策劃・撰文 ／ 王 穆提（WANG MUTI）

當科學家拿起畫筆

台灣藝術家 廖純沂（Liau, Chun-Yi） 的雙拼鉅作 《未竟（Becoming）》，卻像是一座 「靜謐的實驗室」。

她不是一位普通的畫家，而是一位擁有 中山醫學大學醫學研究所博士 學位的研究者。她手中的畫筆，如同實驗室裡的移液管（Pipette）；她選用的 熟宣紙，如同顯微鏡下的玻片。

不同於生宣的狂放潑灑，廖純沂利用 熟宣不吸水 的特性，進行了一場關於 「層次」 與 「物質」 的精準實驗。她將生物學對生命的微觀理解，轉化為宏觀的彩墨哲學，在日本的藝術殿堂中，展示了一種 「理性的詩意」。

 廖純沂選擇了 熟宣（Sized Xuan） 結合 礦物顏料（岩彩）。

• 熟宣因經過膠礬加工，紙質較硬且不吸水，這使得顏料不是滲透進去，而是 「堆疊」 在紙面上。
• 這種堆疊創造了物理上的 「厚度」 與 「浮雕感」。在美術館的聚光燈下，礦物顏料的晶體會產生折射，使得畫面具有一種 「寶石般的物質感」，從而撐起了巨大的展示空間。

廖純沂的作品是一個 「內吸」 的場域， 那深邃的藍色肌理，如同深海或宇宙黑洞，強迫觀眾走近，去凝視那些如同細胞分裂般的細節。她以 「精微」 對抗 「巨大」，在喧囂的六本木創造了一個精神的沈思點。

身分的雙重性

—— 醫學博士的研究視角：從培養皿到畫仙紙

要解讀《未竟》，必須先理解創作者的 「眼」。廖純沂的眼睛，是受過嚴格科學訓練的。

1. 非臨床，而是研究（Not Clinical, But Research）

她不是在病床邊診斷的醫生，而是在實驗室探索機制的 博士研究者。 這意味著她關注的不是「治癒」，而是 「原理」。

• 在她的畫中，牡丹花不是文人筆下的富貴象徵，而是 「生物能量的聚合體」。
• 背景的紋理不是寫意的雲煙，而是 「分子結構」 或 「有機組織」 的模擬。

2. 實驗精神的轉移

作為 台灣生物化學及分子生物學學會 的會員，她習慣於控制變因。 在創作中，她將這種精神帶入了 「材質實驗」。熟宣紙的膠礬濃度、礦物顏料的顆粒大小、水分蒸發的速度，都是她調控的參數。她像是在進行一場化學實驗，追求在 「控制（Control）」 與 「隨機（Chance）」 之間的完美平衡。

作品深度解構

—— 《未竟》的物質辯證與視覺修辭

作品： 《未竟》 (Becoming) 規格： 138 x 138 cm (雙拼 / 兩張4尺全開) 媒材： 熟宣紙、彩墨、礦物顏料

這是一件建立在 「熟宣特性」 之上的技術傑作。

一：熟宣的化學（不吸水的控制美學）

與生宣的「一筆定江山」不同，熟宣允許 「反覆渲染」 與 「清洗」。 廖純沂充分利用了這一點。

• 積染法（Layering）： 畫面那深沈的藍色背景，並非一次塗抹而成，而是經過數十次的淡墨與花青 層層疊加。因為紙張不吸水，每一層顏料乾燥後都形成一個薄膜，光線穿透這些薄膜，產生了深邃的 「通透感（Transparency）」。

二：藍色的原生湯（細胞與虛空的隱喻）

          背景中那些白色的、絮狀的、圓形的紋理，是整幅畫最迷人的地方。

• 技法推測： 這極可能是利用熟宣的特性，運用了 「撞水」 或 「撒鹽」 技法。在顏料未乾時滴入清水或化學溶劑，利用表面張力將顏料推開。
• 科學隱喻： 在醫學博士的眼中，這就像是顯微鏡下的 「細胞培養基（Culture Medium）」，或者是生命的 「原生湯（Primordial Soup）」。這是生命誕生前的混沌狀態，充滿了可能性。

三：礦岩的堆疊（黃色牡丹的能量實體）

         前景的牡丹花使用了 黃色系的礦物顏料。廖純沂的作品基礎在於 「勾勒」。這種技法繼承自宋代工筆的精神，講究線條的韌性、起伏與轉折。

• 線條的厚度： 她的勾勒並非死板的「描邊」，而是具備書法美感的 「鐵線描」 或 「蘭葉描」 的變奏。這種線條賦予了物體物理上的重量感與穩定性，使畫面在視覺上產生了一種 「結構性的真實」。
• 理性的界定： 透過精準的勾勒，廖純沂在畫布上定義了虛與實、內與外的界限。這種界限感，是對當代氾濫的模糊影像的一種回應，展現了她對事物 「本質結構」 的尊重。

2. 小寫意的氣韻調節：流動的精神性

在嚴密的勾勒基礎之上，廖純沂引入了 小寫意 的渲染與隨意性。

• 筆墨的呼吸： 不同於大寫意的狂放，她的小寫意表現為在既定的輪廓內，進行微妙的水分控制與層次疊加。這種手法讓原本生硬的線條框架中，充盈著流動的空氣感與生命力。
• 偶然性的控制： 在色彩的暈染中，她容許墨色在勾勒的邊界內進行局部的流竄與碰撞。這種 「受控的偶然性（Controlled Contingency）」，讓她的作品在精緻中帶有文人畫的優雅與從容。

技法的煉金術

—— 「撞水撞粉」與「晶體沈澱」的實驗

廖純沂的創作過程，是一場 物理與化學的展演。

1. 液體的張力學

在熟宣上作畫，水分會浮在紙面上很長時間。廖純沂利用這段時間，讓不同比重的顏料（如重金屬礦物色與輕質植物色）在水中自然分離、沈澱。 這種 「沈澱紋理」 是生宣無法做到的。它模仿了地質沈積或生物組織的生成過程，賦予畫面一種 「自然演化」 的真實感。

2. 書法線條的隱性支撐

廖純沂的藝術成就，在於她勇敢地回歸了水墨最核心、也最困難的領地——「線條」。

她拒絕沒骨畫法那種容易流於甜美的軟弱，選擇以 工筆勾勒為基石，再輔以 小寫意的精神導向。這種 「剛柔並濟」 的策略，不僅保存了傳統繪畫的精髓，更賦予了水墨在當代視覺環境中一種 「清醒的、結構性的」 力量。

哲學的凝視

—— 「未竟」作為一種生物學的生成狀態

標題 《未竟（Becoming）》 是一個哲學與科學的雙重命題。

1. 生物學的動態平衡

在生物學中，生命體永遠處於 「代謝（Metabolism）」 之中。細胞不斷凋亡與再生，沒有一刻是靜止的「完成態」。 廖純沂描繪的正是這種狀態。畫面右上方的模糊光暈，與左下方的具象花朵，暗示了 「能量的聚散」。生命從藍色的虛空中「生成」，短暫綻放，然後又回歸虛空。

2. 德勒茲的生成論

這與哲學家德勒茲（Deleuze）的「生成」概念不謀而合。這幅畫不是對牡丹的再現（Representation），而是捕捉了牡丹 「正在成為牡丹」 的那個過程。

系譜的對話

—— 膠彩畫的細膩與當代水墨的氣韻

廖純沂的作品位於多種藝術傳統的交匯點。

1. 與膠彩畫（Nihonga）的對話

由於使用熟宣與礦物顏料，她的作品具有 日本膠彩畫 的細膩質感與裝飾性。這使得她在日本 NAU 展覽中，能夠迅速獲得當地觀眾的文化共鳴。

2. 與宋代院體畫的對話

熟宣是宋代工筆畫的主要載體。廖純沂繼承了宋畫 「格物致知」 的精神，但在形式上大膽革新，拋棄了傳統的寫實，走向了 「半抽象」 的心象風景。

熟宣上の分子詩学：廖純沂の微視的凝視と生命の流動

企画・文責 ／ 王 穆提（WANG MUTI）

科学者が筆を握るとき

台湾のアーティスト、廖純沂（Liau, Chun-Yi）氏の大作二部作 《未竟（Becoming）》 は、一種の「静謐な実験室」のような印象を与えます。

彼女は一般的な画家ではなく、中山医科大学大学院で博士号を取得した研究者です。手にする筆は、まるで実験室のピペットのようであり、使用する熟宣紙は、顕微鏡下のスライドのようでもあります。

生宣紙の奔放な滲みとは異なり、廖氏は熟宣紙の不吸水性を活かし、「層次」と「物質」に関する精密な実験を行いました。彼女は生物学的な生命の微視的理解を、宏観的な彩墨哲学に転換し、日本の美術の殿堂で「理性的な詩情」を提示しました。

廖純沂は熟宣紙と鉱物顔料（岩彩）を組み合わせています。

• 熟宣紙は膠礬加工により紙質が硬く、不吸水であるため、顔料は浸透せず紙上に「積層」されます。
• この積層によって、物理的な「厚み」と「浮彫感」が生まれます。美術館のスポットライトの下で鉱物顔料の結晶が光を屈折させ、「宝石のような物質感」を画面に与え、展示空間を支えます。

廖氏の作品は「内向きの吸引場」であり、深い青のテクスチャーは深海や宇宙のブラックホールのようで、観客に近づき、細胞分裂のような微細なディテールを凝視させます。彼女は「微細さ」で「巨大さ」に対抗し、喧騒の六本木に精神的な沈思の場を生み出しました。

身分の二重性
— 医学博士の研究視点：培養皿から画仙紙まで

《未竟》を理解するには、まず創作者の「眼」を理解する必要があります。廖氏の眼は、厳密な科学訓練を受けています。

1. 臨床ではなく、研究（Not Clinical, But Research）
   彼女は病床で診断する医師ではなく、実験室でメカニズムを探求する博士研究者です。つまり、注目するのは「治癒」ではなく「原理」です。

• 彼女の画における牡丹は文人画の富貴象徴ではなく、「生物エネルギーの集合体」です。
• 背景のテクスチャーは意象的な雲煙ではなく、「分子構造」や「有機組織」の模倣です。

2. 実験精神の転換
   台湾生化学・分子生物学学会の会員として、彼女は変数の管理に慣れています。創作においても、この精神を「素材実験」に持ち込みました。熟宣紙の膠礬濃度、鉱物顔料の粒度、水分蒸発速度など、すべてが調整されるパラメータです。まるで化学実験のように、「制御（Control）」と「偶然（Chance）」の完璧なバランスを追求しています。

作品の深層解構
— 《未竟》の物質的弁証法と視覚的修辞

作品：《未竟》 (Becoming)
規格：138 x 138 cm（二部作 / それぞれ4尺全開）
素材：熟宣紙、彩墨、鉱物顔料

一：熟宣紙の化学（不吸水による制御美学）
生宣紙の「一筆定江山」とは異なり、熟宣紙は「反復的な塗重ね」と「洗浄」が可能です。廖氏はこれを最大限に活用しています。

• 積染法（Layering）：深い青の背景は一度塗りではなく、数十回の淡墨と花青の重ね塗りにより形成されます。紙が水を吸収しないため、各層が乾燥後に薄膜を作り、光が透過することで深い「透明感（Transparency）」が生まれます。

二：青色の原生スープ（細胞と虚空の隠喩）
背景の白い絮状の円形模様は、作品で最も魅力的な部分です。

• 技法推測：熟宣紙の特性を活かし、「水打ち（撞水）」や「塩撒き（撒鹽）」を使用した可能性があります。乾かないうちに水や化学溶剤を滴下し、表面張力で顔料を広げます。
• 科学的隠喩：医学博士の視点では、これは顕微鏡下の「細胞培養基（Culture Medium）」、あるいは生命の「原生スープ（Primordial Soup）」のようです。生命誕生前の混沌状態であり、無限の可能性に満ちています。

三：鉱岩の積層（黄色牡丹のエネルギー実体）
前景の牡丹は黄色系の鉱物顔料で描かれています。廖氏の作品は「勾勒（輪郭線描写）」を基礎としており、宋代工筆画の精神を継承しています。

• 線の厚み：輪郭線は単なる「縁取り」ではなく、書道的美感を備えた「鉄線描」や「蘭葉描」の変奏です。物理的な重量感と安定性を与え、視覚的に「構造的リアリティ」を生み出します。
• 理性的な界定：正確な勾勒により、虚と実、内と外の境界を画布上で定義します。これは現代の曖昧な映像への応答であり、事物の「本質構造」への尊重を示します。

2. 小写意による気韻調整：流動する精神性
厳密な勾勒の上で、小写意の渲染と随意性を導入しています。

• 筆墨の呼吸：大写意の奔放さとは異なり、輪郭内で微妙な水分調整と層重ねを行います。硬い線の枠組みに流動感と生命力が宿ります。
• 偶然性の制御：色彩の滲みで、輪郭内で局所的に墨色が流れ、衝突することを許します。この「制御された偶然性（Controlled Contingency）」により、精緻さと文人画の優雅さを兼ね備えます。

技法の錬金術
— 「撞水撞粉」と「結晶沈澱」の実験

廖氏の創作過程は、物理と化学の舞台です。

1. 液体の張力学
   熟宣紙上では水分が長時間浮かびます。異なる比重の顔料（重金属鉱物色と軽質植物色）が水中で自然に分離・沈澱し、「沈澱模様」を生みます。生宣紙では得られない、地質的堆積や生物組織の生成過程を模倣した自然進化のリアリティです。
2. 書道線の隠性支撑
   廖氏の美術的成就は、水墨の核心で最も困難な領域「線」に勇敢に立ち返ったことにあります。

• 骨法のない甘い描法を避け、工筆で輪郭を描き、小写意で精神的指導を補助します。この「剛柔並濟」の戦略により、伝統の精髄を守りつつ、現代視覚環境で「明晰で構造的な」力を水墨に与えます。

哲学的凝視
— 「未竟」としての生物学的生成状態

タイトル 《未竟（Becoming）》 は哲学と科学の二重命題です。

1. 生物学的動態平衡
   生物は常に「代謝（Metabolism）」中にあります。細胞は絶えず死と再生を繰り返し、静止した「完成形」は存在しません。廖氏はまさにこの状態を描きました。画面右上のぼやけた光暈と左下の具体的な花は「エネルギーの集散」を暗示し、生命は青の虚空から「生成」し、短く咲き、再び虚空へ戻ります。
2. ドゥルーズの生成論
   哲学者ジル・ドゥルーズ（Deleuze）の「生成（Becoming）」概念と符合します。牡丹の再現（Representation）ではなく、「牡丹になりつつある牡丹」の過程を捉えています。

系譜の対話
— 胶彩画の繊細さと現代水墨の気韻

廖氏の作品は多様な芸術伝統の交差点にあります。

1. 日本膠彩画（Nihonga）との対話
   熟宣紙と鉱物顔料の使用により、日本膠彩画の繊細さと装飾性を備えています。NAU展では日本の観客に文化的共鳴を与えました。
2. 宋代院体画との対話
   熟宣紙は宋代工筆画の主な媒体です。廖氏は宋画の「格物致知」の精神を継承しつつ、形式面では大胆に革新し、伝統的写実を捨て、半抽象的な心象風景に向かいました。

Molecular Poetics on Sized Xuan: Chun-Yi Liau’s Microscopic Gaze and the Flow of Life

Curated and Written by WANG MUTI

When a Scientist Picks Up a Brush

The monumental diptych “Becoming” by Taiwanese artist Chun-Yi Liau resembles a “tranquil laboratory.”

Liau is not an ordinary painter; she holds a Ph.D. from the Graduate Institute of Medical Science at Chung Shan Medical University. Her brush functions like a laboratory pipette, and her chosen sized Xuan paper serves as a microscope slide.

Unlike the free-flowing gestures on raw Xuan paper, Liau leverages the non-absorbent property of sized Xuan for a precise exploration of “layers” and “matter.” She transforms a microscopic understanding of life from biology into a macroscopic philosophy of color and ink, presenting a “rational poetics” within Japanese art institutions.

Liau combines sized Xuan paper with mineral pigments (Iwa-sai).

• Due to alum sizing, the paper is harder and non-absorbent, so pigments do not penetrate but instead stack on the surface.
• This stacking creates physical “thickness” and a “relief effect.” Under museum spotlights, the crystalline mineral pigments refract light, giving the surface a “gem-like materiality” that supports the grand scale of the display.

Liau’s works create an “inward pull,” where deep blue textures resemble the ocean or a cosmic black hole, compelling viewers to approach and examine details reminiscent of cell division. She uses “fineness” to counter “magnitude,” establishing a meditative point amid the bustle of Roppongi.

Dual Identity
— The Perspective of a Medical Doctor: From Petri Dish to Xuan Paper

To understand Becoming, one must first understand the artist’s “eye,” trained rigorously in scientific methodology.

1. Not Clinical, But Research
   She is not a clinician at a patient’s bedside but a Ph.D. researcher exploring mechanisms in the laboratory. She is concerned with “principles” rather than “healing.”

• The peony in her painting is not a literati symbol of wealth but a “concentration of biological energy.”
• Background textures are not expressive clouds but simulations of “molecular structures” or “organic tissues.”

2. Transferring the Experimental Spirit
   As a member of the Taiwan Society of Biochemistry and Molecular Biology, she is accustomed to controlling variables. She translates this approach to “material experiments” in her art. Alum concentration in the paper, particle size of pigments, evaporation speed—all are parameters she regulates. She seeks a perfect balance between “Control” and “Chance,” akin to a chemical experiment.

Deep Deconstruction of the Work
— Material Dialectics and Visual Rhetoric in Becoming

Work:Becoming
Dimensions: 138 x 138 cm (diptych / each 4-shaku full sheet)
Materials: Sized Xuan paper, color ink, mineral pigments

1. Chemistry of Sized Xuan (Controlled Aesthetics of Non-Absorbency)
Unlike raw Xuan’s “one-stroke conquest,” sized Xuan allows repeated layering and washing, fully utilized by Liau.

• Layering: The deep blue background is built over dozens of washes of diluted ink and indigo. As the paper does not absorb water, each layer dries into a thin film; light passing through produces profound transparency.

2. The Blue Primordial Soup (Metaphor of Cells and Void)
The white, fibrous, circular textures in the background are the most captivating.

• Technique: Likely involves “water collision” or “salt sprinkling” techniques, applying water or chemical solvents to wet pigment to spread via surface tension.
• Scientific Metaphor: From a medical perspective, these resemble a microscopic culture medium or life’s primordial soup, a chaotic pre-life state full of potential.

3. Stacking of Minerals (Yellow Peony as Energy Entity)
The foreground peonies employ yellow mineral pigments. Liau’s work is grounded in contour drawing, inheriting the spirit of Song dynasty gongbi painting.

• Line Thickness: Contours are not rigid outlines but calligraphically inspired variations, imparting physical weight and stability, creating a sense of structural realism.
• Rational Definition: Through precise outlining, she defines the boundaries of reality and illusion, inside and outside, responding to today’s blurred imagery and honoring the essential structure of things.

4. Subtle Expressionistic Modulation: Flowing Spirituality
Over meticulous outlines, she introduces small expressive washes and spontaneity.

• Breathing with Ink: Unlike grand expressive strokes, she carefully controls water and layering within set contours, infusing lines with airiness and vitality.
• Controlled Contingency: She allows pigments to flow and collide within contours, balancing refinement with literati elegance.

Alchemy of Technique
— Experiments in “Water Collision” and “Crystal Precipitation”

Her process is a performance of physics and chemistry.

1. Fluid Tension
   Water lingers on sized Xuan, allowing pigments of different densities to separate and settle naturally, creating sedimentary textures mimicking geological deposits or tissue formation, impossible on raw Xuan.
2. Implicit Support of Calligraphic Lines
   Her achievement lies in returning courageously to the most challenging core of ink painting: lines. She rejects soft, overly sweet techniques, building on gongbi outlines with small expressive guidance—a strategy of strength and delicacy that preserves tradition while giving ink painting structural clarity in contemporary contexts.

Philosophical Gaze
— Becoming as a Biological Generative State

The title Becoming presents a dual philosophical and scientific proposition.

1. Dynamic Biological Equilibrium
   Life is always in metabolism. Cells die and regenerate continuously; there is no static “completion.” Liau depicts this: blurred light at the upper right and concrete flowers at the lower left signify energy aggregation and dispersion, showing life emerging from the blue void, blooming briefly, and returning to emptiness.
2. Deleuze’s Concept of Becoming
   This aligns with Gilles Deleuze’s notion of “becoming.” The painting does not represent the peony but captures the process of the peony becoming a peony.

Dialogue of Lineage
— Delicate Nihonga and the Spirit of Contemporary Ink

Liau’s work sits at the intersection of multiple artistic traditions.

1. Dialogue with Nihonga
   Using sized Xuan and mineral pigments, her work embodies the delicate texture and decorative qualities of Japanese Nihonga, resonating with Japanese audiences at the NAU exhibition.
2. Dialogue with Song Dynasty Gongbi
   Sized Xuan was the primary medium for Song gongbi painting. Liau inherits the gewu zhizhi (investigation of things to acquire knowledge) spirit but innovates boldly in form, abandoning strict realism and moving toward semi-abstract mental landscapes.