia-Ling’s work demonstrates a free crossing of material boundaries. She is not satisfied with a single form, instead combining the three-dimensional shapes of ceramics with the contemporary colors of acrylic paint. Li chooses to directly intervene in her creations using acrylics, which gives her pieces a stronger painterly quality and more saturated colors.
As the Chairperson of Huang Mo Yi Art, her vision extends beyond creation to the industrial application of art. At the NAU exhibition, her works present an attempt to abstract contemporary art and give color a fashionable sensibility, showcasing how contemporary art can engage with both lifestyle aesthetics and commercial spaces.

45. Hajime Tajima

Academic Positioning:Modern Turn of Living National Treasures / The Ultimate Glaze 210
Career Summary: Studied under Akira Takeuchi (Lineage of Kenkichi Tomimoto, Yuzo Kondo) / Exhibited at The National Art Center, Tokyo211.
[Academic Critique]:
Behind Hajime Tajima stand the giants of Japanese ceramic history. Kenkichi Tomimoto (Overglaze Enamel) and Yuzo Kondo (Blue and White) are both Japanese "Living National Treasures," representing the peak of folk art and modern ceramics. Hajime Tajima inherits this orthodox bloodline but is not bound by tradition. His works are more concise and abstract in form, focusing on the subtle changes of glaze color during firing. His work displays a "Controlled Chance"—letting the glaze flow naturally under rigorous formal logic. This is the perfect combination of traditional craft techniques and modern formal aesthetics212.

46. Makiko Hattori

Academic Positioning:Biomorphism / Magnification of the Microscopic World 213
Career Summary: Founding member of ceramic design group "The Earth" / Tajimi City Art Exhibition Mayor's Award214.
[Academic Critique]:
Different from Tomoko Tsuda's architectural sense, Makiko Hattori's ceramics are "Biomorphic." Her works are like coral in the deep sea, spores under a microscope, or some unknown organic life form. She processes the surface texture of the clay extremely delicately, creating countless holes and protrusions. This obsession with complex details gives hard ceramics the illusion of being soft and breathing. Her work explores the rhythm of life growth, injecting organic vitality into the cold, hard museum space215.

47. Tomoko Hariya

Academic Positioning:Internationalization of Seto Tradition 216
Career Summary: Seto Ceramics Major / Studied under Shigeo Shiga / Solo Exhibitions in London, Paris217.
[Academic Critique]:
Born in "Seto," one of Japan's six ancient kilns, yet active in London, the center of contemporary art. Tomoko Hariya's work is a hybrid of two ceramic traditions. She retains Seto ware's exquisite glaze technology but absorbs the conceptuality and sculptural sense of European contemporary ceramics in form. She is a successful case of "International Translation" of Japanese traditional craft vocabulary218.

48. Mana Yamane

Academic Positioning:Fusion of Folklore and Design 219
Career Summary: Musashino Art University Craft & Industrial Design / Yokai Object Contest Winner220.
[Academic Critique]:
Mana Yamane brings "Design Thinking" into ceramics and combines it with Japan's deep "Folklore" foundation. Her participation in "Yokai" (monster/spirit) themed contests shows she excels at modernly transforming mythical symbols from traditional culture. Her works are not just objects but characters with narrative functions, demonstrating new possibilities for contemporary craft narrative221.

【Section 2: Deconstruction of Fiber —— Soft Sculpture】

49. Hakuran Nakamura

Academic Positioning:Deconstructor of Cultural Symbols / Reorganization of Ritual 222
Key Media: Silk threads of Sumo Kesho-mawashi223.
[Academic Critique]:
Hakuran Nakamura conducts a high-difficulty cultural experiment. She chose a medium with extreme Japanese cultural load—the rare silk threads of "Kesho-mawashi" (embroidered aprons) worn by sumo wrestlers in sacred rituals. She "Deconstructs" these textiles that originally symbolize power and class into countless free-floating threads, reweaving them in space into installations like cosmic fetal movement or neural networks. This is a process of sublimating "Figurative Ritual" into "Abstract Spirituality," the installation work with the most cultural impact in this exhibition224.

50. Naoe Okamoto

Academic Positioning:Industrial Structure and Soft Sculpture 225
Career Summary: Musashino Art University Master's / Former Nissan Car Designer / Antonio Ratti Award226.
[Academic Critique]:
17 years of experience as a car designer have deeply influenced Naoe Okamoto's artistic vocabulary. She sees through the "Structure" of matter. Unlike the woven feel of traditional fiber art, her works are more like architectural models made of fiber. She utilizes the tension and elasticity of fibers to construct precise 3D grids. Winning the international textile award Antonio Ratti Award proves her international status in exploring the structural possibilities of "Soft Sculpture"227.

51. Mayumi Kuwayama

Academic Positioning:Tech Crossover of Light and Fiber 228
Career Summary: Osaka University of Arts / Milan Design Week (MILANO GENIUS) Award229.
[Academic Critique]:
Mayumi Kuwayama is a crossover artist of "Art" and "Tech." She not only uses fiber but also introduces "Light." Her installation works often use optical fibers or special reflective materials to create glowing virtual bodies in the dark. This creation blurs the boundaries of matter, turning fiber into a carrier of light. Her success at Milan Design Week shows her work possesses a strong sense of contemporary design and futurism230.

52. Kiyoko Ogino

Academic Positioning:Planar Painterliness of Fiber 231
Career Summary: Contemporary Fiber Artist / Taiwan-Japan Exchange Exhibition232.
[Academic Critique]:
Kiyoko Ogino views fiber as paint for painting. Affirming her place in abstract painting and planar art, she uses fiber texture differences (rough, smooth, tangled) to replace brushstrokes. Her works present a rich sense of layering visually, demonstrating the expressive power of fiber art in "Tableau" (wall-hanging) form233.

53. Mizuho Tanaka

Academic Positioning:Modernity of Geometric Collage 234
Career Summary: Quilt Japan Jury Award / Gifu Prefecture Governor's Award235.
[Academic Critique]:
Mizuho Tanaka elevates "Quilt" from handicraft to modern geometric art. She has extremely high sensitivity to the composition of color and shape, creating visual illusions and rhythmic sensations like "Op Art" through the splicing of fabrics. This is a warm rationalism236.

【Section 3: Alchemy & Cross-over】

54. Rie Domon

Academic Positioning:Metal Painting / Ruins Aesthetics 237
Career Summary: Mixed Media and Metal Carving / Taiwan-Japan Cultural Exchange Exhibition238.
[Academic Critique]:
Rie Domon is an "Alchemist" in the field of painting. She introduces "Corrosion" and "Forging" techniques from metal crafts into planar creation. Her canvas surface is full of mottled rust and metallic luster after chemical reactions, presenting a decadent aesthetic like "Industrial Decay." She successfully captures the process of material decay over time, endowing the image with a heavy sense of history239.

55. SHUICHI GOTOH

Academic Positioning:Refraction of Gemology and Painting 240
Career Summary: FAAP Art University, Brazil / Jewelry Designer / Colored Stone Expert241.
[Academic Critique]:
SHUICHI GOTOH's background is extremely special—combining the passion of Brazilian art education with the precision of jewelry design. He brings the perspective of "Gemology" into painting. His works capture the refracted light and crystal facets unique to gems, with vivid colors and South American uninhibitedness. This is a visual experiment crossing the boundaries of decorative art and fine art242.

56. Kazumi Kato

Academic Positioning:Poetry of Metal 243
Career Summary: Aichi Prefectural University of the Arts Graduate School / Metal Art Museum Exhibition244.
[Academic Critique]:
Kazumi Kato's works have footprints in over a hundred places worldwide, showing her metal art has cross-cultural infectiousness. She does not emphasize the hardness and coldness of metal, but rather excavates its flexibility and ductility. Works often present unexpected lightness, as if metal can be folded and shaped like paper or cloth, displaying superb craft skills and poetic transformation245.

57. Masamitsu Abe

Academic Positioning:Material Dialogue of Washi 246
Career Summary: Awa Washi Hall Award / Printmaker247.
[Academic Critique]:
Masamitsu Abe focuses on the combination of "Washi" (Japanese paper) and printmaking. Having won the Awa Washi Hall Award, he deeply understands the characteristics of paper fibers. His work is not just printed on paper, but lets ink penetrate into the paper's texture. This is a deep dialogue with material, demonstrating the delicate application of Japanese craft aesthetics in planar art248.

58. Masami Ozawa

Academic Positioning:Authenticity of Material 249
Career Summary: Handmade Washi Artist / Natural Materials250.
[Academic Critique]:
Masami Ozawa returns to the source of paper. Creating handmade paper using plant fibers like Kozo and Mitsumata. This is "Subtractive Aesthetics"; she does not impose excessive color, but lets the paper's own texture, thickness, and luster speak, echoing contemporary art's return to natural materials and environmental issues251.

【Chapter IV】 Future Horizons: Digital Sublime, The Body & Hybridity

Future Horizons: Digital Sublime, The Body & Hybridity

[Curator's Guide]

Where are the boundaries of art? After painting and craft explored the limits of "matter," this chapter will lead the audience into the realms of "immateriality" and "flux"252.

From Tokyo Takashi's gaze on digital landscapes to Gutai heir Shigeyoshi Yuzawa's performance art impacting space with his physical body, to Aretokorekoko's strange sculptures fusing subculture. Displayed here is the "Expanded Field" of 21st-century art—art is no longer just objects hanging on walls; it is optical illusions, instantaneous movements, and symbol reorganization crossing the virtual and real253.

【Section 1: The Digital Sublime & Imaging】

This section exhibits how photography and digital art capture the visual experience of contemporary society.

59. Tokyo Takashi

Academic Positioning:Sublime Aesthetics of the Digital Age 254
Career Summary: Prix de la Photographie Paris (PX3) / International Photography Awards (IPA) / London International Creative Competition Honorable Mention255.
[Academic Critique]:
Tokyo Takashi's work is a digital response to Kant's concept of the "Sublime." The cities and nature under his lens, after high-degree digital reconstruction and color enhancement, present a perfection and magnificence beyond what the naked eye can see. This high-saturation, surreal visual language accurately captures the characteristics of our era surrounded by screens and big data. His sweeping records in international competitions like PX3 and IPA prove his visual vocabulary has universal attraction across cultures, making him a benchmark figure in contemporary digital photography collection256.

60. YU-KI

Academic Positioning:Photography Psychology / Relational Aesthetics 257
Career Summary: Photo Communication® Association Master / PCA Award / M84 Award258.
[Academic Critique]:
Different from Tokyo Takashi's formal aesthetics, YU-KI views photography as a tool of "Relational Aesthetics." The core of his work lies not in precise composition but in establishing an emotional connection between viewer and subject through the lens. This is an image practice with warmth and psychological depth, reminding us of the communication and healing functions photography originally possessed in a cold technological age259.

61. Yuko Nishida

Academic Positioning:Suspension of Time 260
Career Summary: Contemporary Artist / Video and Planar Creation261.
[Academic Critique]:
Yuko Nishida's theme is "Suspension." In the age of accelerationism, she captures ignored static moments through video or painting. The works carry a faint sorrow and poetry, inviting the audience to slow down their sensory rhythm and engage in internal gaze262.

62. Senwa

Academic Positioning:Dynamics of Landscape 263
Career Summary: Contemporary Artist / NAU Regular Exhibitor264.
[Academic Critique]:
Senwa Sakamoto focuses on the "Dynamics of Landscape." He captures not static scenery but the flow of wind and the progression of light. His works are colorful and full of rhythm, with brushstrokes carrying speed, displaying a vivid modern landscape painting style265.

【Section 2: Echoes of History & The Body】

This section connects Japan's strongest post-war avant-garde movement "Gutai" with performance art.

63. Shigeyoshi Yuzawa

Academic Positioning:Inheritor of Gutai Spirit / Action of Matter 266
Career Summary: AU (Artists Union) / Participated in Shozo Shimamoto (Gutai Founder) Projects267.
[Academic Critique]:
Shigeyoshi Yuzawa is the umbilical cord connecting the 1950s Japanese avant-garde movement to the present. As a member of "AU," he directly inherits the spirit of "Gutai"—"Do not imitate others, create what has never existed before." His work lies not in depicting beautiful images but in presenting traces left by pigment and matter in instantaneous action. This is a living fossil of "Action Painting," emphasizing bodily intervention at the moment of creation268.

64. Jun Manjome

Academic Positioning:Body Politics / Butoh Aesthetics 269
Career Summary: International Film Festival Rotterdam / MHKA Museum (Antwerp)270.
[Academic Critique]:
Deeply influenced by the dark aesthetics of Japanese "Butoh," Jun Manjome transforms the body into a sculpture. His performance art or video works in the exhibition hall often explore the repression, distortion, and release of the body in social space. His presence gives the NAU exhibition "Liveness," transforming static display into dynamic ritual271.

65. Kozo Wada

Academic Positioning:The Hard Bone of Kodo Art 272
Career Summary: Kodo Exhibition (1977-1985) / Shinsho Exhibition / Passed away in 2025273.
[Academic Critique]:
As a veteran of the Kodo Bijutsu Association, Kozo Wada's posthumous exhibition is a tribute to a period of history. His works retain the rough, simple, and vitality-filled spirit of post-war Japanese art. His long-term cultivation in the Ginza gallery circle witnessed the changes in Japanese contemporary art. His paintings are the final testimony of that generation's persistence in "Painting Purity"274.

【Section 3: New Sculpture & Hybrid Aesthetics】

This section shows how the young generation combines subculture, street art, and traditional art.

66. Aretokorekoko

Academic Positioning:Subculture Hybrid / New Wave of Contemporary Sculpture 275
Career Summary: Kyoto City University of Arts / SICF23 Jury Award / Independent Tokyo Special Award276.
[Academic Critique]:
As an up-and-coming artist who won awards at gateways for young artists like SICF (Spiral Independent Creators Festival), Aretokorekoko represents the future of Japanese contemporary sculpture. His work mixes anime subculture, consumer society symbols, and traditional sculpture techniques, presenting a "Hybrid" strange beauty. This is precisely the Digital Natives' unique interpretation of the material world277.

67. Kengo Watanabe

Academic Positioning:Pop Sensibility and Urban Symbols 278
Career Summary: International Art Grand Prize Exhibition Runner-up / New York Nippon Gallery279.
[Academic Critique]:
Active in New York and Tokyo, Kengo Watanabe represents the "Pop Sensibility" of the young generation. His works are bright in color, possibly incorporating street graffiti or anime aesthetics, reflecting visual experiences under globalized consumer culture. His winning at the ACT Art Grand Prize exhibition shows his work achieves balance between commerce and art280.

68. woga

Academic Positioning:Subconscious Automatic Writing / Boundary of Art Brut 281
Career Summary: Shinjuku Ophthalmologist Gallery / The Artcomplex Center of Tokyo / ACT282.
[Academic Critique]:
woga's work touches the boundary of "Art Brut." Through compulsive repetitive depiction like "Automatic Writing," he attempts to excavate deep subconscious imagery. On his picture plane, natural landscapes and psychological phenomena entangle; dense lines and totems seem like visualized records of neural transmission. This creation method transcends simple illustration narrative, carrying a ritualistic focus and spiritual tension283.

69. FASC

Academic Positioning:Anonymity and Symbols 284
Career Summary: Contemporary Artist285.
[Academic Critique]:
FASC, named with an English abbreviation, represents the side of "Anonymity" and "Symbolization" in the exhibition. Their work may carry tendencies of street art, pop art, or minimalism, bringing a mysterious and modern atmosphere to the exhibition hall286.

【Section 4: Global Nomads & Residency】

70. Minori Warabisako

Academic Positioning:Moving Landscapes / Global Nomad 287
Career Summary: Cruise Ship Resident Artist / New York St. Augustine Church Permanent Collection / Saatchi Gallery288.
[Academic Critique]:
Minori Warabisako demonstrates an ultimate "Nomadism" perspective. Her studio is a moving cruise ship; recorded on canvas are constantly changing horizons and cultural spectra. She uses non-traditional media like coffee for creation; this painting implying smell and taste breaks the restrictions of regionalism, presenting a truly "Globalized" visual experience289.

71. Aki Guarino

Academic Positioning:Dual Vision of the Returnee 290
Career Summary: Studied in France / Toyama Prefecture Resident Artist / Etchu Art Festa Excellence Award291.
[Academic Critique]:
Possessing a French art education background but choosing to create in residence in Toyama Prefecture. Aki Guarino's work is a product of "Cultural Hybridity." She uses European contemporary art vocabulary to reinterpret the spatial memory of Japanese vernacular architecture (like earthen storehouses, closed schools), demonstrating the unique dual perspective of a "U-Turn Artist"292.

【Chapter V】 The Spectrum of Unite: Diversity & Micro-Narratives (Part A)

The Spectrum of Unite: Diversity & Micro-Narratives (Part A)

[Curator's Guide]

This chapter complements the most solid grassroots power in the exhibition, including the technical backbone of the academic school, network weavers promoting international exchange, and mid-career artists active in museums everywhere293.

【Section 1: Academic Backbone & Printmaking】

Artists in this block mostly come from top institutions like Tokyo University of the Arts or focus on the indirect aesthetics of Printmaking.

72. Akira Shiomi

Academic Positioning:Director of Printmaking Workshop / Technique and Theory 294
Career Summary: Tokyo University of the Arts Oil Painting Dept / Art Director of MMG Printmaking Workshop295.
[Academic Critique]:
As the director of MMG Printmaking Workshop, Akira Shiomi has a profound understanding of "Imprints." His work transcends simple print reproduction functions, exploring the dialectical relationship between "Plate" and "Image." His work style is rigorous, demonstrating the Tokyo Geidai system's ultimate pursuit of media technology and theoretical height296.

73. Hiroyuki Tajima

Academic Positioning:Duet of Oil Painting and Printmaking 297
Career Summary: Tokyo University of the Arts Oil Painting Dept & Printmaking Lab / Print Association Exhibition298.
[Academic Critique]:
Hiroyuki Tajima wanders between the directness of oil painting and the indirectness of printmaking. Dual training at Tokyo Geidai allows him to bring layer thinking of printmaking into oil painting, or brushstrokes of painting into printmaking. Works are often seen in professional spaces like Chikyudo Gallery, showing precise control over color layers and planar composition299.

74. Kenichi Inoue

Academic Positioning:Environment and Imprints 300
Career Summary: Sokei Academy of Fine Art & Design Printmaking Dept / Naguri Lake Outdoor Art Exhibition301.
[Academic Critique]:
Kenichi Inoue conducts experiments of "Printmaking Intervening in Environment." He brings prints usually displayed indoors to outdoor venues like Lake Naguri, exploring how man-made imprints interact with natural wind, light, and water, challenging the boundaries of print display302.

75. Michiko Uesugi

Academic Positioning:Quietude of Black and White 303
Career Summary: Solo Exhibition at Shirota Gallery (Mecca of Modern Printmaking)304.
[Academic Critique]:
Exhibiting long-term at Shirota Gallery represents Michiko Uesugi's status in the printmaking circle. Her work style is introverted, presenting a quiet monochrome world through traces of corrosion or carving. In the subtle modulation of black and white, she demonstrates extremely high technical completion and spiritual depth305.

76. Junko Sugano

Academic Positioning:Vision of the Pan-Sea of Japan 306
Career Summary: Musashino Art Junior College / Shunyo Exhibition Newcomer Award / Russia Biennale307.
[Academic Critique]:
As a winner of the Shunyo Exhibition Newcomer Award, Junko Sugano inherits the "Opposition Spirit" tradition of Shunyo-kai. She is active in Pan-Sea of Japan (Toyama-Russia) art exchange; her work style is simple and powerful, focusing on cultural connections under geopolitics and local climate308.

【Section 2: Global Networks & Korean Perspectives】

This block connects Asia and the world through AAN (Asian Artists Network) and international gallery networks.

77. Yoko Yamada

Academic Positioning:Network Weaver / Asian Connection 309
Career Summary: President, Asian Artists Network (AAN)310.
[Academic Critique]:
Yoko Yamada is a key promoter of the "Unite" concept in this exhibition. As AAN President, her artistic practice lies not only in personal creation but in "Connecting." She is dedicated to building dialogue platforms for artists from Japan and Asian countries; her works often carry cross-cultural symbols and are visual embodiments of art diplomacy311.

78. Hyun-suk Ryu

Academic Positioning:Korean-French Hybrid Mainstream Elite 312
Career Summary: Hongik University / Académie de la Grande Chaumière / Collections by Samsung, Hyundai Motors313.
[Academic Critique]:
Hyun-suk Ryu's resume represents the elite path of the Korean art world. Backgrounds at Hongik University and Grande Chaumière make her works possess both the spirituality of Korean monochrome painting and the compositional sense of European abstract painting. Being collected by giants like Samsung and Hyundai Motors proves her work's dual success in commerce and academia, displaying a grand, steady international style314.

79. YUKIKO

Academic Positioning:Contemporaneity of Watercolor 315
Career Summary: Emerson Umbrella Center, USA / M.A.D.S Gallery, Milan316.
[Academic Critique]:
YUKIKO brings traditional watercolor painting into the realm of contemporary art. Exhibition experiences in the US and Milan enable her watercolor works to shed the small-piece format, possessing the thickness and spatial tension of oil paintings. She explores the accidental flow of water and pigment on paper, demonstrating the modern translation of Eastern media in a Western context317.

80. Akiko SIACCA

Academic Positioning:Dual Dweller of Market and Creation 318
Career Summary: Tama Art University / Ginza Gallery President / 700 Exhibition Experiences319.
[Academic Critique]:
As a painter and also a Ginza gallery president, Akiko SIACCA possesses a unique dual perspective. Her work style is usually brightly colored, possessing high decorativeness and market affinity. The amazing record of 700 exhibitions shows her profound understanding of art ecosystem operations and abundant creative energy320.

81. HIROMI TOMINAGA

Academic Positioning:Enveloping Sense of Large Scale 321
Career Summary: Tama Art University / Major Galleries in Ginza322.
[Academic Critique]:
HIROMI TOMINAGA's creation focuses on "Large-scale" painting. She attempts to envelop the audience's bodily perception with "Color Fields." Her works are bold and concise in composition, emphasizing the emotional power of color itself, possessing a strong visual presence in the exhibition hall323.

【Chapter V】 The Spectrum of Unite: Diversity & Micro-Narratives (Part B)

The Spectrum of Unite: Diversity & Micro-Narratives (Part B)

【Section 3: Sculpture, Space & Nature】

This block focuses on the occupation of 3D space and dialogue with natural materials.

82. Satoru Fujishita

Academic Positioning:Volume of Outdoor Sculpture 324
Career Summary: The Hakone Open-Air Museum Award / Independent Art Association Newcomer Award325.
[Academic Critique]:
Winning "The Hakone Open-Air Museum Award" is an extremely high honor, usually given to large sculptures capable of dialogue with great nature. Satoru Fujishita's work possesses strong constructiveness and "Volume"; he is adept at utilizing material weight and balance to create monumental visual focal points in space326.

83. Toshihiro Uchihira

Academic Positioning:Craft Spirit of Sculpture 327
Career Summary: Nagoya University of the Arts Sculpture Dept / KOBATAKE Workshop / Hands Grand Prize328.
[Academic Critique]:
Toshihiro Uchihira's work combines the modeling power of sculpture with the precision of craft. Graduating from KOBATAKE Workshop gives him a craftsman-like dedication to materials (possibly wood, stone, or metal). The Hands Grand Prize winning experience shows his work possesses unique creativity and handmade warmth329.

84. Fumiko Kamo

Academic Positioning:Modeling Vocabulary of an Educator 330
Career Summary: Musashino Art University Sculpture Dept / Art Teacher331.
[Academic Critique]:
Fumiko Kamo's work style is steady, demonstrating academic sculpture's rigorous exploration of form, volume, and spatial relationships. Her background as an art teacher often gives her works an inspiring quality, attempting to convey concern for nature or humanity through modeling332.

85. Hitoshi Suzuki

Academic Positioning:Cycle of Earth and Life 333
Career Summary: Tokyo Gakugei University (Ceramics) / Inspired by Michio Hoshino334.
[Academic Critique]:
Inspired by ecological photography master Michio Hoshino's "The Long Journey," Hitoshi Suzuki's work focuses on "Life Cycles." Using ceramics as a medium, his works are full of the temperature of soil and natural texture. He attempts to awaken urban people's awe for the natural environment through art; his works have strong "Ecological Ethics" colors335.

【Section 4: Modern Painting & Salon Aesthetics】

This block contains figurative, semi-abstract painters and those deeply influenced by Japanese-French salon culture.

86. Kuniko Aoki

Academic Positioning:Elegance of French Salon 336
Career Summary: Studied under Yuji Shirao / Japan-France Modern Art Exhibition Minister of Education Award337.
[Academic Critique]:
Kuniko Aoki's work exudes a pure "Japan-France Salon" temperament. She is extremely particular about color usage, pursuing harmony and elegance in the image. She does not pursue radical deformation but injects modernist light and shadow layers into figurative depiction, demonstrating the Japanese Western painting world's localized transformation of "French Taste"338.

87. Kiyoshi Monjugawa

Academic Positioning:Visual Form of Cultural Diplomacy 339
Career Summary: Japan-France Modern Art Exhibition Executive Committee Chairman / Nihon University College of Art340.
[Academic Critique]:
As the Executive Committee Chairman of the Japan-France Modern Art Exhibition, Kiyoshi Monjugawa's work style is grand and steady, emphasizing narrative and humanistic spirit. His paintings aim to transcend language barriers and convey universal aesthetic values, being standard international salon-style masterpieces341.

88. Akane Asano

Academic Positioning:Echo of the New Leipzig School 342
Career Summary: Kyoto University of Art and Design / Exhibited in Leipzig, Germany343.
[Academic Critique]:
Experience active in Leipzig, Germany, deeply influenced Asano's visual language. Her painting carries characteristics of the "New Leipzig School"—combining figurative narrative with surreal scenes. The image carries a cool alienation, with faint light shining through grayscale, a collision of Kyoto techniques and European concepts344.

89. Tsunamasa Sasaki

Academic Positioning:Decorativeness and Universal Beauty 345
Career Summary: AJAC Member / Sompo Japan Art Award / Awards in Europe and US346.
[Academic Critique]:
Tsunamasa Sasaki's frequent winning experience in Europe and the US shows his work style has strong decorativeness and cross-cultural communication power. He excels at using color contrast and composition to create visual totems that are both modern and possess Eastern foundations347.

90. Yoshiko Oda

Academic Positioning:Poetry of Semi-Abstraction 348
Career Summary: Musashino Art University Master's / Shinsho Exhibition349.
[Academic Critique]:
Yoshiko Oda attempts to find balance between figurative and abstract. She symbolizes objects in reality, retaining recognizable forms but endowing them with subjective colors, displaying a semi-abstract modern poetry350.

91. Makoto Anazawa

Academic Positioning:Structural Realism 351
Career Summary: Niki Exhibition / Chiba Prefecture Governor's Award352.
[Academic Critique]:
As a regular of "Niki-kai," Makoto Anazawa sticks to the baseline of "Structural Realism." Even when dealing with landscapes or still lifes, his works show rigorous geometric skeletons and solid volume, a visual declaration against the era of thin images353.

92. Rieko Ito

Academic Positioning:Exploration of Free Art 354
Career Summary: Musashino Art Gakuen / Jiyu Bijutsu Exhibition355.
[Academic Critique]:
Early experience participating in the Jiyu Bijutsu (Free Art) Exhibition established Rieko Ito's eclectic creative attitude. Her works may involve experiments with multiple media, demonstrating continuous exploration of formal freedom356.

【Section 5: Conceptual, Emerging & Cross-Over】

This block contains conceptual art, music crossovers, and emerging forces in the gallery circle.

93. Shozo

Academic Positioning:Phenomenological Art / Genesis of Perception 357
Career Summary: Kyoto University of the Arts Master's / Kameyama Triennale358.
[Academic Critique]:
Shozo's research field is "Genesis of Perception." This means his art is not just making objects, but making "Experiences." Through installation or video, he explores how humans perceive time and space; works have strong philosophical speculative colors359.

94. Masaki Okayama

Academic Positioning:Concept Architecture / Ontology 360
Career Summary: Kyoto University of the Arts / Studied under Takeshi Umehara (Philosopher) / Collected by Polish Museums361.
[Academic Critique]:
Studying under philosopher Takeshi Umehara, Masaki Okayama's work is "Visualized Philosophy." His proposed concept of "Concept Architecture" views painting as a framework of thought. Works collected by the National Museum in Poland prove his academic value in exploring art ontology362.

95. Masami Nomura

Academic Positioning:Visualization of Hearing 363
Career Summary: Improvisational Guitarist / Abstract Painter364.
[Academic Critique]:
Masami Nomura's painting is "Visible Sound." As an improvisational guitarist, his brushstrokes are like played notes, full of speed and broken rhythm. Viewing his paintings is like hearing the sound of colors colliding on canvas365.

96. Miki Kajiyama

Academic Positioning:Installation of Memory and Time 366
Career Summary: Kyoto Seika University Doctoral Program / KUNST ARZT Gallery367.
[Academic Critique]:
Active at Kyoto experimental gallery KUNST ARZT, Miki Kajiyama excels at handling "Site-specific" installations. She focuses on spatial memory and the passage of time; works often carry an archaeology-like poetry368.

97. Kasumi Katagiri

Academic Positioning:Modern Composition of Graphic Design Sense 369
Career Summary: Contemporary Artist Exhibition Newcomer Award / Beauty of Origin Osugi Award370.
[Academic Critique]:
Kasumi Katagiri successfully combines avant-garde nature with commercial potential. Her works carry a strong sense of graphic design, utilizing hard-edge geometry and bright colors to construct a rhythmic visual maze, an emerging talent attracting much attention in NAU371.

98. Rintaro Sekino

Academic Positioning:Figurative New Path of Academic Elite 372
Career Summary: Osaka University of Arts PhD / Shell Art Award373.
[Academic Critique]:
Supported by the Shell Art Award and Mitsubishi Corporation Art Gate Program, Rintaro Sekino is a typical academic elite. His works inject contemporary alienation and materiality into figurative painting, demonstrating the young generation's inheritance and rebellion against painting traditions374.

99. Midori Kamimura

Academic Positioning:Illustration Narrative of Sociological Perspective 375
Career Summary: Kinjo Gakuin University Sociology / 3331 Chiyoda Arts Festival Tomoko Konoike Prize376.
[Academic Critique]:
Sociology background gives her a unique observational perspective. Work style is light, often carrying illustrative narrative features, exploring alienation in interpersonal relationships or tiny daily miracles in modern society377.

100. Taimaru Suemoto

Academic Positioning:Temperature of Time 378
Career Summary: Gallery Hinoki Selection Exhibition379.
[Academic Critique]:
Taimaru Suemoto's work retains a warm humanistic texture amidst the cold trend of contemporary art. He does not pursue visual violence but invites the viewer to discover the weight of time and memory in layers of superimposed color380.

101. Masaya Iwasaki

Academic Positioning:Roamer of International Metropolises 381
Career Summary: Ginza Modern Art / New York The Nippon Club / Paris382.
[Academic Critique]:
His exhibition resume shows a typical "Contemporary Japanese Artist Overseas Path." Works possess high universality, leaning towards modernist abstraction or semi-figuration in style, facilitating cross-cultural visual communication383.

102. Takeshi Tamura

Academic Positioning:Practice of Socially Engaged Art 384
Career Summary: Sapporo International Art Festival (SIAF) 2017 Participant / Tenjinyama Art Studio Residency385.
[Academic Critique]:
The core of Takeshi Tamura's creation lies in "Site" and "Relation." As a participant in the Sapporo International Art Festival, his art practice often leaves the gallery's white box and enters communities and public spaces. He focuses on the interaction between people, environment, and art action; works have strong social engagement nature, an important case of "Art Intervening in Society" in the NAU exhibition386.

103. Masashi Sugiyama

Academic Positioning:Call of Primitive Energy 387
Career Summary: African Art Museum Related Artist / Solo Exhibition "Cracked Earth and Cry of the Cow"388.
[Academic Critique]:
Masashi Sugiyama's work is associated with the "African Art Museum," which is extremely rare among contemporary Japanese artists. His creative themes like "Cracked Earth" show he is deeply influenced by "Primitivism" and earth energy. Brushstrokes are rough, colors heavy, attempting to awaken a wild, root vitality within modern civilization389.

104. Etsuko Fukue

Academic Positioning:Resonance of Zen and Contemporary 390
Career Summary: Monk of Shinshu Otani-ha / PESCARART International Contemporary Art Award (Italy)391.
[Academic Critique]:
As a monk, Etsuko Fukue's art is "Practice." She explores Buddhist philosophies like "Emptiness" and "Impermanence," but not using traditional Buddhist painting forms, instead transforming them into contemporary abstract vocabulary. Her work winning an award in Italy proves this Eastern spirituality transcending religious barriers can conduct deep spiritual dialogue with Western contemporary art392.

105. Wu, Tsai En

Academic Positioning:Academic Newcomer Crossing the Strait 393
Career Summary: Master's, National Kaohsiung Normal University, Taiwan / Selected for 81st GENZAN Exhibition, Japan / Recommended at China Academy of Art394.
[Academic Critique]:
As one of the youngest newcomers in the Taiwan delegation, Wu Tsai En demonstrates the solid foundation of Taiwan's academic art education. Her successful selection into Japan's long-established "GENZAN" proves her work possesses the strength to dialogue with Japanese contemporary art. Her creation is rigorous in form but open in concept, a potential stock for the future of Taiwan-Japan art exchange395.

106. Maki Chisaka

Academic Positioning:Weaving of Sensibility and Color 396
Career Summary: Contemporary Artist397.
[Academic Critique]:
Maki Chisaka's work has a unique personal vocabulary in color usage. She may tend to use soft or strongly contrasting color tones to construct images, exploring the subtle fluctuations of personal emotion in contemporary life, demonstrating the persistence of the "Painterliness" of the mid-level contemporary art scene398.

107. Kazuki Chikyo

Academic Positioning:Boundary between Abstraction and Figuration 399
Career Summary: Contemporary Artist400.
[Academic Critique]:
Kazuki Chikyo's creation wanders between figurative symbols and abstract backgrounds. He attempts to establish a new order on the canvas, guiding the audience into a surreal visual experience through the deconstruction and reorganization of form401.

108. Chitose Ninomiya

Academic Positioning:Diversity of Visual Vocabulary 402
Career Summary: Active in Contemporary Art Group Exhibitions403.
[Academic Critique]:
Chitose Ninomiya's works frequently appear on important group exhibition lists, showing her creation has stable quality and sustained exhibition vitality. Her work style may explore material texture and spatial composition, faithfully reflecting the diverse aspects of media exploration by Japanese contemporary artists404.

109. Suzumadoka

Academic Positioning:Semiology of the Subconscious 405
Career Summary: Contemporary Artist406.
[Academic Critique]:
As a mysterious presence in the exhibition, Suzumadoka's work may carry strong symbolic features. Whether through tangled lines or flat coating of color, she attempts to excavate scenes deep in the subconscious, bringing an unpredictable fresh atmosphere to the exhibition407.

110. NIL

Academic Positioning:Pulse of the Urban Underground 408
Career Summary: Active at Shibuya No.12 Gallery, Bar SiSi Tsukiji409.
[Academic Critique]:
NIL's activity bases (Shibuya, Tsukiji bar gallery) show their work is deeply rooted in Tokyo's "Urban Underground" culture. Their creation may involve graffiti, collage, or appropriation of ready-mades, directly reflecting the survival state and visual experience of the young generation in the urban jungle, carrying a strong street atmosphere410.

【Chapter VI】 The Final Spectrum

111. Mitsuko Ishii

Academic Positioning:Lifestyle Aesthetics of an Art Family 411
Career Summary: Daughter of Sculptor Tsuruzo Ishii / Life Design Research412.
[Academic Critique]:
Born into a prominent art family, Mitsuko Ishii's creation crosses the fence between fine art and lifestyle design. She inherits the family's deep aesthetic cultivation, viewing art as part of life; works reveal an elegant, refined classical temperament while possessing the practical rationality of modern design413.

112. Minoru Iida

Academic Positioning:Spatial Narrative of Stage Art 414
Career Summary: Tokyo Geidai / Kisaku Ito Award (Master of Stage Art Award)415.
[Academic Critique]:
Minoru Iida's painting has a strong "Theatrical Sense." The background of winning the highest honor in stage art, "Kisaku Ito Award," makes him handle canvas space like directing a stage. His works have grand narrative and dramatic light and shadow, guiding the audience into carefully laid-out visual stories416.

113. Shiori Takahashi

Academic Positioning:Combination of Academic Research and Creation 417
Career Summary: Kyushu Sangyo University Doctoral Program418.
[Academic Critique]:
As a young scholar-artist, Shiori Takahashi represents the new generation force of the Kyushu School. Her activity in AAN (Asian Artists Network) shows she possesses international vision. Her works often explore theoretical problems of contemporary art, demonstrating a balance between academic research and perceptual creation419.

114. Yuri Nakajima

Academic Positioning:Symphony of Fashion and Lines 420
Career Summary: Bunka Fashion College / Exhibited at The Ueno Royal Museum421.
[Academic Critique]:
Coming from Japan's highest institution of fashion, Yuri Nakajima's work carries a strong "Texturality." She has a unique understanding of fabric drape, cutting, and human structure; her paintings often reveal smooth lines like fashion illustrations, transforming the aesthetics of fashion design into expression of fine art422.

115. Kazuko Hayashi

Academic Positioning:Optical Mandala 423
Career Summary: Studied under Kaleidoscope Master Koji Yamami / Optical Art424.
[Academic Critique]:
Kazuko Hayashi brings the optical principles of the "Kaleidoscope" into planar creation. She utilizes mirror refraction and symmetric geometry to create brilliant psychedelic mandala totems. This is visual magic based on precise calculation, exploring the infinite possibilities of light and color in geometric structures425.

116. Mizue Fukuda

Academic Positioning:Visualization of Ghost Story Literature 426
Career Summary: Illustrations for "Collection of Japanese Mysterious Stories" / Gendai Shichosha427.
[Academic Critique]:
Mizue Fukuda's work has strong "Literariness." Her participation in ghost story literature illustration makes her adept at creating dark, mysterious atmospheres with narrative tension. Her paintings are like windows to another world, exploring the fear and curiosity deep in human psychology towards the unknown428.

117. Kiyoshi Matsumura

Academic Positioning:Dialectic of Nature and Artificiality 429
Career Summary: Contemporary Artist / Installation and Painting430.
[Academic Critique]:
Kiyoshi Matsumura explores the boundary between "Nature and Artificiality" in fine depiction. His work combines painting and installation, presenting a calm observational perspective, attempting to find visual order and balance between chaotic urban landscapes and organic natural forms431.

118. Sayo Matsushita

Academic Positioning:Darling of International Art Fairs 432
Career Summary: Zurich Art International / New York Pangea Exhibition433.
[Academic Critique]:
Frequently participating in international art fairs in Zurich, New York, etc., Sayo Matsushita's work has strong "Market Orientation" and internationality. Her style is brightly colored and strongly decorative, demonstrating the universal beauty in Japanese contemporary art that can cross cultural barriers and appeal directly to visual pleasure434.

119. Koichi Yamauchi

Academic Positioning:Recorder of Shinshu Climate 435
Career Summary: Wako University / Exhibited at Major Museums in Nagano Prefecture436.
[Academic Critique]:
Koichi Yamauchi is active in Nagano Prefecture (Shinshu); his creation is deeply rooted in the high mountains and valleys there. Different from the indifference of urban artists, his work carries a thickness of "Fudo" (Climate/Terroir). His activities in Iida City Museum of Art and other places demonstrate the deep humanistic foundation in Japan's regional museum system437.

120. Hiroyuki Yachiguchi

Academic Positioning:Slice of Tokyo Gallery Ecology 438
Career Summary: The National Art Center, Tokyo / GALERIE SOL439.
[Academic Critique]:
Yachiguchi is an active participant in contemporary galleries in the Ginza/Kyobashi area of Tokyo. His exhibition resume shows he is a backbone force in the Tokyo gallery ecosystem. His works possess the ability to command large exhibition spaces, leaning towards modern paintings with bright colors or strong visual symbols440.

【III. Special Feature: The Asian Nexus】

WANG MUTI

Academic Positioning:The Strategist & Archivist of Asian Contemporary Art 441
Career Summary: Director of Japan Contemporary Art Association (GENZAN) Taiwan Liaison Office / NAU Taiwan’s first member / Curator 442.
[Academic Critique]:As an artist, his work continues the lineage of his awards at Japan's "GENZAN," demonstrating high sensitivity to space and material. He excels at "coding" and "reconstructing" personal memories and historical archives; his works often carry a sense of calm order, attempting to establish a visual index in the chaotic era of information explosion444.
However, his more important contribution lies in "Connecting." As a key node (Nexus) of the Taiwan and Japan art ecosystems, He assisted more than 2,000 artists in establishing independent digital database platforms and curated multiple high-standard Taiwan-Japan exchange exhibitions. His creation itself is a practice of "Relational Aesthetics." Wang Muti's existence proves that contemporary artists are not just producers of works, but weavers of the art ecosystem445.
Wang Muti's role in this exhibition is dual: he is both a creator and a "Strategist" with a macro vision443.

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