在日本國立新美術館中，尋找靈魂的錨點：王穆提的創作獨白
—— 專訪台灣首位國立新美術館個展藝術家：關於尺度、媒材與那些無法被數位化的「崇高」
對話 —— 為什麼必須是「四公尺」？
Q：在國立新美術館這樣巨大的場域中，您選擇了三件高度近 400 公分的鉅作。這是一個非常冒險的決定，請問背後的考量是什麼？
王穆提：「尺度（Scale）本身就是一種語言。國立新美術館的天花板高度超過 5 公尺，它是一個工業級別的『白盒子』。在這裡，普通的畫作會像郵票一樣被空間吞噬。作為台灣首位在此舉辦個展形式的成員，我不能只是『展示』，我必須『對抗』。
〈聖境・阿里山〉 的 399 公分高度，不是為了炫技，而是為了還原我在阿里山神木腳下感受到的那種『仰望感』。那種人類在自然面前的渺小與敬畏，只有透過這種紀念碑式的尺度（Monumental Scale），才能在東京的都會中心被重建。我要讓觀眾在走進展區的瞬間，身體被迫慢下來，視線被迫向上，這是物理空間對心理空間的干預。」
媒材的辯證 —— 水墨的「時間」與壓克力的「空間」
Q：這次的作品大量使用了「宣紙/大畫仙紙」結合「水墨與壓克力顏料」。這兩種媒材在屬性上幾乎是衝突的，您如何處理這種關係？
王穆提：「這正是我想要的衝突。我是數位時代的人，我們習慣了螢幕上 RGB 色光的和諧，但現實世界是充滿雜訊與衝突的。
- 水墨（Ink）是『時間』： 它在宣紙上滲透、暈染，那是不可逆的過程，代表了東方的流動性與歷史感。
- 壓克力（Acrylic）是『空間』： 它乾燥快、覆蓋力強，具有西方的物質感與現代性。
在 〈空中之色〉 中，我用水墨堆疊出那塊沈重的黑色岩石（業力），然後用帶有粉紫色霓虹感的壓克力顏料去包圍它、撞擊它。水墨的『滲透』與壓克力的『覆蓋』在同一張紙上博弈，這就像是我們當代人的處境——靈魂還停留在古老的傳統中，身體卻已被拋進了快速的數位現代性裡。」
身分的雙重性 —— 數位專家的「實體反擊」
Q：您也是一位資深的數位美術館計畫主持人，整日與虛擬數據為伍。這種背景如何影響您的實體創作？
王穆提：「正因為我太了解『虛擬』，所以我才更渴望『實體』。在數位資料庫裡，一張畫只是一個幾 MB 的檔案，它是平滑的、無厚度的。但在創作 《中道之光》 時，我能感受到宣紙纖維的阻力，能聞到墨與色混合的味道。這三件作品，其實是我對『演算法』的一種反擊。
AI 可以生成一張完美的圖，但它無法生成一張 寬 142 公分、長 399 公分，且乘載了無數次筆觸堆疊厚度的 大畫仙紙。這種物理上的『不可複製性』，就是藝術的『靈光（Aura）』。我希望觀眾來到六本木，不是來看一張圖，而是來體驗一個『場』，一個由物質、勞動與精神共同構建的實體場域。」
歷史的迴響 —— NAU21 與台灣的座標
Q：作為 NAU 台灣首位成員，您認為這次展出對於台日藝術交流有何意義？
王穆提：「NAU 的前身是 1960 年代的『新達達』，那是日本前衛藝術的黃金時代。能以台灣人的身分加入這個系譜，並獲得獨立策展空間，我認為這象徵著一種『平視』。
我們不再是單方面地接受日本或西方的美學標準，而是帶著台灣的 阿里山、帶著東方的 中道思想、帶著我們對數位時代的獨特反思，來到這裡進行對話。
我在國立新美術館建立的不是一個展位，而是一個 『台灣異托邦』。在這裡，文化沒有優劣，只有連立（Renritsu）與共生。我希望這三件作品能成為一個座標，證明台灣當代藝術有能力在世界級的殿堂中，發出屬於自己的、清晰而響亮的聲音。」
未來的預言
隨著 2026 年 2 月的個展落幕，王穆提在東京留下的不僅是三件鉅作，更是一個關於 「藝術如何回歸崇高」 的深刻提問。在這個萬物皆可 NFT 化、皆可 AI 生成的時代，王穆提選擇了一條最艱難的路：巨大的尺幅、難以控制的流動媒材、極高強度的身體勞動。他用 「數位專家」 的冷靜，洞悉了虛擬的極限；用 「前衛藝術家」 的熱情，擁抱了物質的溫度。這場在國立新美術館的個展，是王穆提藝術生涯的里程碑，也是台灣當代藝術走向國際核心舞台的一次重要突圍。正如他畫中那道穿越迷霧的 《中道之光》，這場展覽為迷茫的當代藝術，指引了一個關於「深度」與「真實」的方向。
